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Je nach Art des Films, den Sie schreiben, kann die Länge des Films in Bezug auf das Drehbuch variieren.
Zum Beispiel ändert die Länge des Drehbuchs dramatisch, wie aufwendig eine Actionszene im Detail beschrieben wird. Schließlich gibt es einen großen Unterschied zwischen dem Schreiben von „Die beiden Jungs geraten in einen Kampf“ und der Beschreibung der gesamten Kampfsequenz.
Um die Beziehung zwischen Skriptlänge und Filmlänge zu verstehen, beginnen wir mit der einfachen Frage: Wie lang ist ein Skript für einen zweistündigen Film?
Die allgemeine Faustregel lautet, dass ein im richtigen Format geschriebenes Drehbuch einer Seite pro Minute Bildschirmzeit entspricht. Daher beträgt ein Drehbuch für einen zweistündigen Film 120 Seiten (2 Stunden = 120 Minuten = 120 Seiten).
Der Filmdatenforscher, Pädagoge und Drehbuchautor Stephen King verfügt über einen großartigen Datensatz zur Länge von Filmskripten, den Sie hier finden können.
Ich werde den Rest des Artikels damit verbringen, Ausnahmen von dieser Regel zu diskutieren, wie diese Regel eng mit der Drei-Akt-Struktur zusammenhängt und wie sie Ihr Tempo beim Schreiben dramatisch verbessern kann.
Warum ist die Regel eine Seite pro Minute wichtig?
Wenn sie Drehbücher an Studios und Produzenten liefern, insbesondere als unbekannter Autor, ist dies eine Metrik, anhand derer sie die Länge des Films beurteilen werden.
Dies gilt auch für Fernsehen und Kurzfilme. Ein halbstündiger TV-Pilot wird ungefähr 20-30 Seiten lang sein, und ein einstündiges Drama wird im Allgemeinen irgendwo zwischen 50-60 Seiten lang sein.
Wie bereits erwähnt, gibt es einige Ausnahmen von dieser Regel, und bestimmte Arten von Filmen können diese Metrik ändern.
Darüber hinaus gibt es einige Möglichkeiten, wie das Verhältnis von Seite zu Minute Ihnen beim Tempo Ihres Drehbuchs helfen kann.
Ausnahmen
Wie im Intro gesagt, vermasseln einige Arten von Filmen die Regel von Seite zu Minute. Das Häufigste, was dies ändert, sind Filme mit viel Action und mangelndem Dialog.
Normalerweise möchten Sie als Schriftsteller nicht direkt schreiben. Beim Schreiben von Aktionen neigen viele Autoren dazu, über bestimmte Dinge hinwegzukommen.
Wenn die Handlung selbst nicht für die Geschichte relevant ist oder wenn es sich um ein Projekt handelt, bei dem Sie selbst Regie führen, ist es besser, vorzuschlagen, was passieren wird, und weiterzumachen.
Aus diesem Grund werden Skripte, die viel in Aktion sind, viel kürzer gelesen.
Ein einzelner Aktionsabsatz kann auf dem Bildschirm 5 bis 10 Minuten dauern, aber nur drei Zeilen lang sein (es ist gut zu versuchen, Ihre Aktionsabsätze unter 3 Zeilen zu halten, aber dazu später mehr).
Beispiele
Ein Beispiel dafür ist das Skript für die Schlacht der Bastarde-Episode in ‚Game of Thrones.
Obwohl die Episode eine Stunde lang ist, ist das Drehbuch selbst 41 Seiten lang. Für diejenigen unter Ihnen, die zugesehen haben, ist dies eine Episode, in der die Aktion den Dialog stark überwiegt.
Ein weiteres Beispiel für ein großartiges Drehbuch, das kürzer ist als die Länge des Films, ist Sofia Coppolas Lost in Translation.
Da dieser Film explizit von einem Mangel an Konversation handelt und viele meditative Momente der Stille bietet, ist es nicht verwunderlich, dass das Drehbuch nur 75 Seiten umfasst, während der Film 1:44 Minuten dauert.
In der Tat, wenn Sie ein Online-PDF des Skripts finden, werden Sie feststellen, dass viele der Seiten mit viel Leerzeichen verdoppelt werden. Dies kann helfen, das Tempo zu verstehen, das der Film beim Lesen einnehmen soll.
