Les organisations artistiques représentées dans l’enquête ont tendance à être d’accord avec l’idée qu’Internet et les médias sociaux ont « accru l’engagement » et ont fait de l’art une expérience plus participative, et qu’ils ont contribué à rendre « les publics des arts plus diversifiés ». »Ils ont également tendance à convenir qu’Internet a »joué un rôle majeur dans l’élargissement des frontières de ce qui est considéré comme de l’art. »
Pourtant, dans le même temps, la majorité des organisations artistiques interrogées pensent également que les appareils mobiles, les sonneries de téléphones portables et les textos créent des « perturbations importantes » pour les spectacles en direct, et que la technologie contribue à une attente selon laquelle « tout le contenu numérique devrait être gratuit. »Les répondants au sondage étaient partagés quant à leurs opinions quant à savoir si la technologie avait eu un impact négatif sur la capacité d’attention du public pour les performances en direct, mais ils sont uniformément en désaccord sur le fait qu’elle a « dilué les arts » en ouvrant de nouvelles voies à la participation aux arts et à la critique artistique.
Malgré les commentaires dans les réponses ouvertes, seulement 35% des répondants sont d’accord avec l’affirmation selon laquelle Internet a réorienté l’attention des organisations artistiques vers le marketing et la promotion, et encore moins (22%) pensent qu’Internet et ses offres infinies entraînent une diminution de la fréquentation des événements en personne.
Prédire les impacts de la technologie et des médias sociaux
Invités à prévoir l’impact que la technologie et les médias sociaux auront sur le terrain dans son ensemble dans les années à venir, les répondants ont mentionné tout, des implications pratiques aux idées plus larges et interrogatrices sur l’avenir de la créativité.
D’un point de vue pratique, de nombreuses organisations affirment que la technologie les rendra plus efficaces:
capacité de servir plus de personnes et à moindre coût.
Internet permet à notre organisation de se commercialiser plus efficacement grâce à la publicité en ligne, à la présence de blogs et aux échanges sur les médias sociaux. Nous avons pu réduire nos budgets et augmenter nos revenus en utilisant efficacement les ressources en ligne.
Cela facilite également grandement leur capacité à réserver des talents et à savoir à quoi s’attendre:
Pour les programmateurs artistiques, l’accès à des médias de haute qualité pour examiner les artistes avant de les évaluer en direct a été un énorme pas en avant. Spotify à lui seul a rendu beaucoup plus facile d’avoir une première impression d’un artiste – plus besoin d’attendre les dossiers de presse, d’accéder uniquement à ce qu’il a posté sur ses sites Web, etc.
D’autres ont commenté comment la technologie change le comportement du public acheteur de billets:
L’achat de billets de dernière minute et la tendance à l’abandon des forfaits d’abonnement traditionnels se poursuivront probablement, car Internet a libéré les gens d’avoir à planifier la plupart des événements bien à l’avance. Cela affectera la prévisibilité des revenus. Du côté positif, les médias sociaux ont été un excellent outil de marketing de bouche à oreille.
Bien qu’il soit impossible de savoir à quoi ressembleront Internet et les technologies numériques dans 10 ans, la tendance à davantage d’informations communiquées plus rapidement à un public plus ciblé avec un retour plus immédiat du destinataire est susceptible de se poursuivre. Nous pensons que cela amène les gens à retarder leur prise de décision sur la façon dont ils passeront leur temps libre. Pour notre domaine, cela s’est généralement traduit par une baisse des abonnements, une diminution des ventes de billets à l’avance et une augmentation des ventes au guichet de dernière minute.
Au–delà de la pratique, l’un des thèmes positifs prédominants est que la technologie augmente – et continuera d’augmenter – l’accès aux arts. Dans certains cas, la technologie est simplement considérée comme un moyen d’améliorer le marketing et la communication pour obtenir plus de « mégots dans les sièges », mais de nombreux répondants ont souligné son pouvoir d’élargir et d’approfondir l’expérience du public.
La technologie les aide à initier davantage de publics à l’art:
Le monde numérique est une force très populiste, nivelant le monde entre riches et pauvres, éduqués et sans instruction. Dans notre cas, une organisation avec un nom comme « Société historique » a un bouclier invisible qui fait rebondir les personnes qui sont en dessous du revenu médian, qui ne détiennent pas de diplômes universitaires, qui occupent des emplois de cols bleus, qui sont une minorité raciale ou culturelle. L’omniprésence de l’ordinateur, que ce soit par le biais de votre machine à la maison, de votre école ou de votre bibliothèque locale, signifie que toutes ces choses qui causent de l’inconfort n’ont pas d’importance. C’est un gros problème !
