Es ist Samstag, Zeit, eines der Handouts aus den verschiedenen und zahlreichen Klassen und Workshops zu veröffentlichen, die ich im Laufe der Jahre unterrichtet habe! Dies gibt mir eine kleine Pause vom Schreiben und ist hoffentlich eine kreative Inspiration für meine Leser. Da ich in den letzten drei Tagen keltische Kunst gepostet habe, dachte ich, ich würde die Serie mit einem Beitrag über einige der Feinheiten der keltischen Knotenarbeit beenden. Es kommt auch einfach so vor, dass heute der „Teach Your (Blogger) Well“ -Tag in der Daily Prompt ist!
Dies ist kein Tutorial, da ich wirklich da sein müsste, um es Ihnen zu zeigen, sondern eher ein Hintergrund darüber, was keltische Kunst ist und etwas von der Geschichte dahinter. Wenn Sie bereits ein bisschen Knotwork machen, ist die Absicht, Ihnen einige Ideen für die Verschönerung und Verbesserung des Aussehens Ihrer eigenen Arbeit zu geben; Wenn Sie nicht sind, hoffe ich, dass es Ihnen hilft, mehr über keltische Kunst zu erfahren und vielleicht sogar einige auszuprobieren! Es gibt viele großartige Tutorials im Internet und in Büchern, und ich füge hier einige Links für einige gute hinzu.
Ich habe auch eine Galerie meiner eigenen keltischen Kunstwerke in die Seitenleiste gestellt, damit Sie sie alle an einem Ort betrachten können. Die Teiler hier, die knotwork, Spirale und Schlüsselmuster sind, waren Entwürfe, die ich für ein keltisches paperchain Kit eine Yuletide von einst gemacht habe.
Celtic Knotwork Workshop
Knotwork ist eine raumfüllende Dekoration, die im Allgemeinen in einem definierten Raum wie einem Rand oder Kreis gearbeitet wird oder sogar eine ganze Seite ausfüllt. Es basiert auf der Idee, echte Schnüre zu flechten, und wird seit der Antike von vielen Kulturen auf der ganzen Welt verwendet. Was die keltische Knotenarbeit (und die angelsächsische Knotenarbeit, von der sie abgeleitet wurde) einzigartig macht, ist die Verwendung von Brüchen im Zopf, was zu weitaus komplizierteren und komplexeren Mustern führt.
Einige Eigenschaften der keltischen Knotenarbeit:
Over-and-under construction — die Schnüre wechseln sich wie in einem Zopf ab und wechseln sich ab. Zwei Overs oder Unders zusammen bedeuten, dass etwas nicht richtig konstruiert ist. (Aber selbst die erfahrensten Mönchskünstler alter Zeiten hatten gelegentlich Entwürfe, bei denen sie dieses Problem nicht lösen konnten) Überprüfen Sie Ihre Overs und Unders sorgfältig, bevor Sie Ihr Design fertigstellen.
Einheitliche Kordelbreite – konsistente Breite der Kordeln mit Ausnahme einiger Übergänge zu einem anderen Abschnitt oder Design. Glatte, gleichmäßige Schnüre tragen zur Schönheit der Arbeit bei.
Muster sollten idealerweise eine durchgehende Schnur sein, wenn möglich, zwei Schnüre, wenn nötig. Vermeiden Sie geschlossene Schleifen.
Streben Sie nach anmutigen Kurven (in einem geschwungenen Muster). Was Authentizität und Ausgewogenheit innerhalb eines Musters ausmacht, erfahren Sie durch Übung: Beobachtung und Nachahmung traditioneller Motive.
Spitze Retouren – Wenn sich eine Schnur wieder auf sich selbst dreht, ist sie im Allgemeinen an der Außenkante spitz, manchmal an der Innenseite gekrümmt. Es gibt Variationen der spitzen Formen, einige anmutig wie Federn, andere gerader wie Pfeile, einige prall wie Spielkartenspaten.
