A relação entre as imagens e as palavras tem uma longa tradição que começou com os manuscritos antigos, mas, desde o início do século 20, com o artísticas de vanguarda, o componente textual recupera um peso elevado como ele se torna um objeto de análise e (des)construção. Braque e Picasso, promotores do Cubismo, incorporaram palavras em suas pinturas usando jornal. Da mesma forma, o futurismo de Boccioni e Marinetti alterou violentamente o tamanho da tipografia dentro da mesma palavra, uma estética semelhante ao construtivismo russo, que marcou o caminho para o design gráfico. A poesia Dada foi uma revolução massiva. Sua escrita foi construída selecionando palavras aleatoriamente de diferentes livros que mais tarde influenciaram diretamente o pensamento automático que os surrealistas realizaram para representar o mundo dos sonhos e do inconsciente.
hoje, os limites entre arte, publicidade, design ou comunicação estão se tornando cada vez mais confusos. Das cinzas das vanguardas vieram muitos artistas que usam as palavras como sua grande arma para transmitir mensagens, em alguns casos, interessantes, que expõem o poder indubitável das palavras. Abaixo estão alguns dos artistas que cativaram a atenção com seu trabalho de várias maneiras.
Joseph Kosuth
Kosuth é um dos pioneiros da arte conceitual que surgiu nas décadas de 60 e 70. Sua obra é baseada na desmaterialização da arte; em outras palavras, o artista rejeita a noção da obra de arte como objeto contemplativo. Kosuth seguiu os passos prontos de Duchamp e se interessou pela objetividade de conceitos fechados; ou seja, eles são impostos à realidade imediata, e as palavras são o meio perfeito, pois as definições geralmente são concretas e concisas. Desta forma, em suas obras, o artista elimina tudo com um caráter subjetivo, e isso depende das multi-interpretações do espectador para reduzi-lo a uma única ideia.Sua obra, “A cor de Wittgenstein”, é baseada apenas na Palavra de RED, cuja relação com seu significado é literal. No caso de “uma e três cadeiras”, em que ele contrasta uma cadeira com sua fotografia e sua definição, que também não admite variações. A importância do trabalho artístico de Kosuth reside na combinação das palavras e na instalação para refletir sobre os efeitos da linguagem na subjetividade dos sujeitos.
o trabalho de Matt Siber é caracterizado pela intervenção em fotografias urbanas onde o foco está em sinais de trânsito, cartazes publicitários nas estradas ou as marcas de consumismo capitalista mais influentes. Usando o Photoshop, ele elimina as estruturas de suporte desses objetos para que os logotipos sejam deixados flutuando. Usando esta ação, o artista remove todas as distrações visuais para prestar atenção apenas ao texto ou ao logotipo. Por outro lado, o “Projeto sem título” é baseado na ausência deliberada de texto. Ambas as obras têm como objetivo explorar o poder das palavras humanas sobre a linguagem pública e apontar as muitas maneiras não tradicionais pelas quais a linguagem escrita é usada para se comunicar.
Jason Innocent é um artista emergente que demonstra seu compromisso social em seu trabalho. Ele transmite uma mensagem poderosa para seus espectadores, na qual denuncia diferentes problemas sociais atuais, como racismo, desigualdades e estereótipos de gênero por meio da sátira. Em suas primeiras obras, ele justapõe o desenho e a escrita de uma natureza infantil que denota espontaneidade. Muitas de suas palavras podem estar de cabeça para baixo, riscadas ou Unidas de maneira semelhante ao Scrabble. No entanto, ele começou a ganhar reconhecimento na cena artística por seus grafites e estênceis em Lower Manhattan com uma mistura de desenhos, frases, Palavras, Poesia e linhas, como sua intervenção em cartazes anti-Trump do espaço público durante sua campanha eleitoral.Jason Innocent também combina usando linguagem gráfica. “Bandeira americana” é uma obra na qual ele Desarma e ressignifica o conceito da bandeira americana e questiona o que ela representa para os cidadãos criando uma bandeira com as palavras convincentes sem racismo, sem sexismo, sem ABLEISMO, sem FATFOBIA, sem AGEISMO, sem transfobia, sem homofobia e sem ódio. Seguindo uma linha semelhante, o artista criou recentemente imagens minimalistas com as palavras HOLY SHIT, RADIO RADIO E Burning the midnight oil, nas quais Innocent apela à literalidade de suas definições. No caso da merda Sagrada, ele enfatiza seu significado com o uso de letras maiúsculas, e no rádio, ele usa o recurso de repetição.
