Les Designers Montrent À Quel Point Le Design D’Intérieur A Changé Au Cours Des 600 Dernières Années (12 Photos)

Si vous avez déjà visité la maison de vos grands-parents ou de vos arrière-grands-parents, vous avez probablement remarqué à quel point leurs chambres sont décorées différemment de votre propre maison. Mais avez-vous déjà pensé à quoi les mêmes pièces auraient pu ressembler il y a quatre, cinq ou même six cents ans?

La Renaissance (1400 – 1600)

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« L’art et la culture renaissaient alors que la Renaissance française s’étendait à travers l’Europe. Les architectes ont retrouvé un enthousiasme renouvelé pour la décoration ornée et les détails fins, inspirés par un nouveau sens de l’humanisme et de la liberté. Les influences arabesques et asiatiques ont revitalisé les arts décoratifs, et une attention particulière à la symétrie et à la géométrie a apporté un nouveau sens de l’harmonie aux intérieurs européens.

Nous avons conçu le cabinet dans notre image de salon Renaissance sous la forme d’un petit palais (palais) qui était courant à l’époque. Ses colonnes et ses balcons font écho à la forme du bâtiment, évoquant l’harmonie. Le tapis turc est inspiré de celui vu dans un tableau de Hans Holbein le Jeune, un peintre allemand qui a vécu à Londres à l’époque de la Renaissance. Les tapis comme celui-ci ont été tissés pour la première fois dans l’ouest de la Turquie au 14ème siècle et sont devenus très populaires dans l’Europe de la Renaissance. »

Baroque (1590 – 1725)

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« Les tapis turcs sont tombés de mode pendant la période baroque, car une architecture plus opulente et élaborée nécessitait des accessoires et des accessoires assortis. L’Église catholique a été la première à développer ce nouveau sens de la richesse pour tenter d’impressionner les masses non éduquées par leur richesse et leur pouvoir. Ainsi, les cadres de la suite de style Louis XIV semblent dégouliner d’or.

Sous la finition dorée, le cadre du mobilier était souvent en bois tropical. D’autres matériaux exotiques tels que l’ivoire étaient populaires, et les surfaces telles que les sols et les plateaux de table étaient généralement en marbre. Notre palette de couleurs ici est dramatique et sensuelle. Le jeu de lumière autour d’un salon baroque aurait été exagéré pour créer un sentiment de mouvement et d’énormité. »

Rococo (1700)

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« Vers la fin de la période baroque, un sous-ensemble du style a brièvement volé la vedette. Le style rococo (du mot français rocaille, signifiant ornementation de coquillages) était célèbre pendant seulement trois décennies sous le règne de Louis XV. Il est plus léger, plus fantaisiste et plus libre que le baroque. Pour certains, il convenait mieux à l’intimité de la maison familiale qu’au style de grande église qui l’a précédée.

La coquille et les motifs floraux de notre salon Rococo sont typiques de l’influence plus ludique du style sur la décoration intérieure. Les pieds cabrioles et les pieds à volutes du mobilier équilibrent délicatement la bonne humeur et l’élégance. Les réunions sociales à la maison étaient de plus en plus courantes au début du 18ème siècle. Le style rococo permettait aux propriétaires de démontrer leur richesse et leur goût sans paraître voyants ou étouffants. »

Néoclassique (1780 – 1880)

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« La fin de l’ère géorgienne a inauguré une nouvelle ère d’architecture qui a répondu aux périodes baroque et Rococo. La redécouverte de Pompéi a contribué à une nouvelle compréhension de l’architecture romaine et grecque. Cela a inspiré un mouvement vers des principes de design plus « de bon goût », raffinés et intemporels, sans le faste et la nouveauté de la tendance baroque.

