Bienvenue dans Comment ont-ils fait Cela? – une chronique bimensuelle qui déballe des moments de magie cinématographique et célèbre les sorciers techniques qui les ont tirés. Cette entrée examine le fonctionnement de la rétroprojection.
Si vous avez vu un film d’avant les années 1970, il y a de fortes chances que vous ayez déjà rencontré une projection arrière. Et si vous avez vu un film d’avant les années 1970 avec deux personnes parlant dans une voiture en mouvement, il y a cent pour cent de chances que vous ayez déjà rencontré une projection arrière.
Le concept est simple : Impossible de filmer sur des lieux réels ? Pas de problème! Vous voulez enregistrer des dialogues sur le plateau pendant que vos acteurs dépassent les flics dans une décapotable bruyante? Ne vous inquiétez pas! C’est aussi facile (en théorie) qu’une scène sonore et un projecteur.
À son avènement dans les années 1930, la rétroprojection était une technologie révolutionnaire. Cela a donné aux cinéastes plus de contrôle, de cohérence et de liberté créative pour tourner ce qu’ils voulaient où ils voulaient. Et pourtant, alors que le processus intégré à la caméra de la rétroprojection rationalisait efficacement les flux de production, il n’atteignait régulièrement aucun sens du naturalisme.
La rétroprojection est, contre tous les efforts de ses techniciens, loin d’être un effet invisible. Bien qu’elle soit la technique de composition standard depuis des décennies, à quelques exceptions près, la rétroprojection n’a jamais atteint un niveau de perfection tel que sa présence pouvait passer inaperçue. Quand il y a une projection arrière sur l’écran, c’est difficile à négliger.
De nos jours, la projection arrière a la réputation d’être distrayante et datée — un effet spécial désuet qui gâche la suspension de l’incrédulité et n’a jamais l’air tout à fait correct. Au fil du temps, la rétroprojection traditionnelle est passée d’une nécessité pratique à un outil expressif, une technique utilisée par des réalisateurs élégants pour vénérer ou ridiculiser le passé. D’autres ont utilisé le « décalage » de la rétroprojection pour transmettre un sentiment d’irréalité et de malaise, comme avec le premier voyage de Neo dans La Matrice ou le Dr Bill errant dans les rues la nuit dans Eyes Wide Shut.
Alors que la rétroprojection telle qu’elle a été conçue à l’origine est peut-être tombée de mode, les bonnes idées trouvent toujours un moyen de s’adapter et de survivre. Nous y voilà donc, près d’un siècle plus tard, et malgré tout, la rétroprojection fait son retour. Voici tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le fonctionnement de la rétroprojection, d’où elle vient et où elle va:
Comment ont-ils fait cela?
Longue histoire courte:
En projetant une image sur un écran par derrière, puis en mettant en scène l’action de premier plan sur son fond. Le résultat, une fois photographié, est un composite intégré à l’appareil photo.
Longue histoire longue:
Projection arrière (alias. photographie de processus) était la principale technologie composite d’effets spéciaux à Hollywood du milieu des années 1930 au début des années 1970.À sa base, la rétroprojection est composée de quatre composants: un projecteur, un écran, des sujets de premier plan et une caméra. Les sujets sont placés entre la caméra et l’écran tandis qu’un projecteur placé de l’autre côté de l’écran projette des images préenregistrées ou une image fixe. Typiquement, l’objectif esthétique de la rétroprojection est de créer l’illusion que les sujets ne sont pas sur une scène sonore. L’objectif technique est de rendre la production plus rationalisée, plus sûre et plus cohérente.
Les images de fond de projection arrière sont appelées une « plaque ». »Si vous avez entendu quelqu’un crier »plaque roulante! »sur un plateau de cinéma — ou une représentation fictive d’un plateau de cinéma — ils crient essentiellement: » Allumez le projecteur! »Lorsque l’arrière-plan projeté est en mouvement, c’est un « plan de processus ». »Si l’arrière-plan est une image fixe, on parle de « plan de transparence ». »
Si votre seule expérience avec les projecteurs est de la variété frontale, vous vous demandez peut-être: comment la lumière passe-t-elle et reste-t-elle sur l’écran? La réponse courte est que les projections arrière et avant utilisent différents types d’écrans. La projection avant utilise un écran réfléchissant opaque, qui fait rebondir la lumière. La rétroprojection utilise un écran translucide qui permet à la lumière de passer tout en transmettant la lumière à travers sa surface.
