La relación entre imágenes y palabras tiene una larga tradición que comenzó con los manuscritos antiguos, pero desde principios del siglo XX, con la vanguardia artística, el componente textual recupera un alto peso al convertirse en un objeto de análisis y (des)construcción. Braque y Picasso, promotores del cubismo, incorporaron palabras en sus pinturas a través del periódico. Asimismo, el futurismo de Boccioni y Marinetti alteró violentamente el tamaño de la tipografía dentro de la misma palabra, una estética similar al constructivismo ruso, que marcó el camino para el diseño gráfico. La poesía Dada fue una revolución masiva. Su escritura se construyó seleccionando palabras al azar de diferentes libros que luego influyeron directamente en el pensamiento automático que los surrealistas llevaron a cabo para representar el mundo de los sueños y el inconsciente.
Hoy en día, los límites entre el arte, la publicidad, el diseño o la comunicación se están difuminando cada vez más. De las cenizas de las vanguardias surgieron muchos artistas que utilizan las palabras como su gran arma para transmitir mensajes, en algunos casos interesantes, que exponen el indudable poder de las palabras. A continuación se muestran algunos de los artistas que han cautivado la atención con su trabajo de diversas maneras.
Joseph Kosuth
Kosuth es uno de los pioneros del arte conceptual, que surgió en los años 60 y 70. Su trabajo se basa en la desmaterialización del arte; en otras palabras, el artista rechaza la noción de la obra de arte como objeto contemplativo. Kosuth siguió los pasos preestablecidos de Duchamp y se interesó por la objetividad de los conceptos cerrados; es decir, que se imponen a la realidad inmediata, y las palabras son el medio perfecto, ya que las definiciones generalmente son concretas y concisas. De esta manera, en sus obras, el artista elimina todo lo que tiene un carácter subjetivo, y eso depende de las múltiples interpretaciones del espectador para reducirlo a una sola idea.
Su obra, «El color de Wittgenstein», se basa únicamente en la palabra de RED, cuya relación con su significado es literal. En el caso de» Una y tres sillas», en la que contrasta una silla con su fotografía y su definición, que tampoco admite variaciones. La importancia del trabajo artístico de Kosuth radica en la combinación de las palabras y la instalación para reflexionar sobre los efectos del lenguaje en la subjetividad de los sujetos.
Matt Siber
El trabajo de Matt Siber se caracteriza por la intervención en fotografías urbanas donde el foco está en señales de tráfico, carteles publicitarios en las carreteras o las marcas de consumo capitalista más influyentes. Usando Photoshop, elimina las estructuras de soporte de estos objetos para que los logotipos queden flotando. Con esta acción, el artista elimina todas las distracciones visuales para prestar atención únicamente al texto o al logotipo. Siber’Por otro lado, el «Proyecto sin título» se basa en la ausencia deliberada de texto. Ambas obras están destinadas a explorar el poder de las palabras humanas en relación con el lenguaje público y señalar las muchas formas no tradicionales en que se utiliza el lenguaje escrito para comunicarse.
Jason Innocent
Innocent es un artista emergente que demuestra su compromiso social en su trabajo. Transmite un poderoso mensaje a sus espectadores en el que denuncia diferentes problemas sociales actuales como el racismo, las desigualdades y los estereotipos de género a través de la sátira. En sus primeras obras yuxtapone el dibujo y la escritura de carácter infantil que denota espontaneidad. Muchas de sus palabras pueden estar al revés, tachadas o unidas en forma de Scrabble. Sin embargo, comenzó a ganar reconocimiento en la escena artística por sus grafitis y plantillas en el bajo Manhattan con una mezcla de dibujos, frases, palabras, poesía y líneas, como su intervención en carteles anti-Trump en el espacio público durante su campaña electoral.
Jason Innocent también combina el uso de lenguaje gráfico. «Bandera Estadounidense» es una obra en la que desarma y re-significa el concepto de la bandera estadounidense y cuestiona lo que representa para los ciudadanos al crear una pancarta con las palabras convincentes SIN RACISMO, SIN SEXISMO, SIN ABLEÍSMO, SIN FATFOBIA, SIN DISCRIMINACIÓN POR EDAD, SIN TRANSFOBIA, SIN HOMOFOBIA Y SIN ODIO. Siguiendo una línea similar, el artista ha creado recientemente imágenes minimalistas con las palabras HOLY SHIT, RADIO RADIO y Burning the midnight oil en las que Innocent apela a la literalidad de sus definiciones. En el caso de la Mierda, enfatiza su significado con el uso de letras mayúsculas, y en la RADIO RADIO, utiliza el recurso de la repetición.