Remarquez les lignes droites et la disposition logique, presque mathématique de notre salon néoclassique. Ces principes de conception ont été répandus dans toute l’Europe par des artistes étudiant à l’Académie française de Rome. Notez la forme en forme de colonne de la cheminée, des lampes et des lambris. Les couleurs étaient douces et non dramatiques. Un palais uni soulignait le sens stoïque et supérieur de la forme que le néoclassique incarnait. »

Arts et métiers (1860 – 1910)

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« Le mouvement Arts and Crafts a commencé en Angleterre en réaction à la mécanisation de la créativité et aux injustices économiques de l’ère industrielle. Ce n’était pas tant un style qu’une approche, remettant la responsabilité du design et de l’artisanat entre les mains de travailleurs qualifiés. Cependant, Arts and Crafts interiors partageait une esthétique de simplicité, de qualité des matériaux et un lien avec la nature.

Les idées et l’aspect du mouvement Arts and Crafts se sont répandus dans les salons américains grâce à l’influence des architectes-designers en tournée, des revues et des conférences de la société. Gustav Stickley était le plus grand designer d’arts et d’artisanat d’Amérique. Vous pouvez voir son influence dans les boiseries trapues et fonctionnelles des meubles sur l’image, ce qui fait une caractéristique de la menuiserie exposée. Cet accent mis sur le bois, le laiton et la touche artisanale donne aux intérieurs Arts and Crafts une palette sombre, terreuse et texturée. »

Art Nouveau (1890 – 1920)

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« L’Art Nouveau était un « nouvel art » pour un nouveau siècle. Les architectes d’intérieur ont associé l’artisanat à de nouvelles techniques industrielles, ce qui a souvent rendu un processus coûteux. Les meubles et les accessoires étaient extravagants et modernes, exposant l’influence de l’art japonais, que les artistes européens voyaient pour la première fois vers la fin du 19ème siècle.

Les vases et les lampes de notre salon Art Nouveau sont inspirés de Louis Comfort Tiffany, le célèbre artiste et premier directeur du design chez Tiffany.Ses formes soufflées de verre étaient un hommage au monde naturel, et leurs couleurs luxuriantes, irisées et tourbillonnantes sont typiques de l’Art Nouveau. »

Art Déco (années 1920 à 1960)

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« Si le Bauhaus et le modernisme étaient l’utilisation des avancées du XXe siècle, l’Art déco était une célébration glamour. Les designers d’intérieur se sont inspirés de la géométrie et du mouvement de l’âge de la machine, des matériaux et des symboles des cultures anciennes et de la renaissance de la nature. Et ils n’avaient pas peur de les utiliser tous ensemble.

Les designers ont créé une sensation d’opulence en utilisant une large gamme de matériaux, y compris le bois laqué, le vitrail, l’acier inoxydable, l’aluminium, les bijoux et le cuir. Des couleurs vives et des contrastes saisissants évoquent puissance et confiance.

Des lignes fortes et droites résonnent à travers la cheminée et les garnitures en miroir aux gratte-ciel dans les gravures sur bois sur le mur. Notez également comment ces lignes contrebalancent audacieusement le canapé en forme de coquille, les chaises fluides, les ornements hérissés et les plantes d’intérieur. »

Modernisme (1880 – 1940)

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« Comme le mouvement Arts and Crafts, le modernisme est moins un style qu’une philosophie. « Une maison est une machine à vivre », a déclaré l’architecte et designer suisse Le Corbusier, pionnier du modernisme. Le salon moderniste a utilisé les derniers matériaux et technologies. Il a été conçu pour être confortable, fonctionnel et abordable. La beauté était un bonus, bien que les solutions de design élégantes soient très appréciées.

Ces  » limites » ont inspiré la première génération de designers d’intérieur professionnels. La table que vous voyez ci-dessus est inspirée d’un célèbre design du designer américano-japonais Isamu Noguchi. Il se compose uniquement d’une plaque de verre, de deux supports en bois identiques et d’une tige pivotante pour les maintenir ensemble. La lampe originale Anglepoise a été inventée par un ingénieur qui s’est inspiré de ses travaux sur la suspension des véhicules – démontrant le lien étroit entre les intérieurs modernistes et l’industrie du 20e siècle. »

Bauhaus (1919 – 1934)

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« Le Bauhaus (qui rime avec « maison des vaches ») était une école allemande d’art et d’architecture extrêmement influente. Il n’a existé que 14 ans jusqu’à ce que le gouvernement nazi le ferme en 1933. Le design Bauhaus était un sous-ensemble radical du modernisme, mettant davantage l’accent sur l’esprit humain et l’artisan. Comme pour le modernisme, la forme a suivi la fonction. Les intérieurs Bauhaus étaient fidèles à leurs matériaux, ce qui signifie qu’ils ne cachaient pas la structure sous-jacente d’un meuble pour le rendre joli.