Il a étendu notre visibilité à de nombreuses personnes isolées qui n’ont peut-être jamais entendu parler de nos services, exploré la forme artistique ou qui peuvent avoir des obstacles financiers à l’adhésion. Nous leur montrons chaque jour ce que nous faisons, plutôt que de nous attendre à ce qu’ils trouvent un rapport annuel imprimé et un résumé du programme. Les médias sociaux sont des exemples concrets et immédiats de notre communauté vivante en action.
La technologie aide également les organisations artistiques à étendre leur impact, bien au-delà d’une performance ou d’un événement ponctuel:
Internet et les médias numériques offrent aux organisations artistiques une occasion extraordinaire d’étendre l’impact des arts. Un spectacle en direct peut être grandement complété par des opportunités d’engagement et d’éducation supplémentaires, et la capacité de partager des informations en ligne maximise notre capacité à offrir ces opportunités à un ratio d’investissement plus important. Nous pouvons atteindre beaucoup plus de personnes avec un article ou une vidéo qu’avec une conférence unique, par exemple.
Nous sommes en mesure de fournir des œuvres d’art datant de plus de 25 ans aux communautés avec lesquelles nous avons travaillé au fil des ans. Pour beaucoup, ces archives représentent la seule histoire médiatique de leur communauté. L’utilisation d’Internet a approfondi et élargi l’accès de nos circonscriptions qui sont souvent transitoires, sans base terrestre ou qui ont été historiquement isolées en raison de la géographie.
La technologie améliore l’accès aux arts en brisant les contraintes géographiques:
Je pense que cela améliorera grandement l’accessibilité au domaine des arts – d’un point de vue monétaire et d’un point de vue logistique. Les personnes qui vivent en dehors des zones urbaines pourront vivre des performances quelque peu limitées aux grandes zones urbaines. Les organismes artistiques devront reconsidérer le niveau/le type d’interaction avec leur public.
La technologie aide les organisations à atteindre des communautés plus diversifiées– même à l’échelle mondiale:
Le plus grand impact sera la capacité des organisations à but non lucratif à partager du contenu éducatif et des œuvres d’art et des performances stimulantes dans le monde entier. Il suscitera également des conversations entre diverses communautés et aidera les individus à développer une meilleure compréhension – et, espérons-le, une appréciation permanente des arts.
Internet permettra aux arts de la scène d’atteindre un public local, de promouvoir le tourisme et de rendre les arts culturels créés dans une région accessibles à la nation et au monde.
La technologie permet de créer une communauté autour d’une œuvre d’art:
Il y a une opportunité puissante pour les arts de créer des communautés autour de performances, de spectacles, d’expositions et de leurs thèmes et de leur histoire. Par exemple, un spectacle de Broadway comme « Next to Normal » pourrait (et a probablement) créé des communautés pour discuter et partager des ressources sur la maladie mentale.
Certaines organisations parlent avec enthousiasme de la démocratisation de l’art et de la création, tandis que d’autres ont exprimé leur enthousiasme face au défi de répondre à de nouvelles demandes et attentes:
Poursuivre la transition du passif à la participation, du hiérarchique au démocratique, des médias traditionnels aux médias en ligne, de la forme artistique unique à l’interdisciplinaire.
La possibilité d’élargir considérablement et de créer un public plus diversifié est très excitante car traditionnellement, notre public est plus âgé et plus blanc que la région dans laquelle nous vivons. De plus en plus, nous voyons une partie de notre contenu se développer dans des recoins surprenants d’Internet – ce qui signifie certainement un public en mutation. Le défi sera pour ce public d’identifier notre contenu avec les créateurs et l’institution, et non pas simplement de le faire exister comme plus de divertissement ou de bruit sur Internet. Au cours des deux prochaines années, le rôle des appareils mobiles ne fera que changer la façon dont les gens organisent leur propre expérience et s’engagent dans le contenu artistique. En radio, cela représente un défi passionnant et intimidant en termes de structure de financement et de fidélisation de la station.