Mar Arza
Mar Arza es un escultor de palabras. A través de la no escritura, manipula las historias originales en busca de un lirismo artístico. Bajo la influencia de la poesía dadaísta, elige palabras al azar de las páginas de los libros y luego disecciona meticulosamente textos y frases o enfatiza conceptos que toman una forma escultórica sin marcos ni cristales. Sus obras destruyen el relato hegemónico de la idea de linealidad y desafían los límites del concepto de estructura y caballete pictórico. Arza adopta una actitud disruptiva hacia la idea de leer tanto libros como arte contemporáneo. De esta manera, el artista integra un debate sobre las palabras y su dimensión tangible y explora nuevos significados conceptuales, verbales y plásticos.
Honda Koichi
Koichi es un maestro de la caligrafía árabe, a pesar de ser Japonés. Pertenece a una pequeña comunidad de japoneses que practican la religión del Islam, que se originó durante la Segunda Guerra Mundial. Koichi es un ejemplo interesante de interculturalidad y construcción de estereotipos culturales. Su trabajo nos obliga a reflexionar sobre la noción de cultura e identidad y preguntarnos: ¿por qué nos resulta tan impactante ver a un musulmán japonés, un maestro japonés de la caligrafía árabe? Además, Koichi incorpora los caracteres árabes como elemento gráfico, prestando atención a su delineación y forma. Su conocida obra de pirámide azul está construida con versos del Corán y en la parte superior; puedes leer el nombre de Alá, el Dios musulmán, rodeado de un aura blanca.
Barbara Kruger
Barbara Kruger es una artista pop que trabaja en Nueva York y Los Ángeles. Su carrera comenzó a finales de los años 60, haciendo trabajos de técnicas mixtas que a menudo incluían hilo cosido, cuentas y otros materiales artesanales comunes, convirtiéndolos en piezas sexualmente sugerentes. Esto fue en el punto álgido de la discusión en torno a las líneas entre el arte y la artesanía. En 1976, se tomó un año sabático de su práctica. No fue hasta que descubrió las obras filosóficas de Walter Benjamin y Roland Barthes que se revitalizó, tomando el collage como su nuevo enfoque. Poco a poco se expandió a otros campos, haciendo de todo, desde instalaciones hasta camisetas.
Es más conocida por sus piezas con fotografías encontradas en blanco y negro superpuestas con texto, típicamente en Futura y Helvética. Usando los motivos de los anuncios de revistas y carteleras, Kruger es un maestro en subvertir el contexto. Una de sus declaraciones más conocidas, «Yo compro, por lo tanto, soy», destaca su frecuente confrontación con el consumismo y el autoexamen en el capitalismo tardío. Obras similares incluyen textos como «No eres tú mismo»y» ¿Dónde se cree que está?»Estas frases provocativas son las más famosas en texto blanco sobre tiras rojas, cargando las imágenes con mensajes conflictivos y referencias de humor oscuro.
Jenny Holzer
Jenny Holzer la carrera se define por el texto y la búsqueda de nuevas formas para mostrar al público. La primera fase de su trabajo fue una serie llamada Truisms, un proyecto de dos años que comenzó en 1977. Recortó citas conmovedoras del Programa de Estudio Independiente de Whitley y las reprodujo en texto negro en cursiva en papel de hoja ancha. El efecto es una extensa lista de citas que deslumbran a la vista hasta que se acercan y leen cuidadosamente. Frases tan dispares como» EL CAPITALISMO ES TAN ARTIFICIAL COMO EL PLÁSTICO «y» TODO LO QUE ES INTERESANTE ES NUEVO » viven en sucesión, docenas alineadas una tras otra. Estas hojas anchas se pegaban en áreas públicas alrededor de Manhattan, incluidos negocios y vallas abiertas. Durante el curso del proyecto, imprimió las citas en folletos, camisetas y otros materiales.