Notre tapis Bauhaus est inspiré du travail d’Anni Albers, diplômée et enseignante de l’école Bauhaus. Albers a expérimenté la forme et la couleur pour produire des textiles qui étaient à la fois de l’art et de l’artisanat. La lampe est calquée sur la lampe MT8 ou Bauhaus. Ses parties circulaires, cylindriques et sphériques créent une unité géométrique et peuvent être construites avec un minimum de temps et de matériaux. Ce type d’abat-jour opaque n’avait été observé auparavant que dans des environnements industriels. »

Moderne du milieu du siècle (1930 – aujourd’hui)

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« Le mouvement moderne du milieu du siècle a émergé comme une version plus douce et suburbaine du modernisme, intégrant des éléments naturels. Les designers d’intérieur ont introduit des éléments rustiques et une utilisation plus libre des couleurs inspirées des tendances du mobilier scandinave et brésilien. Des matériaux tels que le rotin, le bambou et l’osier semblaient à la fois naturels et modernes lorsqu’ils étaient introduits dans le salon sous la forme de chaises, de miroirs et de garnitures.

L’éclairage de déclaration reste un moyen simple d’ajouter du piquant à un salon familial bien utilisé. L’abat-jour et la lampe sur pied de notre photo empruntent tous deux des éléments formels au modernisme et au Bauhaus, mais ont l’aspect ludique d’outils d’extérieur réutilisés. La moutarde brillante du fauteuil et des vases illustre la technique moderne courante du milieu du siècle consistant à associer des neutres sourds à une couleur signature saturée. »

Postmoderne (1978 – aujourd’hui)

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« Le design postmoderne peut retracer ses influences artistiques du surréaliste Marcel Duchamp, qui a marqué l’époque, au bouffon de la couronne du Pop Art, Andy Warhol, au mauvais goût ambigu de Jeff Koons. Tout s’est réuni dans les années 1980 lorsque les designers ont abandonné les chaînes du modernisme et ont abordé les intérieurs avec un sens de l’humour et la confiance impétueuse que nous associons à la décennie.

Dans un salon postmoderne, chaque pièce est une pièce parlante – car chacune a une double signification ou une blague visuelle à déballer. Les arcs de notre image questionnent les idéaux de forme classiques, à la fois aplatissant et déflatant une forme traditionnellement austère avec une illusion d’optique évoquée par leur palette de couleurs irrévérencieuse. La signification du tapis est plus simple. Il ajoute une sensation rock n ‘ roll avec sa forme de disque vinyle – une célébration ironique de Warhol du matérialisme de la fin du 20e siècle. »

Contemporain (années 1980 – aujourd’hui)

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« Un âge encombré nécessite un salon épuré. Le style contemporain d’aujourd’hui emprunte les lignes épurées du modernisme et l’atmosphère aérée et extérieure de la maison moderne du milieu du siècle. Les designers d’intérieur de la fin des années 2010 aiment faire un clin d’œil au Bauhaus en épluchant les surfaces pour montrer les matériaux à l’œuvre. Cependant, les matériaux de construction et les textiles de pointe d’aujourd’hui peuvent côtoyer avec bonheur des caractéristiques industrielles réutilisées d’époques passées.

Le sol lisse et nu et les murs épurés de notre salon contemporain créent un sentiment typique d’espace et de lumière. L’art abstrait sur les murs empêche la zone de se sentir vide et dessine le style subtil de l’environnement par ailleurs minimaliste. Observez également l’utilisation de lignes pour attirer votre œil, comme la lumière centrale horizontale, qui est à la fois extraordinaire et très simple – et semble élargir et rehausser la pièce. »