Das Verständnis von Fotos war noch nie so einfach. Nicht alle Fotos – einschließlich einiger der bekanntesten – wurden mit einer klaren Idee aufgenommen. Selbst wenn sie es waren, wurde die Idee bald übersehen oder vergessen. Eine Umrissgeschichte der Fotografie wäre leicht genug zu schreiben, unter Berücksichtigung einer symbolistischen Phrase um 1900, gefolgt von einer abstrakten „grafischen“ Fotografie in den 1920er Jahren, die wiederum in den 1930er Jahren durch eine humanistische Dokumentation ersetzt wurde. Der angehende Historiker würde jedoch bald durch Anomalien verwirrt sein: fehlstarts, Anachronismen und Beispiele für ungleichmäßige Entwicklung. Es ist fast so, als ob die Fotografie in einer ewigen Gegenwart stattfand, in der zum Beispiel William Fox Talbot (der Erfinder des Negativ-Positiv-Prozesses in den 1840er Jahren) ein interessanter Zeitgenosse bleibt. Unter diesen Bedingungen ist es wahrscheinlich am besten, Fotos einzeln zu betrachten, worauf ich mich in How to Read a Photograph konzentriere.
Zu den Themen des Buches gehört der Versuch, den kulturellen Wandel in den Weltkriegen zu erklären. Müssen die Kriege einen Unterschied in der Art und Weise gemacht haben, wie die Welt aufgebaut wurde? Vor allem der erste Weltkrieg hat viele Bilder hervorgebracht, die das leibliche Wohl zum Thema haben: Die Deutschen essen, trinken und zechen – und bauen an der Ostfront behagliche Quartiere. All diese Fotografien deuten darauf hin, dass die ätherische Moderne der 1920er Jahre eine Reaktion auf die anhaltende Erdigkeit von 1914-18 war. Im Zweiten Weltkrieg traten die Deutschen als desinteressierte Anthropologen in der UdSSR auf, bis sich das Blatt 1942 gegen sie zu wenden begann. (Vielleicht kann diese Tendenz gegen den viel mitfühlenderen Humanismus der 1950er Jahre gestellt werden?) Plötzlich, 1944-5, erscheinen die USA, vollständig modernisiert, in ihren Jeeps und Landungsbooten. Beide Kriege waren Perioden beschleunigter Entwicklung, und in der Fotografie gibt es zahlreiche Beweise.
Aber wie funktioniert Fotografie? Die typische Lebensgeschichte eines angesehenen Fotografen beginnt in einer kleinen Stadt auf dem Balkan oder im Hinterland Japans. Er oder sie war wahrscheinlich ein Träumer und in der eskapistischen Literatur weit verbreitet. Im Hintergrund gibt es meistens ein Kindheitshinterland – über das nicht viel bekannt ist. Das Motiv weiß nicht, was zu tun ist, hat aber ein Geschwister oder einen Verwandten, der sich für Fotografie interessiert – und so beginnt die Geschichte. Auf der Suche nach Möglichkeiten zieht es den Auszubildenden in eine große Stadt: Prag, Berlin, Paris, London und / oder New York.
In der Metropole trifft der Fotograf auf andere Emigranten aus Rumänien und Ungarn und stößt auf Einflüsse: Schriftsteller zum größten Teil, vor allem in Paris in den 1930er und 40er Jahren. Um ihren Lebensunterhalt zu verdienen, arbeiten sie in der Dunkelkammer oder fotografieren für die illustrierte Presse, Agenturen oder Modemagazine. Sie sind sich in der Regel breiterer sozialer Tendenzen bewusst und fügen diese ihren Kindheitserinnerungen und der Kultur hinzu, die sie auf den Straßen und in den Cafés ihrer Wahlheimat finden. Viele von ihnen sind auch Veteranen der beiden Weltkriege und haben viel Erfahrung. Somit dürfte der Geist des Fotografen reich bestückt sein. Der Historiker muss sich nur vorstellen, wie es gewesen sein muss, in diesem Bewusstsein, an diesem Ort, zu dieser Zeit zu sein. Fast jedes Material reicht aus, aber alte Reiseführer sind von unschätzbarem Wert, denn sie setzen Ihre Protagonisten in Beziehung zueinander und zu ihren bevorzugten Orten.
Fotografen, so das Buch, betrachteten sich selbst als Entertainer. Ihre Lieblingsmetapher, vielleicht bis in die 1960er Jahre hinein, war der fahrende Jahrmarkt oder der kleine Zirkus, in dem Sie vielleicht ein Dutzend Attraktionen finden, die hastig aufgebaut wurden. Wahrscheinlich ab den 1930er Jahren waren sie sich der dokumentarischen Tendenzen und des Archivs bewusst, in dem umfassende Aufzeichnungen geführt wurden. Die Fotografie hatte ihren Anteil an Archivaren, vor allem dem großen Eugene Atget, aber für die meisten Menschen war das Archiv eine Zumutung. Traditionell waren Fotografen Wanderer und Schausteller mit nur einer Handvoll Tricks im Ärmel.
Von Anfang an war die Fotografie befremdlich und befreiend. Transkriptiv, Es skizzierte die Szene erschöpfend, Ins Detail gehen, wie wir warteten und uns unterhielten. Es versprach eine Wissenschaft des Alltags, die endlich den Zugang zu all den Ereignissen ermöglichte, die wir für selbstverständlich gehalten hatten oder die wir noch nie wirklich gesehen hatten. In den 1990er Jahren scheint dieser Impuls jedoch ausgetrocknet zu sein. Vielleicht wurde es bis dahin zu Tode gearbeitet, oder es könnte sein, dass die Menschheit in den 1990er Jahren nicht mehr so viel Zeit auf der Straße verbrachte, um interessante Dinge zu tun. Fotografen, insbesondere die neuen amerikanischen Koloristen, haben ihre Aufmerksamkeit zunehmend auf die Nuancen der Szene selbst und auf die Verfeinerungen des Dekors gerichtet.
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