Wiederholung – die Wiederholung von kleinen Mustern, immer und immer wieder, gibt knotwork seinen unverwechselbaren Look und Rhythmus. Mangel an Wiederholung und Muster ist nicht knotwork, es ist Spaghetti.
Farbe und Dekoration
Probieren Sie verschiedene Farbschemata aus, indem Sie Farbfelder der Farben, die Sie verwenden möchten, nebeneinander färben, oder kopieren Sie mehrere Kopien und probieren Sie die Farben direkt auf dem Design aus. Zwischen Hintergrund und Schnüren ist ein gewisser Wertunterschied (hell bis dunkel) erforderlich, damit die Knoten gut sichtbar werden.
einige Farbmöglichkeiten:
dunkler Hintergrund, helle Knoten
dunkle Knoten, heller Hintergrund
mehrfarbige Knoten, die sich allmählich vermischen oder nach einem „Unter“ ändern.
mehrfarbiger Hintergrund, der sich allmählich vermischt oder im Inneren der Formen ändert
dekorative Kordelbehandlungen:
interne Linien
interne Punkte
externe Punkte
Verdoppelung der schnur (über-und-unter muster muss geändert werden, um unterzubringen)
Verschiedene Kordelbreiten:
breit – ermöglicht die Innendekoration der Schnur, falls gewünscht, maximale Linienfarbwirkung; manchmal eng an Kurven; kann in zwei Schnüre verdoppelt werden (über und unter angepasst, um Schnüre zu wechseln).
medium – ermöglicht ein freieres Fließen von Kurven, einige Innendekorationen
schmal – ermöglicht mehr Platz für Hintergrundfarben oder Strukturbehandlungen, Außendekoration von Schnüren wie Punkten; kann mit breiten Bändern als sekundäres Design für auffällige Wirkung verwoben werden (Standard über und unter Regeln gelten)
Veredelung Ihres Knotenwerks (Übertragungsmethode auch für wiederholte Muster nützlich):
Wenn Sie die Konstruktion und alle rauen Stellen ausgearbeitet haben, ist es Zeit, ein fertiges Design auf einem sauberen Blatt Papier zu erstellen. Dazu müssen Sie das Design übertragen. Hier ist eine einfache Methode:
Zeichnen Sie das Design mit einem Graphitstift auf Transparentpapier nach. Drehen Sie das Transparentpapier um und zeichnen Sie es erneut auf die Rückseite (nicht auf das gute Papier!). Drehen Sie es dann wieder um, setzen Sie es dort ein, wo das endgültige Design sein soll, und verfolgen Sie es erneut. Sie müssen die resultierende Übertragung an dieser Stelle wahrscheinlich etwas verfeinern. Sie können jetzt mit Stift darüber zeichnen und die Bleistiftlinien löschen oder mit Buntstiften oder Farbe darüber malen.
Quellen:
Bücher:
„Die Kelten“ von Gerhard Herm — Geschichte der keltischen Völker
„Kunst der Kelten“ von Lloyd und Jennifer Laing — ein gelehrtes, aber sehr lesbares Buch, großzügig illustriert
„Celtic Art — Die Konstruktionsmethoden“ von George Bain — der Klassiker; eine große Quelle des Designs
„Celtic Knotwork“ von Ian Bain (George Bains Sohn — hat auch Bücher über den Bau anderer Arten keltischer Kunst) — Ian fand die Konstruktionsmethoden seines Vaters schwer zu befolgen und hatte Anfragen von anderen, die Schwierigkeiten hatten, also entwickelte er seine eigenen.
„Knotwork – Die geheime Methode der Schriftgelehrten“ von Aidan Meehan — dies ist eine etwas andere Version der Zellmethode, die wir in diesem Workshop verwenden; kann die ursprüngliche Quelle sein.
„Celtic Design – A Sourcebook of Patterns and Motifs“ — von Iain Zaczec — kein Tutorial, sondern eine wunderschöne Auswahl vieler Arten von Design, direkt aus historischen Objekten.