Les défis que présente la technologie numérique
Ces organisations artistiques réalisent qu’avec ces avantages viennent des inconvénients. Alors que les technologies numériques ont conduit à la création d’outils et d’applications de plus en plus éblouissants, de nombreuses organisations artistiques s’inquiètent de l’effet à long terme sur le public, le terrain et leur mission même.
Un certain nombre de répondants s’inquiètent de répondre aux attentes accrues du public:
Les gens auront des attentes plus élevées pour un événement en direct. Pour que le public investisse le temps et les efforts nécessaires pour assister à un spectacle en direct, le travail qu’il voit devra être plus engageant et de meilleure qualité. Les événements devront être plus sociaux et permettre une plus grande participation et un accès en coulisses. Les espaces événementiels devront être plus beaux, plus confortables, plus accueillants et plus accessibles.
Le public est déjà passé de « la fréquentation artistique en tant qu’événement » à « la fréquentation artistique en tant qu’expérience. »Ce désir d’une expérience positive complète, de l’achat de billets, au voyage, au stationnement, au traitement dans l’espace, à la qualité de la performance, à la sortie – cela ne fera qu’augmenter au cours des 10 prochaines années.
Le plus grand impact d’Internet sur les éditeurs indépendants sera les attentes du public. Le public s’attend à ce que tout soit disponible numériquement et nécessitera une expérience engageante au lieu d’une expérience statique.
Certains soulignent le problème de répondre aux attentes du public avec un budget limité:
Gérer les attentes. Internet et les technologies numériques sont des outils puissants. Le public s’attend à ce que le contenu soit gratuit. Il y a une méconnaissance des ressources (financement et personnel) nécessaires pour gérer et préserver le contenu numérique. Ces coûts devront être répercutés sur les utilisateurs.
D’autres craignent que l’effort pour répondre aux attentes du public n’influence les choix artistiques, même des formes d’art entières:
Certaines idées ne peuvent pas être condensées en 140 caractères ou moins. J’espère que les technologies n’affectent pas négativement le dramaturge. J’espère que le dramaturge n’écrit pas uniquement pour une génération Twitter.
Les performances en direct seront diminuées. Les plus jeunes ne veulent pas se présenter à un moment précis, à un endroit précis pour un spectacle en direct — ils veulent télécharger de la musique à leur convenance. Le pouvoir du spectacle vivant est perdu et la convocation civique – le bâtiment communautaire est perdu.
Certaines organisations artistiques ont reconnu ce changement et font de leur mieux pour s’adapter:
Je crois que les technologies numériques sont là pour rester, et nous, en tant que forme d’art, devrions les embrasser et apprendre à travailler à leurs côtés. Nous fournissons des scripts à ceux qui sont assis dans nos tweetseats, afin qu’ils obtiennent les guillemets correctement. Nous devons travailler à leurs côtés ou faire face à leur aliénation.
Je crois que le public continuera d’avoir une portée d’attention de plus en plus courte et insistera pour pouvoir utiliser les smartphones et autres appareils dans le cadre d’une performance. En tant qu’industrie, nous devrions cesser de nous battre et essayer de trouver des moyens d’intégrer cette réalité dans notre vie quotidienne.
Nous devrons devenir beaucoup moins liés à la programmation en direct, en personne et certainement moins liés aux sièges ancrés dans les salles de concert. Les programmes devront inclure une participation beaucoup plus personnelle des consommateurs, sinon ils ne seront pas intéressés à s’engager.
Un certain nombre de répondants s’inquiètent de la diminution de la capacité d’attention des auditoires et de l’impact à long terme sur le terrain:
À mesure que la capacité d’attention diminuera, la programmation d’œuvres plus longues (par exemple, la Symphonie no 9 de Beethoven) deviendra plus problématique. À mesure que nous avançons, nous devrons peut-être envisager des moyens d’embrasser le monde numérique et connecté pour mieux engager le public en direct ou courir le risque de rendre les performances musicales en direct non pertinentes.
Le plus grand impact pourrait être l’expansion de nos audiences, mais le pire impact est la durée d’attention du moment de l’interaction. Je crains que cela ne raccourcisse les temps de représentation de nos formes d’art.
