La relation entre images et mots a une longue tradition qui a commencé avec les manuscrits anciens, mais depuis le début du 20ème siècle, avec l’avant-garde artistique, la composante textuelle reprend un poids élevé en devenant un objet d’analyse et de (dé)construction. Braque et Picasso, promoteurs du cubisme, ont incorporé des mots dans leurs peintures à l’aide de journaux. De même, le futurisme de Boccioni et Marinetti a violemment modifié la taille de la typographie dans le même mot, une esthétique similaire au constructivisme russe, qui a marqué le chemin du design graphique. La poésie Dada a été une révolution massive. Son écriture a été construite en sélectionnant des mots au hasard dans différents livres qui ont ensuite directement influencé la pensée automatique que les surréalistes ont menée pour représenter le monde des rêves et de l’inconscient.
Aujourd’hui, les frontières entre l’art, la publicité, le design ou la communication sont de plus en plus floues. Des cendres des avant-gardes sont nés de nombreux artistes qui utilisent les mots comme leur grande arme pour transmettre des messages, parfois intéressants, qui exposent le pouvoir incontestable des mots. Voici quelques-uns des artistes qui ont captivé l’attention avec leur travail de diverses manières.
Joseph Kosuth
Kosuth est l’un des pionniers de l’art conceptuel qui a émergé dans les années 60 et 70.Son travail est basé sur la dématérialisation de l’art; en d’autres termes, l’artiste rejette la notion d’œuvre d’art comme objet contemplatif. Kosuth a suivi les traces toutes faites de Duchamp et s’est intéressé à l’objectivité des concepts fermés; c’est-à-dire qu’ils s’imposent à la réalité immédiate, et les mots sont le support parfait puisque les définitions sont généralement concrètes et concises. Ainsi, dans ses œuvres, l’artiste élimine tout ce qui a un caractère subjectif, et cela dépend des multi-interprétations du spectateur pour le réduire à une seule idée.
Son œuvre, » La couleur de Wittgenstein « , est basée uniquement sur le mot ROUGE, dont le rapport à sa signification est littéral. Dans le cas de « Une et trois chaises », dans lequel il oppose une chaise à sa photographie et à sa définition, qui n’admet pas non plus de variations. L’importance du travail artistique de Kosuth réside dans la combinaison des mots et de l’installation pour réfléchir aux effets du langage sur la subjectivité des sujets.
Matt Siber
Le travail de Matt Siber se caractérise par l’intervention sur des photographies urbaines où l’accent est mis sur les panneaux de signalisation, les affiches publicitaires sur les routes ou les marques de consommation capitalistes les plus influentes. À l’aide de Photoshop, il élimine les structures de support de ces objets afin que les logos soient laissés flottants. En utilisant cette action, l’artiste supprime toutes les distractions visuelles pour ne prêter attention qu’au texte ou au logo. Siber’Sson d’autre part, le « Projet sans titre » repose sur l’absence délibérée de texte. Les deux œuvres ont pour but d’explorer le pouvoir des mots humains concernant le langage public et de souligner les nombreuses façons non traditionnelles dont le langage écrit est utilisé pour communiquer.
Jason Innocent
Innocent est un artiste émergent qui démontre son engagement social dans son travail. Il transmet un message puissant à ses téléspectateurs dans lequel il dénonce différents problèmes sociaux actuels tels que le racisme, les inégalités et les stéréotypes de genre à travers la satire. Dans ses premières œuvres, il juxtapose le dessin et l’écriture d’une nature enfantine qui dénote la spontanéité. Beaucoup de ses mots peuvent être à l’envers, barrés ou réunis de manière similaire au Scrabble. Cependant, il a commencé à se faire connaître sur la scène artistique pour ses graffitis et ses pochoirs dans le lower Manhattan avec un mélange de dessins, de phrases, de mots, de poésie et de lignes telles que son intervention dans l’espace public des affiches anti-Trump pendant sa campagne électorale.
Jason Innocent combine également l’utilisation d’un langage graphique. « Drapeau américain » est une œuvre dans laquelle il désarme et re-signifie le concept du drapeau américain et questionne ce qu’il représente pour les citoyens en créant une bannière avec les mots convaincants PAS de RACISME, PAS de SEXISME, PAS DE CAPACITÉ, PAS DE FATPHOBIE, PAS D’ÂGISME, PAS DE TRANSPHOBIE, PAS D’HOMOPHOBIE ET PAS DE HAINE. Suivant une ligne similaire, l’artiste a récemment créé des images minimalistes avec les mots HOLY SHIT, RADIO RADIO et Burning the midnight oil dans lesquels Innocent fait appel à la littéralité de leurs définitions. Dans le cas de la sainte Merde, il souligne sa signification avec l’utilisation de lettres majuscules, et dans la RADIO RADIO, il utilise la ressource de la répétition.