Zahlreiche Bücher von Courtney Davis – seine Bücher enthalten einige der besten modernen Behandlungen des keltischen Designs, die der Tradition treu bleiben, aber auf jeden Fall originelle Anwendungen haben. Viele haben sehr farbige Illustrationen.
„The Book of Kells“ — selections, reprinted in colour, Dover Books
Internet:
Wikipedia — zahlreiche Artikel: Beginnen Sie einfach mit „Celts“ und folgen Sie den Links in diesem Artikel, um einen umfassenden Überblick zu erhalten.
Wenn Sie „Celtic knotwork tutorial“ googeln, finden Sie viele hilfreiche Seiten. Hier sind nur einige:
http://www.thinkythings.org/knotwork/knotwork-general.html — eine Website mit vielen Informationen, Geschichte und Links; nicht zu viel am Bauende.
http://www.clanbadge.com/tutorial.htm — die Person auf dieser Seite hat eine Computerschrift für die Herstellung keltischer Knoten entwickelt!
http://en.wikipedia.org/wiki/Celtic_knot — einige Geschichte und Bilder und Links zu Tutorials
Dreitausend Jahre keltische Geschichte auf den Punkt gebracht
– die komprimierte Buchbehandlung aus den oben aufgeführten Quellen
Wer sind die Kelten? Woher kamen sie? Wir denken oft an Irland und Schottland als die Quintessenz keltischer Heimatländer, aber tatsächlich, Beide Länder waren die letzten Außenposten einer großen Diaspora von Menschen, die den europäischen Kontinent über drei Jahrtausende überspannten.
Die Kelten entstanden, soweit wir wissen, als eigenständige Kultur- und Sprachgruppe im Hallstätter Raum nordöstlich Italiens in der Spätbronzezeit. Diese Stämme des ersten Jahrtausends v. Chr. sprachen Proto-keltisch, der indogermanisch abgeleitete gemeinsame Vorfahr späterer keltischer Sprachen. Sowohl die Kultur als auch die Menschen blühten dort mit der Einführung der Eisenverarbeitung und verbesserten landwirtschaftlichen Praktiken auf, aber schließlich zog das Zentrum der Kultur, wenn auch nicht die weit verbreitete Bevölkerung, nach Westen in das Gebiet La Tène der heutigen Schweiz. Bergleute von Salz, Zinn und Kupfer, und Händler in diesen Waren sowie Bernstein, Wolle, Leder, Pelze und Gold, Sie beeinflussten und wurden von den anderen Kulturen um sie herum beeinflusst, einschließlich der Griechen und der Etrusker. Von Anfang an waren sie Experten mit Pferden, was ihnen erhöhte Mobilität für Handel und Krieg gab. Keltische Krieger waren Rom ein Dorn im Auge, drangen in die norditalienische Halbinsel ein und ließen sich dort nieder, und schließlich Rom selbst entlassen.
Ob aufgrund des Bevölkerungsdrucks, der Expansion des Römischen Reiches, der Suche nach neuen Minen und neuen Märkten oder, wie von einigen romantisch vorgeschlagen, einer allgemeinen Unruhe, dehnten sich die Kelten allmählich nach Westen aus, bis sie in der frühen Eisenzeit Irland und Großbritannien erreichten. Diese Stämme wurden zu dem, was heute als Inselkelten bezeichnet wird: die Gälen (Irland und Schottland), die Waliser, die kornischen und die Bretonen, während ihre Verwandten auf dem Festland die kontinentalen Kelten wurden: unter vielen anderen die Gallier (Frankreich), die Galater (Anatolien, in der heutigen Türkei) und die Keltiberer und Celtici (Iberische Halbinsel, jetzt Spanien).