La technologie a brouillé les frontières entre le divertissement commercial et l’art non commercial, forçant les organisations artistiques à concurrencer plus directement toutes les autres formes de divertissement:
Fondamentalement, nous sommes en compétition pour la « fente de divertissement » dans les horaires des gens, et plus ils peuvent obtenir de divertissement via la télévision HD, Netflix, Jeux vidéo, etc., moins ils ont de temps pour les spectacles en direct, ce qui implique également de faire un effort pour se rendre sur le lieu (par opposition à s’affaisser sur le canapé devant l’écran HD). Aussi, des films, des jeux vidéo, etc., sont à la fois plus pratiques et moins chers que les performances en direct.
Il a également brouillé les frontières entre une expérience virtuelle et réelle:
Comme le réalisme du divertissement numérique participatif (jeux vidéo, etc.) et la capacité d’immersion du divertissement numérique non participatif (films 3D, etc.) augmente, il menace les éléments qui rendent les arts vivants uniques – le sentiment d’immédiateté, d’immersion et d’interaction personnelle avec l’art. Nous sommes depuis longtemps convaincus qu’il n’y a rien de tel qu’une expérience en direct, mais le divertissement numérique se rapproche de plus en plus de la reproduction de cette expérience, et le théâtre en direct aura du mal à rivaliser avec la commodité et le coût du premier.
Certains répondants ont abordé des questions propres à leur domaine ou à leur discipline. Les organisations de cinéma et de cinéma parlent de la pression à laquelle elles sont confrontées pour préserver la « spécificité » du grand écran lorsque le visionnage à domicile à la demande est déjà répandu:
En tant que cinéma qui approche de notre cinquième anniversaire, nous avons connu une croissance significative de l’audience malgré le fait que de nombreux films que nous jouons sortent « jour et date » à la demande. Alors que le streaming et le piratage augmentent, nous avons réussi à transmettre le message que voir des films sur grand écran avec un public est une expérience culturelle singulière et importante. Je ne peux pas assez insister sur l’importance d’Internet et des médias sociaux dans nos efforts de marketing. C’est certainement une valeur nette positive.
En tant qu’exposant de films, notre défi est de passer par la convergence numérique pour la projection et l’exposition, un changement extrêmement coûteux qui n’a même pas une viabilité à long terme (ces systèmes devront être améliorés et / ou changés tous les 3-5 ans). Trouver les revenus de ces systèmes numériques est un défi énorme et une menace pour nos activités en cours.
D’autres personnes travaillant dans le cinéma craignent que la qualité et la quantité de films diminuent:
Dans le domaine de la production et de la distribution de films, un accès accru à Internet et au numérique se traduira par un nombre beaucoup plus réduit de salles de cinéma, car le public aura un meilleur accès chez lui au support. Déjà, à mesure que les dollars de marketing deviennent plus limités pour les films, les sociétés de production raccourcissent la durée de vie des films dans une salle de cinéma et les transfèrent de plus en plus tôt vers les médias numériques et télévisuels.
Les organisations de la tradition du livre littéraire sont confrontées à des défis similaires avec les livres électroniques:
La littérature et le livre sont très impactés par les technologies numériques en raison de la popularité croissante des livres électroniques et de l’influence de grands libraires en ligne comme Amazon. Il y a des effets à la fois bons et mauvais associés à ces technologies. De nos jours, les livres sont plus facilement accessibles à un plus grand nombre de personnes, mais il est difficile pour l’industrie du livre de produire un revenu durable, que ce soit pour les particuliers ou pour les organisations. Il est essentiel que le public comprenne l’importance de soutenir les organisations littéraires à but non lucratif, les éditeurs, les librairies indépendantes, les bibliothèques et les autres partisans de la culture du livre et, à son tour, il est crucial que les fondations et le gouvernement fournissent ce soutien.
Tous les magazines littéraires sont en péril en ce moment, donc si des magazines comme le nôtre continuent d’exister, ce sera à cause d’un changement de paradigme dans la façon dont la littérature est financée en tant que forme d’art aux États-Unis. Je déteste croire que les publications imprimées cesseront d’exister parce qu’elles sont encore plus belles, mais tous les éditeurs devront éventuellement créer des éditions numériques et imprimées simultanées, j’imagine, ce qui rendra l’ensemble de l’entreprise plus coûteuse.
Certains répondants craignent que ces forces technologiques et culturelles perturbatrices rendent plus difficile la survie de certaines formes d’art à grande échelle:
Je crois que les producteurs artistiques les plus chers – les orchestres symphoniques, par exemple – auront plus de mal à attirer suffisamment de spectateurs pour continuer de la même manière qu’ils ont fonctionné au cours des dernières décennies. Les petits groupes auront plus de facilité à s’adapter car ils sont plus flexibles (ils ne nécessitent pas de grande scène ni de grande salle). Je suis très préoccupé par la perte de certaines des plus grandes musiques jamais écrites — la musique symphonique — pour cette raison.