Mar Arza
Mar Arza est un sculpteur de mots. Par la non-écriture, elle manipule les histoires originales à la recherche d’un lyrisme artistique. Sous l’influence de la poésie dadaïste, elle choisit des mots au hasard des pages des livres, puis dissèque méticuleusement des textes et des phrases ou souligne des concepts qui prennent une forme sculpturale sans cadres ni cristaux. Ses œuvres détruisent le récit hégémonique de l’idée de linéarité et remettent en question les limites du concept de structure et de peinture de chevalet. Arza adopte une attitude perturbatrice envers l’idée de lire à la fois des livres et de l’art contemporain. L’artiste intègre ainsi un débat sur les mots et leur dimension tangible et explore de nouvelles significations conceptuelles, verbales et plastiques.
Honda Koichi
Koichi est un maître de la calligraphie arabe bien qu’il soit japonais. Il appartient à une petite communauté de Japonais qui pratiquent la religion de l’Islam, née pendant la Seconde Guerre mondiale. Koichi est un exemple intéressant d’interculturalité et de construction de stéréotypes culturels. Son travail nous oblige à réfléchir à la notion de culture et d’identité et à nous demander : pourquoi trouvons-nous si choquant de voir un Musulman japonais, un maître japonais de la calligraphie arabe? De plus, Koichi incorpore les caractères arabes comme élément graphique, en prêtant attention à leur délimitation et à leur forme. Son œuvre bien connue de la pyramide bleue est construite avec des versets du Coran et au sommet; vous pouvez lire le nom d’Allah, le Dieu musulman, entouré d’une aura blanche.
Barbara Kruger
Barbara Kruger est une artiste pop travaillant à New York et Los Angeles. Sa carrière a commencé à la fin des années 60, faisant des travaux de techniques mixtes qui comprenaient souvent du fil cousu, des perles et d’autres matériaux artisanaux courants, les transformant en pièces sexuellement suggestives. C’était au plus fort de la discussion autour des frontières entre l’art et l’artisanat. En 1976, elle prend un congé sabbatique de sa pratique. Ce n’est qu’après avoir découvert les œuvres philosophiques de Walter Benjamin et Roland Barthes qu’elle se revigore, reprenant le collage comme nouveau centre d’intérêt. Elle s’est progressivement étendue à d’autres domaines, fabriquant de tout, des installations aux t-shirts.
Elle est surtout connue pour ses œuvres mettant en scène des photographies en noir et blanc superposées à du texte, généralement en Futura et en Helvetica. En utilisant les motifs des publicités de magazines et de panneaux publicitaires, Kruger est un maître à subvertir le contexte. L’une de ses déclarations les plus connues, « Je magasine donc je suis », met en évidence sa confrontation fréquente avec le consumérisme et l’examen de soi dans le capitalisme tardif. Des œuvres similaires incluent des textes tels que « Vous n’êtes pas vous-même » et « Où se croit-elle? »Ces phrases provocantes sont surtout mises en texte blanc sur des bandes rouges, chargeant les images de messages contradictoires et de références sombres et humoristiques.
Jenny Holzer
La carrière de Jenny Holzer est définie par le texte et la recherche de nouvelles façons de l’afficher au public. La première phase de son travail a été une série intitulée Truismes, un projet de deux ans commençant en 1977. Elle a coupé des citations émouvantes du Programme d’étude indépendant de Whitley et les a reproduites en texte noir en italique sur du papier grand format. L’effet est une longue liste de citations qui éblouissent l’œil jusqu’à ce qu’elles soient approchées et lues attentivement. Des phrases aussi disparates que « LE CAPITALISME EST AUSSI ARTIFICIEL QUE LE PLASTIQUE » et » TOUT CE QUI EST INTÉRESSANT EST NOUVEAU » se succèdent, des dizaines alignées les unes après les autres. Ces feuilles larges étaient collées au blé dans les espaces publics autour de Manhattan, y compris les entreprises et les clôtures ouvertes. Au cours du projet, elle a imprimé les citations sur des dépliants, des t-shirts et d’autres documents.