A medida que el perfil de Holzer aumentaba, comenzó a buscar nuevas vías para proyectar el lenguaje en el mundo. Ha esperado documentos desclasificados del gobierno en un edificio de la Biblioteca de Nueva York, exhibió citas en carteles electrónicos de aeropuertos e instaló bancos de piedra grabados con citas de las Diez víctimas de Hollywood en un parque público. Esta pequeña selección destaca la gama completa de su obra, que continúa cinco décadas.
Ed Ruscha
La carrera de Ed Ruscha se define por la ética de perseguir el alto arte a través de formas comerciales. Esta tendencia impulsó a Ruscha a la vanguardia del movimiento emergente del arte pop en 1969, cuando participó en la muestra seminal «Nueva pintura de objetos Comunes».»Su biografía muestra por qué tenía la capacidad única de fusionar estos campos. Después de recibir una educación artística de Emerson Woelffer y Robert Irwin en el Instituto de Arte Chouinard, Ruscha encontró empleo como diseñador de diseños en la Agencia de Publicidad Carson-Roberts. Durante los años 60, Ruscha tuvo una formación rigurosa en el arte de la publicación impresa y lo utilizó para cambiar el panorama del arte del siglo XX junto con otros viajeros como Andy Warhol y Roy Lichtenstein.
El trabajo de Ruscha explora la tipografía y la manipulación de formas de letras, utilizando tipos de letra como objetos encontrados, a veces eligiendo palabras no por significado sino por interés visual. Sus pinturas a menudo presentan texto en el mundo, famosos letreros de gasolineras. En estos, es como un artista del paisaje que captura la tipografía en la naturaleza. Al mismo tiempo que experimenta en fotografía y cine, su legado duradero es su trabajo con el texto y su posición como una luminaria del arte pop.
Christopher Wool
Christopher Wool es un artista contemporáneo que trabaja en el texto a través de una lente post-conceptual, un movimiento que busca poner todas las elecciones estéticas al servicio de las ideas. Vive y trabaja en Nueva York, pero pasa gran parte del año en la legendaria escapada de artistas y escritores de Marfa, Texas. Su educación artística atípica ayudó a dar forma a un enfoque atípico. Mientras se matriculó en la Escuela de Estudio de Nueva York a finales de los años 70, se fue poco después, con la mayor parte de su formación formal como asistente de estudio para el escultor Joel Shapiro. En cambio, se empapó de la próspera escena artística y musical de la ciudad. Wool comenzó a trabajar con texto en los años 80, encontrando su aspecto característico de letras negras estarcidas colocadas en un patrón de cuadrícula sobre un fondo blanco.
La lana a menudo repite palabras, deja caer vocales y reorganiza o elimina espacios. El resultado es sorprendente, a menudo creando un desafío para que los espectadores capten lo que está escrito rápidamente. Este efecto persistente de su trabajo obliga a los espectadores a ponerse de pie y luchar a través de cada letra, murmurando los sonidos en voz baja, reenganchándose con el mismo acto de unir notas para crear una palabra significativa. Los resultados a menudo son humorísticos y contundentes. Los mensajes de confrontación antagonizan el lento trabajo de lectura.
Bruce Nauman
Bruce Nauman es un artista que ha trabajado en todo tipo de medio físico. Su carrera ha jugado con frecuencia, aunque no exclusivamente, con textos, a menudo escritos con luz de neón. Comenzó su educación en matemáticas antes de estudiar arte en la Universidad de California, Davis, de 1965 a 66. Si bien su arte comenzó con la pintura, en poco tiempo buscaba cine, performance y escultura. Esa apertura de sus actividades llevó a la amplia variación con la que experimentó a lo largo de su carrera.
Sus resplandecientes obras de neón están deteniendo los estudios sobre el uso del texto en el arte, utilizando múltiples colores brillantes y diseños extraños, estas piezas envían a los espectadores a girar la cabeza, retroceder y avanzar. En algunas partes, las frases se caren entre sí y se rompen en ángulos en la colisión. En otros, las palabras salen en espiral desde o hacia el centro. El enfoque lúdico de Nauman aporta optimismo a los temas existenciales de la psicología, la sexualidad y la búsqueda del arte.
