Back to Black kam aus dem Nichts – in gewissem Sinne. Natürlich hatte Amy Winehouse bereits ihr Debütalbum Frank 2003 veröffentlicht, aber abgesehen von ihrer Stimme klang es mehr oder weniger wie die Arbeit eines anderen Künstlers. Frank war Teil einer Welle von Jazz-beeinflussten MOR-Alben, die in den frühen 2000er Jahren groß wurden. Ein bisschen mutiger und launischer als die von Michael Parkinson anerkannten Jamie Cullum, Katie Melua oder Michael Bublé, aber nicht so anders als Norah Jones oder einer der Künstler, die nach ihrem 27 Millionen verkauften Album Come Away With Me folgten: ein bisschen Jazz, ein bisschen Neo-Soul, ein Hauch von Hip-Hop über die Beats.
Die Songs auf Frank wurden von professionellen Autoren-for-hire buffed up; die Frau, die sie sang unterzeichnet 19 Management von Simon Fuller, Manager der Spice Girls und Mastermind hinter Pop Idol und seine zig Spin-offs. Es wurde auf den Seiten von beworben Wohnzimmer, als ob das akustische Äquivalent von Polstermöbeln, etwas Geschmackvolles und Unaufdringliches, mit dem Sie Ihr Wohnzimmer verschönern können. Winehouse hasste es, oder so erzählte sie es den Interviewern immer wieder. „Ich habe es nicht in meinem Haus“, teilte sie dem Guardian einige Monate nach seiner Freilassung mit. Das Beste, was sie schaffen konnte, war, widerwillig vorzuschlagen, „es ist keine Scheiße“.
Sicherlich konnte es den Hörer nicht auf Back to Black vorbereiten: Nichts an Frank deutete darauf hin, dass sein Schöpfer ein wirklich epochales Meisterwerk schaffen würde. Amy Winehouse war in den drei Jahren, die ihr zweites Album von ihrem Debüt trennten, etwas passiert: dünn, tätowiert, gekleidet wie ein Cartoon eines 60er-Jahre–Mädchengruppenmitglieds – komplett mit einem schwindelerregenden Bienenstock, der dem der Ronettes nachempfunden war ‚Ronnie Spector – sie war fast nicht wiederzuerkennen. Die Texte seiner Lead-Single deuteten darauf hin, dass alles, was passiert war, nicht gut war – niemand bittet Sie, in die Reha zu gehen, wenn Ihr Leben in perfekter Form ist –, aber die Musik war so überschwänglich, dass Sie das leicht übersehen konnten.
Ihr Sound hatte sich ebenso dramatisch verändert wie ihr Aussehen: Mit Franks Produzent Salaam Remi und dem damals praktisch unbekannten Mark Ronson bot Back to Black ein Update von 60er Jahre Soul und Girlgroup Pop. Bezeichnenderweise selbstauslöschend, Ronson hat vorgeschlagen, dass sein Hauptbeitrag zum Album darin bestand, Winehouse aus der Kneipe herauszuhalten, Aber in Wirklichkeit war seine Entscheidung, die Aufnahmesitzungen in Brooklyns analoge Daptone Studios zu verlegen und seine Hausband zu beschäftigen, die Dap-Könige, war ein Meisterstück.
Die Dap-Kings hatten bereits ein Jahrzehnt damit verbracht, ihren Retro-Soul-Stil zu verfeinern, zuerst mit dem obskuren Deep-Funk-Sänger Lee Fields, dann mit Fields ehemaliger Backgroundsängerin Sharon Jones. Sie gaben dem Sound des Albums eine Härte und Körnung, die normalerweise fehlt, wenn zeitgenössische Produzenten den 60er-Output von Muscle Shoals und Hitsville USA nachmachen. Der Sound rieb sich gegen die Fülle der Texte des 21. Jahrhunderts Referenzen und Hip-Hop-beeinflusste Intonation („Ich werde ihn an der Tür überprüfen / Sicherstellen, dass er grün wurde / Ich bin enger als Flughafensicherheitsteam“) und gegen Winehouses Sarah Vaughan und Billie Holiday-beeinflusste Vocals.
Die Spannung zwischen den Musikstilen war unendlich packender als Franks ungeschickte Versuche, Winehouses Jazz-Koteletts durch Scat-Gesang hervorzuheben und Tracks mit Samples von knisterndem Vinyl zu dekorieren. Darüber hinaus klang es nicht wie eine wissende Pastiche, vor allem, weil Winehouse auf die gemietete Songwriting-Hilfe verzichtet und eine Reihe von Songs geschrieben hatte, die stark genug waren, um mit denen verglichen zu werden, von denen sie beeinflusst worden war. Wie gut sie waren, konnte man an den Künstlern erkennen, die sie anzogen: Innerhalb weniger Monate nach der Veröffentlichung von Back to Black, Prince hatte Love Is a Losing Game auf der Bühne gedeckt. Um die qualitative Ähnlichkeit von Winehouses Songs und der Musik, die sie inspirierte, zu unterstreichen, begann Ronnie Spector, den Titeltrack live inmitten der Hits der Ronettes aufzuführen.
Verständlicherweise sprachen alle über Winehouses Stimme. Es war eine bissige, zerlumpte, außergewöhnlich ausdrucksstarke Altstimme, die immer noch etwas von der nasalen Nordlondoner Anziehungskraft ihrer Sprechstimme trug, perfekt, um sowohl Herzschmerz als auch Sass zu vermitteln. Sie verzichtete auf die übliche Feuerwerk-Theatralik der modernen Soul-Diva zugunsten einer eigenwilligen, scheinbar untutorierten Phrasierung, die allem, was sie sang, eine Direktheit und Unmittelbarkeit verlieh. Vor dem zeitgenössischen Hintergrund von melismatischem Oversinging und Arch Indie Rock, Back to Black bot eine Erinnerung daran, wie es klang, es wirklich so zu meinen.