Mar Arza é um escultor de palavras. Por não escrever, ela manipula as histórias originais em busca de um lirismo artístico. Sob a influência da poesia dadaísta, ela escolhe palavras aleatoriamente das páginas dos livros e, em seguida, disseca meticulosamente textos e frases ou enfatiza conceitos que assumem uma forma escultural sem molduras ou cristais. Suas obras destroem o relato hegemônico da ideia de linearidade e desafiam os limites do conceito de estrutura e pintura de cavalete. Arza adota uma atitude disruptiva em relação à ideia de ler livros e arte contemporânea. Dessa forma, o artista integra um debate sobre as palavras e sua dimensão tangível e explora novos significados conceituais, verbais e Plásticos.
Honda Koichi
Koichi é um mestre da caligrafia árabe, apesar de ser Japonês. Ele pertence a uma pequena comunidade de japoneses que praticam a religião do Islã, que se originou durante a Segunda Guerra Mundial. Koichi é um exemplo interessante de interculturalidade e a construção de estereótipos culturais. Seu trabalho nos obriga a refletir sobre a noção de cultura e identidade e nos perguntar: Por que achamos tão chocante ver um muçulmano japonês, um mestre japonês de caligrafia árabe? Além disso, Koichi incorpora os caracteres árabes como um elemento gráfico, prestando atenção ao seu delineamento e forma. Seu conhecido trabalho de pirâmide azul é construído com versos do Alcorão e no topo; você pode ler o nome de Allah, O Deus muçulmano, cercado por uma aura branca.
Barbara Kruger é uma artista pop que trabalha em Nova York e Los Angeles. Sua carreira começou no final dos anos 60, fazendo trabalhos de mídia mista que muitas vezes incluíam fios costurados, miçangas e outros materiais artesanais comuns, transformando-os em peças sexualmente sugestivas. Isso estava no auge da discussão em torno das linhas entre arte e Artesanato. Em 1976, ela tirou um ano sabático de sua prática. Não foi até que ela descobriu as obras filosóficas de Walter Benjamin e Roland Barthes que ela se revigorou, pegando a colagem como seu novo foco. Ela gradualmente se expandiu para outros campos, fazendo de tudo, desde instalações a Camisetas.
ela é mais conhecida por suas peças com fotografia em preto e branco sobreposta com texto, normalmente em Futura e Helvetica. Usando os motivos dos anúncios de revistas e outdoors, Kruger é mestre em subverter context. Uma de suas declarações mais conhecidas,” eu compro, Portanto, eu sou”, destaca seu confronto frequente com o consumismo e o auto-exame no capitalismo tardio. Obras semelhantes incluem texto como “você não é você mesmo” e ” onde ela acha que está?”Essas frases provocativas são mais famosas em texto branco em tiras vermelhas, cobrando as imagens com mensagens conflitantes e referências sombriamente humorísticas.
Jenny Holzer
a carreira de Jenny Holzer é definida por texto e encontrar novas maneiras de exibi-la ao público. A primeira fase de seu trabalho foi uma série chamada Truisms, um projeto de dois anos que começou em 1977. Ela cortou citações em movimento do Programa de estudo independente Whitley e as reproduziu em texto preto em itálico em papel de folha larga. O efeito é uma extensa lista de citações que deslumbram os olhos até serem abordadas e lidas com atenção. Frases tão díspares quanto” o capitalismo é tão ARTIFICIAL quanto o plástico “e” tudo o que é interessante é novo ” vivem em sucessão, dezenas alinhadas uma após a outra. Essas planilhas eram coladas com trigo em áreas públicas ao redor de Manhattan, incluindo empresas e cercas abertas. Ao longo do curso do projeto, ela imprimiu as citações em folhetos, camisetas e outros materiais.À medida que o perfil de Holzer aumentava, ela começou a buscar novos caminhos para projetar a linguagem no mundo. Ela esperava que documentos governamentais desclassificados em um prédio da biblioteca de Nova York, exibissem citações em placas eletrônicas do aeroporto e instalassem bancos de pedra gravados com citações das dez vítimas de Hollywood em um parque público. Esta pequena seleção destaca toda a gama de sua obra, que continua cinco décadas.