Pour que le processus de rétroprojection fonctionne, plusieurs détails holistiques doivent être pris en compte. Pour une chose: l’écran et la caméra étant fixés en place, tous les mouvements et angles doivent être pris en compte à l’avance par l’équipe de photographie de rétroprojection. En d’autres termes: chaque mouvement et chaque angle de la photographie principale doivent être soigneusement planifiés avant la prise de vue de la plaque.
L’absence de technologie Steadicam a rendu cela plus facile à dire qu’à faire. Il est également essentiel de faire correspondre l’éclairage de la scène sonore à celui de la plaque. Si la plaque représente une journée sans nuages et que les acteurs sont dans l’ombre, l’illusion ne fonctionnera pas. La synchronisation des fréquences d’images de la caméra et du projecteur était également importante. Si l’une des ouvertures était ouverte tandis que l’autre était fermée, des artefacts optiques (comme des halos de lumière) apparaîtraient dans la plaque d’arrière-plan et ruineraient l’effet.
Comme le souligne Julie Turnock dans son essai « The Screen on the Set », une idée fausse étonnamment répandue sur la rétroprojection est qu’il s’agit essentiellement d’un ancien prédécesseur de la composition d’écran bleu et d’écran vert. Il est vrai que les deux techniques partagent des objectifs esthétiques similaires. Notamment: ouvrir la possibilité de savoir où et comment les cinéastes peuvent filmer leurs sujets. Mais en fin de compte, les deux approches ont des spécifications très différentes sur le plateau et en post-production.
À son apogée, le principal avantage de la rétroprojection par rapport aux autres techniques de composition était son efficacité. Le processus pourrait être terminé immédiatement sur le plateau en même temps que la photographie principale. Il pourrait également être tourné en présence des principaux cinéastes et interprètes et évalué rapidement dans les quotidiens. Pendant ce temps, la composition d’écran bleu et vert fait partie d’un ensemble plus large de techniques qui relèvent historiquement des mattes itinérantes ou « optiques ». »
Il y a une différence cruciale entre les composites optiques et la photographie de processus: la majeure partie du travail de la première se fait en post-production, tandis que celui de la seconde se déroule en caméra. Les exigences techniques de la rétroprojection contrôlaient de nombreux aspects de la production, du blocage à la mise en scène. Et ça allait très bien avec le tapis roulant du Vieux Hollywood, fabriqué par Henry Ford.
Dans une touche amusante. bien que conceptuellement la rétroprojection soit assez facile à expliquer et à comprendre, en pratique, il est très difficile de la réaliser de manière subtile et transparente. Quand les gens disent que « la projection arrière a l’air mauvaise », ils parlent généralement de la même chose. À savoir: que la technique tend à produire une différence visible entre l’action de premier plan et les images de rétroprojection.
La rétroprojection a tendance à ressembler, en un mot, à « faux. »Une partie de la raison en est qu’il y a généralement une différence dans la qualité de l’action au premier plan et de l’image projetée. L’aspect caractéristique délavé et désaturé de la projection est le résultat d’un certain nombre de facteurs. Il s’agit notamment de la qualité d’impression et des projecteurs incapables de produire une image d’une brillance suffisante.
Au fil des ans, des films VistaVision à grain fin et des ampoules de projecteur plus puissantes ont été corrigés. Mais une méthodologie fiable pour éliminer la qualité d’image dégradée dans les plaques re-photographiées n’a jamais abouti. Comme le dit Turnock: « la rétroprojection était, en somme, parfaitement compatible avec le système de production des studios hollywoodiens, mais pas avec son esthétique parfaite. »
La projection avant, dont la première utilisation grand public a eu lieu en 2001: A Space Odyssey, a résolu un certain nombre de problèmes de la projection arrière. Le processus implique des miroirs soigneusement inclinés qui permettent à l’image projetée de s’aligner sur l’angle focal de la caméra et d’apparaître sur un écran hautement réfléchissant, intégré à la caméra. Le motif principal de l’utilisation de la projection avant sur arrière est une amélioration notée de la qualité de l’image. Ce qui, il s’avère, fait toute la différence.
À mesure que la projection frontale et le compositing optique devenaient plus abordables et accessibles, la projection arrière devenait de plus en plus obsolète. Il y a très peu de réalisateurs aujourd’hui qui n’ont jamais vraiment abandonné la photographie de processus, cependant. L’un d’eux est James Cameron.
