Bienvenido a ¿Cómo Lo Hicieron? – una columna bimensual que desentraña momentos de magia cinematográfica y celebra a los magos técnicos que los lograron. Esta entrada analiza cómo funciona la proyección trasera.
Si has visto una película de antes de la década de 1970, es muy probable que ya hayas encontrado proyección trasera. Y si has visto una película de antes de la década de 1970 con dos personas hablando en un auto en movimiento, hay una probabilidad cien por cien de que ya hayas encontrado proyección trasera.
El concepto es simple: ¿No puedes filmar en ubicaciones reales? ¡Sin problemas! ¿Quieres grabar diálogos en el set mientras tus actores corren más rápido que la policía en un ruidoso convertible? No te preocupes! Es tan fácil (en teoría) como un escenario de sonido y un proyector.
En su advenimiento en la década de 1930, la proyección trasera era una tecnología que cambiaba el juego. Les dio a los cineastas más control, consistencia y libertad creativa para filmar lo que querían donde querían. Y, sin embargo, si bien el proceso en cámara de la proyección trasera agilizó de manera efectiva los flujos de trabajo de producción, regularmente no logró lograr ningún sentido de naturalismo.
La proyección trasera, en contra de los mejores esfuerzos de sus técnicos, está lejos de ser un efecto invisible. A pesar de ser la técnica de composición estándar durante décadas, con pocas excepciones, la proyección trasera nunca alcanzó un nivel de perfección tal que su presencia pudiera pasar desapercibida. Cuando hay proyección trasera en la pantalla, es difícil pasar por alto.
En estos días, la proyección trasera tiene la reputación de ser una distracción y anticuada, un efecto especial anticuado que arruina la suspensión de la incredulidad y nunca se ve del todo bien. Con el tiempo, la retroproyección tradicional pasó de ser una necesidad práctica a una herramienta expresiva, una técnica empleada por directores elegantes para reverenciar o ridiculizar el pasado. Otros han empleado el «off-ness» de retroproyección para transmitir una sensación de irrealidad e inquietud, como con el primer viaje de Neo a Matrix o el Dr. Bill vagando por las calles por la noche con los Ojos Cerrados.
Si bien la proyección trasera tal como se concibió originalmente puede haber pasado de moda, las buenas ideas siempre encuentran una manera de adaptarse y sobrevivir. Así que aquí estamos, casi un siglo después, y a pesar de todas las probabilidades, la proyección trasera está volviendo. Aquí está todo lo que siempre has querido saber sobre cómo funciona la proyección trasera, de dónde viene y hacia dónde va:
¿Cómo lo hicieron?
Breve historia larga:
Proyectando una imagen en una pantalla desde atrás y luego escenificando la acción en primer plano contra su telón de fondo. El resultado, cuando se fotografía, es un compuesto integrado en la cámara.
Larga historia larga:
Proyección trasera (también conocida como proyección trasera) fotografía de proceso) fue la principal tecnología compuesta de efectos especiales en Hollywood desde mediados de la década de 1930 hasta principios de la década de 1970. En su forma más básica, la proyección posterior se compone de cuatro componentes: un proyector, una pantalla, sujetos en primer plano y una cámara. Los sujetos se colocan entre la cámara y la pantalla, mientras que un proyector situado en el otro lado de la pantalla proyecta imágenes pregrabadas o una imagen fija. Por lo general, el objetivo estético de la proyección posterior es crear la ilusión de que los sujetos no están en un escenario de sonido. El objetivo técnico es hacer que la producción sea más ágil, segura y consistente.
El material de fondo de proyección posterior se llama «placa».»Si has oído a alguien gritar» ¡rueda la placa!»en un plató de cine, o en una representación ficticia de un plató de cine, básicamente gritan:» ¡Enciende el proyector!»Cuando el fondo proyectado está en movimiento, es una toma de proceso.»Si el fondo es una imagen fija, se denomina «toma de transparencia».»
Si su única experiencia con proyectores es de la variedad frontal, puede que se pregunte: ¿cómo pasa la luz y se pega en la pantalla? La respuesta corta es que la proyección trasera y frontal utilizan diferentes tipos de pantallas. La proyección frontal utiliza una pantalla reflectante opaca, que rebota la luz hacia atrás. La proyección trasera utiliza una pantalla translúcida que permite el paso de la luz mientras transmite la luz a través de su superficie.