D’autres ont évoqué des expériences innovantes — comme les représentations du Metropolitan Opera dans les salles de cinéma – comme un exemple de ce que les grandes institutions peuvent faire avec des financements:
Pour l’opéra, il l’a rendu plus accessible, en offrant une diffusion à faible coût des performances du Met. Cela a augmenté le public potentiel pour nos performances en direct. Il incombe à nos entreprises de promouvoir efficacement ces publics. Dans l’ensemble, je crois que l’effet est positif.
Les musées ont une perspective unique sur l’impact de la technologie. Cela a grandement amélioré leurs efforts de catalogage, mais certains craignent que cela finisse par réduire l’intérêt du public pour la « vraie chose »:
Cela changera radicalement la façon dont nous cataloguons et partageons les informations sur les collections; le musée en tant qu’autorité omnisciente et plus le canal d’informations riches axées sur les institutions ET les utilisateurs. Cela permettra également aux collections régionales de se lier à des collections similaires dans le monde entier – en tant que telles, nos collections locales peuvent être recontextualisées et rendues significatives d’une manière impossible sans les données liées et les technologies du web sémantique.
La technologie numérique et l’accessibilité des informations et des images qui en résulte, tout en favorisant l’accessibilité des collections en ligne, ont l’impact négatif de diluer le désir des individus de visiter le musée pour voir des œuvres d’art en personne.
Un certain nombre d’organisations ont mentionné la disparition des critiques et des filtres de confiance, ce qui s’est produit alors que les médias imprimés — en particulier les journaux locaux — ont réduit leur personnel et lutté avec une baisse des revenus publicitaires dans le cadre de cette transition numérique. Sans critiques, ils s’inquiètent de la façon dont le public artistique évaluera la qualité:
Les technologies numériques ont essentiellement rendu impossible pour les critiques de livres de subvenir à leurs besoins de manière traditionnelle; peut-être que les 10 prochaines années amèneront le déplacement de la critique du livre dans le monde universitaire, où les salaires sont payés pour l’enseignement, et la révision est une activité secondaire. Il y a vingt-cinq ans, les critiques qui travaillaient avaient des salaires à temps plein de journaux, de magazines et d’autres publications. Aujourd’hui, il n’y a qu’une poignée de critiques capables de le faire.
Notre principale préoccupation pour les arts littéraires est la « validité » croissante de l’auto-publication chez les critiques, les lecteurs et les écrivains. L’édition en ligne et la vente de livres via Amazon (par exemple) contribuent à ce problème. S’il n’y a pas de gardiens, il deviendra encore plus difficile d’attirer l’attention sur des œuvres d’une qualité véritablement élevée.
Pour certains, l’absence de critiques et d’avant-premières médiatiques des événements artistiques signifie que les organisations artistiques assument un fardeau encore plus lourd:
La disparition des quotidiens et des hebdomadaires et la fragmentation croissante des médias traditionnels de radio et de télévision, conjuguée à la consolidation croissante de la propriété des médias en raison de la révision des réglementations de la FCC, ont marginalisé la couverture et la critique des arts au point de ne plus jouer un rôle dans la conversation civique plus large. Par conséquent, il devient de plus en plus difficile d’atteindre et de mobiliser les membres potentiels du public et les participants aux arts, et a transféré la totalité du fardeau (et des coûts) aux organisations artistiques qui sont mal équipées et mal préparées à la fois à s’engager dans leur fonction traditionnelle (c.-à-d. soutenir la création et la présentation d’œuvres d’art) et à construire des structures de soutien pour remplacer les organisations médiatiques traditionnelles.
Certaines réponses portaient sur l’avenir des artistes eux-mêmes. Il est reconnu que les artistes d’aujourd’hui doivent aussi être des entrepreneurs:
Les technologies numériques égaliseront les règles du jeu pour tous et les artistes professionnels de la vieille école seront laissés pour compte. C’est l’avènement de l’amateur. Pour ceux qui sont avertis et en avance sur la courbe, il y a de l’argent à gagner si le contenu est fort. Cela signifie l’inversion complète d’un modèle basé sur les contributions fondé sur des sources de financement uniques et se dirige vers un modèle de revenus gagnés et un financement participatif. Aujourd’hui plus que jamais, les artistes doivent être des entrepreneurs et pas seulement des artistes. Vous ne pouvez pas survivre maintenant en tant qu’artiste à moins d’avoir un modèle d’affaires solide.