Tempo
Wenn Sie verstehen, wie sich Ihr Drehbuch auf das Timing auf dem Bildschirm bezieht, können Sie Ihren Film entsprechend beschleunigen. In den meisten Fällen ist die durchschnittliche Szene in einem Film ein bis drei Minuten lang.
Das klingt vielleicht nicht nach einer sehr langen Zeit, und du hast Recht. Dies bedeutet, dass es wichtig ist, präzise und direkt zu sein.
Wenn man bedenkt, dass im Laufe der Filmgeschichte die durchschnittliche Schusslänge und die Szenenlänge nur abgenommen haben.
Viele Drehbuchautoren möchten ihre Szene am Eingang einer Figur beginnen. Wenn dies nicht zur Geschichte beiträgt, schreiben Sie es nicht!
Wenn Sie sich an Studios wenden, wissen Sie, dass diese Leute Hunderte von Skripten lesen müssen und äußerst kritisch sind.
Aus diesem Grund ist es auch eine gute Idee, Aktionsabsätze unter drei Zeilen zu halten.
Vertrauen Sie mir, wenn Sie viele Skripte zum Lesen haben, können Sie Textabschnitte sehen. Wenn Sie es kurz halten, kann sich die Geschichte schnell bewegen und erleichtert oft das Lesen.
Szenen vs Sequenzen
Eine Sammlung von Szenen, die ein Ereignis kapseln, wird als Sequenz bezeichnet.
Zum größten Teil besteht eine Sequenz aus drei bis fünf Szenen (denken Sie natürlich daran, dass diese Zahlen alle Vorschläge sind). Das bedeutet, dass Ihre Standardsequenz 10-15 Seiten oder 10-15 Minuten beträgt.
Wenn Ihre Sequenz voller Action ist, wie viele es sind, wird sie kürzer sein. Wenn dies Ihre Absicht ist, müssen Sie keinen unnötigen Dialog oder eine andere willkürliche Methode schreiben, um ihn auf diese Seitenlänge auszudehnen.
Stellen Sie jedoch sicher, dass Ihre Sequenz verständlich ist!
Egal, ob es sich um einen linearen Ablauf handelt oder um Schnitte zwischen zwei parallelen Szenen, es muss logisch und verständlich sein. Zu viel zu schnelles Herumspringen ist verwirrend und sollte vermieden werden, es sei denn, dies ist beabsichtigt.
Sequenzen vs. Akte
Es ist auch wichtig, sich daran zu erinnern, dass Sie möchten, dass Ihre Sequenzen in Ihre verschiedenen Akte passen.
Wenn Sie Probleme mit der Länge haben und das Bedürfnis haben, Platz zu füllen, werden Sie am Ende unnötige Seiten schreiben.
Anstatt dies zu tun, überlegen Sie, warum Sie nicht genug (oder zu viel) Material zum Schreiben haben und welche Art von Geschichte Sie schreiben. Vielleicht sollte es eine TV-Show anstelle eines Films sein oder umgekehrt.
Ein Film ist ein interessantes Ereignis im Leben eines normalen Menschen und eine Fernsehsendung ist das normale Leben eines interessanten Menschen.
Eine super hilfreiche Art, darüber nachzudenken, die ich von einem Story-Editor bei WME erhalten habe, ist, dass ein Film (im Allgemeinen) ein interessantes Ereignis im Leben eines normalen Menschen ist und eine TV-Show das normale Leben einer interessanten Person ist.
Stellen Sie sicher, dass die Geschichte, die Sie erzählen, zu dem Format passt, in dem Sie schreiben.
Wenn Sie also auf die Seitenlänge und die Länge Ihrer Szenen achten, können Sie das Tempo variieren und Momente der Aktion mit Momenten des Dialogs gegenüberstellen, um eine dynamische und interessante Lektüre zu erstellen.
Die Struktur in drei Akten
Die Chancen stehen gut, dass Sie wahrscheinlich von der Drei-Akt-Struktur gehört haben, also werde ich nicht zu viel darauf eingehen, außer wie es sich auf die Seitenlänge und das Tempo eines Films bezieht.
So ziemlich jeder Film besteht aus drei Akten. In einem zweistündigen Film, der erste Akt ist in der Regel 30 Seiten, der zweite um 60 Seiten, und der dritte Akt um 30 Seiten.