Para que el proceso de proyección posterior funcione, se deben tener en cuenta varios detalles holísticos. Por un lado: debido a que la pantalla y la cámara están fijas en su lugar, todos los movimientos y ángulos deben ser contabilizados por el equipo de fotografía de proyección trasera con anticipación. En otras palabras: cada movimiento y ángulo en la fotografía principal debe planificarse cuidadosamente antes de filmar el material de la placa.
La falta de tecnología Steadicam hizo que esto fuera más fácil decirlo que hacerlo. También es fundamental que la iluminación del escenario de sonido coincida con la de la placa. Si el plato representa un día sin nubes y los actores están en la sombra, la ilusión no funcionará. La sincronización de las velocidades de fotogramas de la cámara y el proyector también fue importante. Si una de las aberturas estaba abierta mientras que la otra estaba cerrada, aparecerían artefactos ópticos (como halos de luz) en la placa de fondo y arruinarían el efecto.
Como describe Julie Turnock en su ensayo «The Screen on the Set», un concepto erróneo sorprendentemente frecuente sobre la proyección posterior es que es básicamente un predecesor antiguo de la composición de pantalla azul y pantalla verde. Es cierto que las dos técnicas comparten propósitos estéticos similares. Concretamente: abriendo la posibilidad de dónde y cómo los cineastas pueden filmar a sus sujetos. Pero, en última instancia, ambos enfoques tienen especificaciones muy diferentes en el set y en la posproducción.
Durante su apogeo, la principal ventaja de la proyección trasera sobre otras técnicas de composición era su eficiencia. El proceso podría completarse inmediatamente en el set al mismo tiempo que la fotografía principal. También podría filmarse en presencia de los principales cineastas e intérpretes y evaluarse rápidamente en los diarios. Mientras tanto, la composición de pantallas azules y verdes es parte de un conjunto más amplio de técnicas que históricamente caen bajo los auspicios de matas itinerantes u «ópticas».»
Hay una diferencia crucial entre los compuestos ópticos y la fotografía de proceso: la mayor parte del trabajo de los primeros recae en la postproducción, mientras que el de los segundos se lleva a cabo en cámara. Los requisitos técnicos de la proyección trasera controlaban muchos aspectos de la producción, desde el bloqueo hasta la puesta en escena. Y eso quedó bien con la cinta transportadora de Henry Ford del Viejo Hollywood.
En un toque divertido. si bien conceptualmente la proyección posterior es bastante fácil de explicar y entender, en la práctica es muy difícil realizarla de una manera sutil y sin interrupciones. Cuando la gente dice que «la proyección trasera se ve mal», generalmente están hablando de lo mismo. A saber: que la técnica tiende a producir una diferencia visible entre la acción en primer plano y el material de proyección posterior.
La proyección trasera tiende a verse, en una palabra, «falsa».»Una parte de la razón de esto es que generalmente hay una discrepancia en la calidad de la acción en primer plano y la imagen proyectada. El aspecto desaturado y descolorido característico de la proyección es el resultado de una serie de factores. Estos incluyen calidad de impresión y proyectores incapaces de producir una imagen con suficiente brillo.
Hubo arreglos a lo largo de los años, a partir de material de película VistaVision de grano fino y bombillas de proyector más potentes. Pero nunca llegó una metodología confiable para eliminar la calidad de imagen degradada en las placas re-fotografiadas. Como dice Turnock: «la proyección trasera era, en suma, perfectamente coherente con el sistema de producción de los estudios de Hollywood, pero no con su estética perfecta ideal.»
Proyección frontal, cuyo primer uso principal fue en 2001: Una Odisea del espacio, resolvió una serie de problemas de proyección trasera. El proceso implica espejos cuidadosamente angulados que permiten que la imagen proyectada se alinee con el ángulo focal de la cámara y aparezca en una pantalla altamente reflectante, dentro de la cámara. El motivo principal para usar la proyección frontal sobre trasera es una mejora notable en la calidad de imagen. Lo que, resulta, hace toda la diferencia.
A medida que la proyección frontal y la composición óptica se hicieron más asequibles y accesibles, la proyección trasera se volvió cada vez más obsoleta. Sin embargo, hay muy pocos directores hoy en día que sinceramente nunca se rindan a la fotografía de procesos. Uno de ellos es James Cameron.