Ed Ruscha
a carreira de Ed Ruscha é definida pela ética de buscar a alta arte por meio de formas comerciais. Essa tendência impulsionou Ruscha para a vanguarda do emergente movimento pop art em 1969, quando participou da mostra seminal “nova pintura de objetos comuns.”Sua biografia mostra por que ele tinha a capacidade única de mesclar esses campos. Depois de receber uma educação artística de Emerson Woelffer e Robert Irwin no Chouinard Art Institute, Ruscha encontrou emprego como designer de layout na Agência de publicidade Carson-Roberts. Ao longo dos anos 60, Ruscha teve um treinamento rigoroso na arte da publicação impressa e usou isso para mudar a paisagem da arte do século 20, juntamente com outros viajantes como Andy Warhol e Roy Lichtenstein.O trabalho de Ruscha explora tipografia e manipulação de formas de letras, usando fontes como objetos encontrados, às vezes escolhendo palavras não para Significado, mas interesse visual. Suas pinturas costumam apresentar texto no mundo, sinais famosos de postos de gasolina. Nestes, ele é como um paisagista que captura o tipo de letra na natureza. Enquanto também experimentava fotografia e Cinema, seu legado duradouro é seu trabalho com texto e sua posição como um luminar da arte pop.
Christopher Wool é um artista contemporâneo que trabalha no texto através de uma lente pós — conceitual-um movimento que busca colocar todas as escolhas estéticas ao serviço das idéias. Ele mora e trabalha em Nova York, mas passa a maior parte do ano no famoso artista e escritor getaway of Marfa, Texas. Sua educação artística atípica ajudou a moldar é uma abordagem atípica. Enquanto ele se matriculou na New York Studio School no final dos anos 70, ele saiu logo depois, com a maior parte de seu treinamento formal de seu papel como assistente de estúdio do escultor Joel Shapiro. Em vez disso, ele absorveu a próspera cena artística e musical da cidade. A lã começou a trabalhar com texto nos anos 80, encontrando seu visual característico de letras pretas estampadas colocadas em um padrão de grade sobre um fundo branco.
là muitas vezes repete palavras, gotas vogais, e reorganiza ou elimina espaços. O resultado é impressionante, muitas vezes criando um desafio para os espectadores entenderem o que está escrito rapidamente. Esse efeito persistente de seu trabalho força os espectadores a ficar de pé e lutar por cada letra, murmurando os sons sob sua respiração, reengajando-se com o próprio ato de juntar notas para criar uma palavra significativa. Os resultados são muitas vezes humorísticos e contundentes. As mensagens de confronto antagonizam o Lento trabalho de leitura.
Bruce Nauman é um artista que trabalhou em todos os meios físicos concebíveis. Sua carreira tem frequentemente, embora não exclusivamente, jogado com texto, muitas vezes escrito em luz de néon. Ele começou sua educação em matemática antes de estudar arte na Universidade da Califórnia, Davis, de 1965 a 66 anos. Enquanto sua arte começava com a pintura, ele procurava cinema, performance e escultura em pouco tempo. Essa abertura de suas atividades levou à grande variação que ele experimentou ao longo de sua carreira.
suas obras de néon resplandecentes estão interrompendo estudos no uso de texto na arte, usando várias cores brilhantes e layouts bizarros, essas peças enviam os espectadores virando a cabeça, recuando e avançando. Em algumas partes, as frases se importam umas com as outras e quebram em ângulos na colisão. Em outros, as palavras saem de ou para o centro. A abordagem lúdica de Nauman traz otimismo aos temas existenciais da psicologia, sexualidade e busca da arte.