Au fur et à mesure que le profil de Holzer augmentait, elle a commencé à explorer de nouvelles voies pour projeter le langage dans le monde. Elle a attendu des documents gouvernementaux déclassifiés sur un bâtiment de la bibliothèque de New York, a affiché des citations sur des panneaux électroniques d’aéroport et a installé des bancs de pierre gravés de citations des dix victimes d’Hollywood dans un parc public. Cette petite sélection met en lumière toute la gamme de son œuvre, qui perdure depuis cinq décennies.
Ed Ruscha
La carrière d’Ed Ruscha est définie par l’éthique de la poursuite du grand art à travers des formes commerciales. Cette propension a propulsé Ruscha à l’avant-garde du mouvement pop art émergent en 1969, lorsqu’il a participé à l’exposition phare « New Painting of Common Objects. »Sa biographie montre pourquoi il avait la capacité unique de fusionner ces domaines. Après avoir reçu une éducation artistique d’Emerson Woelffer et de Robert Irwin au Chouinard Art Institute, Ruscha a trouvé un emploi en tant que designer de mise en page à l’agence de publicité Carson-Roberts. Au cours des années 60, Ruscha a suivi une formation rigoureuse dans l’art de la publication imprimée et l’a utilisée pour changer le paysage de l’art du 20e siècle avec d’autres voyageurs comme Andy Warhol et Roy Lichtenstein.
Le travail de Ruscha explore la typographie et la manipulation de formes de lettres, utilisant des polices de caractères comme des objets trouvés, choisissant parfois des mots non pas pour leur sens mais pour leur intérêt visuel. Ses peintures comportent souvent du texte dans le monde, des panneaux de stations-service célèbres. Dans ceux-ci, il est comme un artiste paysagiste qui capture la police de caractères dans la nature. Tout en expérimentant la photographie et le cinéma, son héritage durable est son travail avec le texte et sa position en tant que sommité du pop art.
Christopher Wool
Christopher Wool est un artiste contemporain qui travaille le texte à travers une lentille post-conceptuelle — un mouvement qui cherche à mettre tous les choix esthétiques au service des idées. Il vit et travaille à New York, mais passe une grande partie de l’année dans la célèbre escapade d’artistes et d’écrivains de Marfa, au Texas. Son éducation artistique atypique a contribué à façonner une approche atypique. Alors qu’il s’est inscrit à la New York Studio School à la fin des années 70, il a quitté peu de temps après, avec la majeure partie de sa formation formelle de son rôle d’assistant de studio pour le sculpteur Joel Shapiro. Au lieu de cela, il s’est imprégné de la scène artistique et musicale florissante de la ville. Wool a commencé à travailler avec du texte dans les années 80, trouvant son look signature de lettres noires au pochoir placées dans un motif de grille sur un fond blanc.
La laine répète souvent les mots, supprime les voyelles et réarrange ou élimine les espaces. Le résultat est frappant, ce qui crée souvent un défi pour les téléspectateurs de saisir rapidement ce qui est écrit. Cet effet persistant de son travail oblige les spectateurs à se tenir debout et à lutter à travers chaque lettre, marmonnant les sons sous leur souffle, se réengageant avec l’acte même de mettre des notes ensemble pour créer un mot significatif. Les résultats sont souvent humoristiques et énergiques. Les messages conflictuels contrarient le lent travail de lecture.
Bruce Nauman
Bruce Nauman est un artiste qui a travaillé sur tous les supports physiques imaginables. Sa carrière a souvent, mais pas exclusivement, joué avec du texte, souvent écrit à la lumière des néons. Il a commencé ses études en mathématiques avant d’étudier l’art à l’Université de Californie à Davis, de 1965 à 66 ans. Alors que son art commence par la peinture, il cherche avant longtemps le cinéma, la performance et la sculpture. Cette ouverture de ses activités a conduit à la grande variation qu’il a expérimentée au cours de sa carrière.
Ses œuvres au néon resplendissantes interrompent les études sur l’utilisation du texte dans l’art, utilisant de multiples couleurs vives et des mises en page bizarres, ces pièces envoient les spectateurs tourner la tête, reculer et avancer. Dans certaines parties, les phrases s’emboîtent les unes dans les autres et se cassent à des angles lors de la collision. Dans d’autres, les mots sortent en spirale de ou vers le centre. L’approche ludique de Nauman apporte de l’optimisme aux thèmes existentiels de la psychologie, de la sexualité et de la poursuite de l’art.