No sabía que había proyección trasera vehicular en ‘Terminator 2’, ¿verdad?
Pero, gracias al equipamiento mejorado, la proyección trasera está de vuelta con venganza. Para los directores que desean filmar tanto en cámara como sea posible, la promesa de la proyección trasera es atractiva. La tecnología de vanguardia, como los proyectores láser 4K de alto contraste, prácticamente ha eliminado los molestos problemas de fidelidad de la proyección posterior basada en película.
Los medios digitales, preprocesados y en tiempo real no solo pueden lograr resultados fotorrealistas completos en la cámara, sino que los cineastas también pueden agregar elementos con claves de forma interactiva en cualquier momento. Además de tener un aspecto fantástico, la proyección en vivo tiene el beneficio adicional de dar a los artistas y al departamento de cámara algo tangible con lo que trabajar.
Oblivion de Joseph Kosinski utilizó la proyección frontal para transmitir un cielo envolvente que se refleja en las naves espaciales y en los ojos de sus actores. La Gravedad de Alfonso Cuarón colocó a sus artistas en la «Caja de Luz», una sala llena de pantallas LED que proyectaban imágenes en movimiento en sus caras permitiendo a los animadores combinarlas perfectamente.
Y luego está la escenografía (a. k.a. «El volumen»), una luz industrial de proceso & Mágica perfeccionada en Rogue One: Una historia de Star Wars que utiliza una enorme pared curva de pantallas LED alimentadas por el motor Unreal que permite la visualización en tiempo real. El resultado es un entorno virtual que se puede representar en tiempo real desde la perspectiva de la cámara.
El último proyecto de Star Wars en usar escenografía es la serie de Disney+ The Mandalorian. Y como reflexiona el productor ejecutivo Jon Favreau en el Cinematógrafo estadounidense, la escenografía no es realmente una proyección trasera, sino que tampoco se parece a nada más. Y, sin embargo, en medio de toda esta tecnología sin precedentes, el propósito práctico sigue siendo el mismo: al grabar todo en cámara, reduce el tiempo, el dinero y la carga de trabajo de posproducción.
Que la escenografía sea capaz de cumplir esa promesa de una manera que la proyección trasera tradicional nunca se agriete es emocionante, por decir lo menos. La capacidad de componer en tiempo real en cámara en el set significa que El Mandaloriano es capaz de cumplir con la gran tarea de ser una serie de televisión de Star Wars de acción en vivo, un proyecto de pantalla pequeña con una sensación de pantalla grande. Ya sea para televisión o cine, las implicaciones son emocionantes: que tanto los flujos de trabajo de producción como la fidelidad visual podrían mejorar en conjunto.
Teniendo en cuenta que en la década de 1970 el uso de efectos ópticos de Star Wars era el supuesto clavo en el ataúd para la fotografía de procesos, es algo poético que la misma franquicia esté volviendo a poner la técnica en el centro de atención.
¿Cuál es el precedente?
En lo que se está convirtiendo en un elemento básico regular de esta columna, la idea de la proyección posterior, de un tal Norman O. Dawn en 1913, surgió mucho antes de la técnica real. Tres desarrollos técnicos no relacionados en la década de 1930 hicieron posible la técnica: proyectores que podían sincronizar persianas; mejor material de película pancromática; y lámparas de proyección más potentes.
El primer estudio de Hollywood en usar retroproyección fue Liliom de Fox Film Corporation en 1934. Apropiadamente, la película fue posteriormente reconocida por la Academia por sus esfuerzos. La técnica fue perfeccionada por Farciot Edouart ASC de Paramount Picture, quien desarrolló nuevos métodos, incluyendo la exposición de iluminación y la sincronización de múltiples proyectores a la misma placa.
El proceso se estandarizó con una pantalla que había sido desarrollada específicamente por Sidney Sanders para King Kong en 1933 que no solo era más grande y flexible, sino que también era capaz de soportar una imagen de mayor calidad. Las tomas de composición de King Kong eran efectos ópticos, no fotografía de proceso, pero las pantallas mejoradas que usaban eran una innovación importante para futuros efectos de proceso.
La proyección trasera es un efecto especial con un largo pasado y un futuro brillante. Así que la próxima vez que te burles de un viejo coche de Hollywood de dos patas: la encarnación moderna de esta tecnología está siendo anunciada como el futuro de la televisión. ¡Así que muestra un poco de respeto!
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