Vous ne saviez pas qu’il y avait une projection arrière de véhicule dans ‘Terminator 2’, n’est-ce pas?
Mais, grâce à un équipement amélioré, la rétroprojection est de retour avec une revanche. Pour les réalisateurs désireux de filmer autant que possible en caméra cachée, la promesse de la rétroprojection est alléchante. Les technologies de pointe telles que les projecteurs laser 4K à contraste élevé ont presque éliminé les problèmes de fidélité gênants de la rétroprojection sur film.
Non seulement les médias numériques, pré-rendus et en temps réel peuvent obtenir des résultats photoréalistes complets dans l’appareil photo, mais les cinéastes peuvent également ajouter des éléments de manière interactive à tout moment. En plus d’avoir l’air fantastique, la projection en direct a l’avantage supplémentaire de donner aux interprètes et au département de la caméra quelque chose de tangible avec lequel travailler.
L’Oubli de Joseph Kosinski a utilisé la projection frontale pour transmettre un ciel englobant qui se reflète sur les vaisseaux spatiaux et dans les yeux de ses acteurs. La gravité d’Alfonso Cuarón a placé ses interprètes dans la « Boîte à lumière », une salle remplie d’écrans LED qui projetaient des images en mouvement sur leurs visages permettant aux animateurs de les composer parfaitement.
Et puis il y a la mise en scène (alias. « The Volume »), un procédé de lumière industrielle & Magic perfectionné dans Rogue One: A Star Wars Story qui utilise un gigantesque mur incurvé d’écrans LED alimentés par le moteur Unreal permettant un affichage en temps réel. Le résultat est un environnement virtuel qui peut être rendu en temps réel dans la perspective de la caméra.
Le dernier projet Star Wars à utiliser la mise en scène est la série Disney + The Mandalorian. Et comme le pense le producteur exécutif Jon Favreau dans American Cinematographer, la mise en scène n’est pas vraiment une projection arrière mais n’est pas non plus vraiment comme autre chose. Et pourtant, au milieu de toute cette technologie sans précédent, le but pratique reste le même: en filmant tout en caméra, vous réduisez le temps, l’argent et la charge de travail de la post-production.
Que la mise en scène soit capable de tenir cette promesse d’une manière dont la rétroprojection traditionnelle n’a jamais craqué est pour le moins excitante. La capacité de faire de la composition en temps réel à l’écran sur le plateau signifie que The Mandalorian est capable de remplir la tâche difficile d’être une série télévisée Star Wars en direct – un projet sur petit écran avec une sensation sur grand écran. Que ce soit pour la télévision ou le cinéma, les implications sont passionnantes: que les flux de production et la fidélité visuelle puissent s’améliorer en tandem.
Considérant que dans les années 1970, l’utilisation des effets optiques par Star Wars était le clou supposé dans le cercueil de la photographie de processus, il est quelque peu poétique que la même franchise remette la technique sous les projecteurs.
Quel est le précédent ?
Dans ce qui devient un élément de base régulier de cette colonne, l’idée de rétroprojection — par un certain Norman O. Dawn en 1913 — est venue bien avant la technique actuelle. Trois développements techniques indépendants dans les années 1930 ont rendu la technique possible: des projecteurs capables de synchroniser les volets; un meilleur stock de films panchromatiques; et des lampes de projection plus puissantes.
Le premier studio hollywoodien à utiliser la projection arrière était Liliom de Fox Film Corporation en 1934. De manière appropriée, le film a ensuite été reconnu par l’Académie pour ses efforts. La technique a ensuite été affinée par Farciot Edouart ASC de Paramount Picture, qui a développé de nouvelles méthodes, notamment l’exposition éclaircissante et la synchronisation de plusieurs projecteurs sur la même plaque.
Le processus est devenu plus standardisé avec un écran spécialement développé par Sidney Sanders pour King Kong en 1933 qui était non seulement plus grand et plus flexible, mais capable de supporter une image de meilleure qualité. Les plans de composition de King Kong étaient des effets optiques, pas de la photographie de processus, mais les écrans améliorés qu’ils utilisaient étaient une innovation importante pour les futurs effets de processus.
La rétroprojection est un effet spécial avec un long passé et un avenir radieux. Donc, la prochaine fois que vous vous moquez d’une vieille voiture hollywoodienne à deux mains: l’incarnation moderne de cette technologie est en fait maintenant annoncée comme l’avenir de la télévision. Alors montrez un peu de respect!
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