Dies bedeutet, dass die Pause im ersten Akt ungefähr 30 Minuten in der Bildschirmzeit beträgt und die Pause im zweiten Akt für einen zweistündigen Film ungefähr 90 Minuten beträgt.
Wenn Sie Filme ansehen, während Sie darüber nachdenken, können Sie wirklich erkennen, wie diese Übergänge gehandhabt werden.
Diese Standardart des Tempos macht es auch sehr schwierig, den ersten Akt zu schreiben.
Auf den ersten 30 Seiten (für einen typischen Film) müssen Sie die Hauptfiguren vorstellen, woher sie kommen, den anstiftenden Vorfall und den Konflikt der Geschichte.
Wenn Sie all dies auf 30 Seiten packen, können Sie sich nicht zu sehr mit fremden Details befassen. Große Momente der Action, lustige Szenen und große Versatzstücke sind besser für den zweiten Akt reserviert.
Halten Sie die Dinge im ersten Akt in Bewegung
Es ist auch gut, die Dinge im ersten Akt in Bewegung zu halten, da es selten vorkommt, dass ein Produzent oder jemand, der unaufgefordert Beiträge einreicht, die vergangene Seite 20 liest.
Wenn Sie ein unbekannter Autor sind, können Sie leider nicht bis zum Ende des Drehbuchs warten, um jemanden zu überzeugen.
Ein starker erster Akt ist das Wichtigste, um jemanden dazu zu bringen, Ihr Drehbuch durchzulesen. Es ist wichtig, eine starke Eröffnungsszene und interessante Möglichkeiten zu finden, Charaktere und den Konflikt vorzustellen.
Überlegen Sie sich dazu, wie Sie Ihr Schreiben beschleunigen können. Versuchen Sie, Ihre Aktionsabsätze kurz und Ihre Szenen nach Möglichkeit unter drei Seiten zu halten.
Binden Sie Ihre Szenen zu Sequenzen zusammen, variieren Sie Momente der Aktion mit Momenten des Dialogs / der Exposition und wechseln Sie zwischen emotionalen Höhen und emotionalen Tiefen.
Fazit
Am Ende des Tages gibt es keine Regeln für das Drehbuchschreiben, und all diese Vorschläge sind einfach Werkzeuge, um Sie in Momenten der Unsicherheit zu führen.
Das Wichtigste ist, eine starke und fesselnde Geschichte zu haben, die viele Formen annehmen kann.
Persönlich ist das Größte, was ich gerne in Betracht ziehe, der Grund, warum ich den Film gemacht habe und wer das Publikum ist.
Wenn Sie versuchen, etwas kommerziell Rentables zu machen und etwas Geld für Ihren Film zu verdienen, sind die Drei-Akt-Struktur und das schnelle Tempo unerlässlich.
Wenn Ihr Film etwas ist, das außerhalb des Studiosystems existiert, persönlicher ist oder das Sie selbst machen möchten, sollte die Art und Weise, wie Sie es schreiben, für Sie selbst sein.
Die unglückliche Realität ist, dass sich diese beiden Welten selten verbinden.
Ich hoffe, dass diese Richtlinien geholfen haben. Als jemand, der für Drehbuchwettbewerbe und Studios gelesen hat, garantiere ich Ihnen, dass es eine Erleichterung ist, ein Skript zu erhalten, das schnell und einfach liest und immer geschätzt wird.
Das bedeutet nicht, dass Ihr Skript nicht intellektuell sein oder schwierige Themen angehen kann.
Dennoch rate ich dringend von Textabschnitten, extrem langen Szenen oder Szenen ab, die zu viel herumspringen und keine verständlichen Sequenzen bilden.
Beabsichtigen Sie, einen dieser Vorschläge zu Ihrem Skript hinzuzufügen? Hast du noch andere Ratschläge zum Pacing? Lassen Sie es uns in den Kommentaren wissen und viel Glück bei Ihrem nächsten Projekt!
Cade Taylor ist Filmemacher und Autor aus Los Angeles. Ursprünglich aus Seattle, Er arbeitet weiterhin als Outreach-Koordinator für die Bigfoot Script Challenge, wo er hilft, aufstrebende Schriftsteller mit Fachleuten aus der Branche zu verbinden. Wenn er nicht an seinen eigenen Projekten arbeitet, mit Bigfoot hilft oder Schreibtische abdeckt, liebt Cade es, sein Wissen mit anderen Filmemachern zu teilen und großartige Inhalte zu bewerben.