D’autres encore s’inquiètent ouvertement de la façon dont les artistes gagneront leur vie alors que les sources de revenus traditionnelles changent ou disparaissent:
est en train de devenir la principale plate-forme de distribution de documentaires, ce que nous faisons. Le DVD aura disparu dans dix ans. Les artistes vont avoir du mal à monétiser leur travail sur le Web.
L’accès sera bon à des fins éducatives et pour accroître la sensibilisation aux arts, en particulier au matériel historique dans les performances de tous types. Cependant, les questions de droit d’auteur et de paiement pour ce matériel, comme dans les applications et dans le streaming ou le téléchargement, sont troubles et difficiles à naviguer pour les artistes eux-mêmes quant à la valeur et à l’équité des paiements à l’artiste pour le contenu original.
Il y avait aussi des réponses contemplatives sur l’impact de la technologie sur la culture. Un répondant a souligné que la capacité de collaborer à l’échelle mondiale pourrait conduire à une plus grande homogénéité culturelle tandis qu’un autre s’inquiétait de l’avenir de l’art non numérisé:
Les technologies numériques permettent aux étudiants et aux artistes du monde entier de s’inspirer les uns des autres. À certains égards, c’est fantastique, à d’autres égards, cela décompose les différences culturelles qui sont si belles d’avoir plusieurs pays impliqués dans une forme d’art.
Les documents dont nous disposons qui ne sont pas disponibles numériquement seront perdus du dossier humain.
Enfin, plusieurs répondants ont résumé les enjeux auxquels sont confrontés les organismes artistiques, reliant les défis de répondre aux attentes du public à des options de financement limitées:
La participation aux spectacles favorisera les fans les plus fervents et ceux qui ont un revenu disponible et qui résident dans les villes, et la prévalence accrue des diffusions simultanées et des diffusions en direct modifiera l’expérience de visionnage tout en la rendant plus démocratique et abordable. Le public s’attend à ce que la présence numérique des institutions soit bien entretenue et organisée.
Les organisations continueront de devoir s’adapter et intégrer les technologies numériques à leur programmation. Ce sera une bonne chose pour les consommateurs d’art et les mécènes en augmentant l’accessibilité et en améliorant la collaboration. Dans le même temps, les organisations auront du mal à trouver du financement pour suivre le rythme de la technologie. Les bailleurs de fonds financent si rarement une partie de l’infrastructure nécessaire pour créer une programmation numérique de premier ordre, et ce sera une lutte majeure.
Les résultats de l’enquête révèlent qu’à un niveau purement pratique, Internet, les technologies numériques et les médias sociaux sont des outils puissants, offrant aux organisations artistiques de nouvelles façons de promouvoir des événements, de s’engager auprès du public, d’atteindre de nouveaux clients et d’étendre la vie et la portée de leur travail. « Nous pouvons atteindre plus de clients, plus fréquemment, pour moins d’argent », a déclaré un répondant. « Cela a été un énorme changement au cours des 30 années que j’ai passées dans l’entreprise. »
Mais, la technologie a également bouleversé une grande partie du monde de l’art traditionnel; cela a modifié les attentes du public, exercé une pression accrue sur les organisations artistiques pour qu’elles participent activement aux médias sociaux et même miné les missions et les sources de revenus de certains groupes artistiques.
Au-delà de la pratique, Internet et les médias sociaux offrent à ces organismes artistiques de vastes possibilités culturelles. Les commentaires de cette enquête révèlent un éventail de façons novatrices dont les organisations artistiques utilisent la technologie pour faire découvrir leurs œuvres à de nouveaux publics, exposer davantage leurs collections, fournir un contexte plus approfondi autour des pièces et des expositions et éliminer les barrières culturelles et géographiques qui, jusqu’à présent, ont rendu difficile la participation de certains membres du public. Leurs réponses suggèrent que la majorité de ces organisations artistiques, avec suffisamment de financement et de prévoyance, sont impatientes d’utiliser les nouveaux outils numériques pour soutenir et amplifier leur travail axé sur la mission.