Aber wenn das Lob, das auf ihren Gesang regnete, voll und ganz verdient war und ist, Es überschattet tendenziell, was sie sang. Back to Black zeigte Winehouse als scharfen, kraftvollen Texter, dessen Schreiben von leise schön wechselte – „Alles, was ich jemals für dich sein kann, ist eine Dunkelheit, die wir kannten / Und an dieses Bedauern habe ich mich gewöhnt“ – zu stumpf und erdig lustig: „Was für eine Scheiße ist das?“. Der ganze Horror der co-abhängigen Beziehung, die ihr Schreiben inspirierte, würde sich mit der Zeit offenbaren; aber zuerst schien es nur eine bemerkenswerte Ausgießung von Liedern über Untreue, Sehnsucht und romantische Verzweiflung hervorgerufen zu haben, durchsetzt mit Verweisen auf Hedonismus, die sich immer nihilistisch anfühlen, niemals feierlich. Es gibt zig Erwähnungen von Alkohol und Drogen, aber keine, um zu feiern oder eine gute Zeit zu haben – nur um ihre Fähigkeit zu auslöschen.
Back to Black ist eine außergewöhnlich verlassene 35-Minute: der nächste Punkt, an dem seine Stimmung des Selbsthasses und der Hoffnungslosigkeit zu einer Lösung kommt, ist Addicted’s bittere Linie darüber, wie Marihuana „mehr tut als jeder Schwanz“. Aber es sagt etwas über das Können ihres Songwritings und die Arrangements aus, dass es so einfach zu hören ist. Was Winehouse zu sagen hatte, war mutlos und beunruhigend, aber wenn ihre Stimme auf dem Chor der Tränen steigt, die von selbst trocknen, oder das Intro zu You Know I’m No Good Sashays aus den Lautsprechern, es fühlt sich nicht nach harter Arbeit an. Selbst der düsterste Moment, in dem der Titeltrack in einen Trauerschlag zusammenbricht und Winehouse das Wort „black“ immer wieder trostlos wiederholt, ist in wunderschöne Gesangsharmonien und Streicher gehüllt.
Ein seltener Fall von kritischem Beifall, der mit öffentlichem Geschmack erklang, verkaufte sich millionenfach. Es könnte das einflussreichste Album der letzten 20 Jahre sein. Die unmittelbare Wirkung seines Erfolgs war eine Welle von Künstlern, die offensichtlich in ihrem Bild arbeiteten. Sängerinnen machten Retro-Soul-beeinflusste Musik und ersetzten Winehouses unruhige Unvorhersehbarkeit durch etwas weniger Volatiles und Marktfähigeres: erdiger Jedermann gute Laune oder süße Verrücktheit. Adele war bei weitem die erfolgreichste, aber an einem Punkt schien es Dutzende von ihnen zu geben, die alle die Lücke füllten, die durch die Tatsache entstanden war, dass Winehouse zunehmend nicht mehr live spielen konnte, geschweige denn eine weitere Platte fertigstellen konnte (wie die posthume Lioness Compilation enthüllte, nahm sie in den letzten Jahren ihres Lebens praktisch nichts auf und nahm nur zwei Songs für ein geplantes Follow-up auf). Winehouses Gesangsstil wurde zu einer Art Allzweck-Pop-Vorlage, deren Eigenheiten auf eine Reihe verwaschener, vorzeitig gealterter Tics reduziert wurden, die emotionale Authentizität bedeuten sollten. Fast 15 Jahre später, Sie können sich immer noch nicht für zwanzigjährige Männer bewegen, die wie echte Blues-Shouter klingen, und zwanzigjährige Frauen, die ihr Bestes geben, um Billie Holiday zu kanalisieren.
Und Back to Black läuteten eine neue Mode für Soul-Alben ein, die im Leben des Künstlers verwurzelt sind: eine aktualisierte Version des Trends der frühen 70er Jahre für konfessionelle Singer-Songwriter, der für das Zeitalter der sozialen Medien neu gestartet wurde, mit seinen Oversharing-Late-Night-Posts und der Überzeugung, dass Rock- und Popkünstler #relatable sein sollten (Facebook wurde vier Wochen vor der Veröffentlichung von Back to Black für alle über 13 mit einer gültigen E-Mail-Adresse geöffnet; monate später). Zum Guten oder Schlechten leben wir derzeit in einer Popwelt, die Back to Black unbeabsichtigt mitgestaltet hat, in der es die edelste Beschäftigung ist, offen über Ihre persönlichen Erfahrungen zu schreiben, die ein Popstar ausüben kann. wo Künstler Schlange stehen, um der Welt von den Neurosen und Traumata zu erzählen, die ihre neuesten Arbeiten inspiriert haben; wo jeder von Drake über Taylor Swift bis Beyoncé seine Songs nach IRL-Referenzen durchforstet hat.
Ob das ein positiver Zustand ist, ist strittig: Die Qualität von Back to Black ist es nicht. Entwirren Sie es von seinem Erbe und der entsetzlichen Hintergrundgeschichte seiner Songs, und Sie haben ein erstaunliches Album – ein unerwarteter, beispielloser Ausbruch von Kreativität und Talent, der immer noch emotional zu Hause ist, egal wie oft du es hörst. Es fühlt sich undurchlässig an, die Art von Album, über die die Leute noch in den kommenden Jahrzehnten hören und sprechen werden: der offensichtlichste Kandidat des 21.Jahrhunderts, sich dem Pantheon der Klassiker aller Zeiten anzuschließen.
* Lesen Sie unseren Nachruf auf Amy Winehouse
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