Insbesondere die Gallier sind für ihre Interaktionen mit Rom bekannt und wurden schließlich romanisiert, ebenso wie die anderen kontinentalen Kelten, obwohl sie wiederum Rom in militärischen Angelegenheiten und Reitkunst beeinflussten und oft auf dem römischen Kalvarienberg dienten. Die Römer nahmen auch das keltische Golgatha-Schwert, die Spatha und Epona, die keltische Pferdegöttin, an. Es gab auch eine Vermischung der keltischen Kunst mit der römischen, beide Seiten wurden beeinflusst. Die kontinentalen Kelten nahmen schließlich Latein als ihre Sprache an, während die Inselkelten ihre behielten, die sich zu irischem und schottischem Gälisch, Walisisch, Kornisch, Manx und Breton entwickelte.
Keltische Kunst, wie sie von Kunsthistorikern verwendet wird, bezieht sich auf die Kunst der La Tène-Zeit in Europa, während das, was heute von der Öffentlichkeit allgemein als keltische Kunst angesehen wird, der Stil ist, der im frühen Mittelalter in Großbritannien und Irland entwickelt wurde und in der Kunstgeschichte als Inselkunst bezeichnet wird.
Beide Stile verwenden umfangreiche geometrische Dekoration und haben viele Merkmale aus anderen kulturellen Quellen aufgenommen. Figurative Sujets werden sparsam und stark stilisiert eingesetzt. Kreisformen, Spiralen und Triskeles (oder Triskelion) sind beiden Formen gemeinsam.
Vor der Eroberung durch die Römer entlehnte der La Tène-Stil oft Elemente aus römischen, griechischen und anderen ausländischen Stilen. Später fanden keltische Elemente ihren Weg in die römische Volkskunst wie Keramik.
Die Geschichte der keltischen Knotenarbeit oder der Verflechtungsmuster der Inselkunst, die wir als charakteristisch für die keltische Kunst betrachten, wird verschiedentlich mit Manuskripten der koptischen Mönche Ägyptens und Syriens oder der Germanen wie der Angelsachsen nach Irland gebracht. Einige Quellen sagen, dass die Angelsachsen ihren Stil von den Kelten entwickelten. Da es in den Künsten schon damals viel Interaktion gab, steckt in all diesen Szenarien wahrscheinlich ein bisschen Wahrheit.
Wie auch immer die Knotenarbeiten eintrafen, die begeisterte Verwendung dieser Entwürfe durch die Kelten in Steinarbeiten, Metallarbeiten und illuminierten Manuskripten zeigt uns immer noch ihre großen Fähigkeiten. Die schönsten Werke dieses Inselkunststils stammen aus dem 7. bis 9. Jahrhundert, woraufhin wiederholte Wikingerangriffe das kulturelle Leben einschränkten.
Im 19. und 20.Jahrhundert fand eine Reihe von Bewegungen und Trends unter dem Namen Celtic Revival statt, die das Interesse an Literatur, Poesie, Kunst, Musik und Geschichte der keltischen Völker in ganz Nordwesteuropa wiederbelebten. In vielen keltischen Ländern wurden die keltischen Sprachen wiederbelebt und in einigen Fällen rekonstruiert. In Irland war die Bewegung besonders stark, insbesondere in Bezug auf Kunst und Musik, teilweise als Reaktion auf die Modernisierung und auch als Reaktion auf die Notwendigkeit einer nationalen Identität.
In dieser Zeit beeinflusste der Stil der frühen keltischen Kunst den Jugendstil, und die Menschen begannen, die Methoden zur Konstruktion der dekorativen Elemente, die in der Blütezeit des Inselstils verwendet wurden, wiederzubeleben. Der Interlace-Stil, obwohl möglicherweise germanischen oder anderen Ursprungs, ist zu einem Hauptmotiv in der keltischen Kunst geworden, wie wir sie heute kennen — ein passender Begriff für die Kunst eines Volkes, dessen Einfluss ganz Europa umfasste und das gerne Elemente der Kulturen einbezog, mit denen sie in Kontakt standen. Die Popularität des keltischen Stils zeigt heute keine Anzeichen von Schwinden, ein Beweis für die Attraktivität seiner Flexibilität als Dekoration und die Schönheit seiner anmutigen Linien.
