Die Beziehung zwischen Bild und Wort hat eine lange Tradition, die mit den alten Manuskripten begann, aber seit Beginn des 20.Jahrhunderts, mit der künstlerischen Avantgarde, gewinnt die Textkomponente ein hohes Gewicht zurück, da sie zum Objekt der Analyse und (Ent-) Konstruktion wird. Braque und Picasso, Förderer des Kubismus, integrierten Wörter mit Zeitungspapier in ihre Gemälde. Ebenso veränderte der Futurismus von Boccioni und Marinetti gewaltsam die Größe der Typografie innerhalb desselben Wortes, eine Ästhetik ähnlich dem russischen Konstruktivismus, die den Weg für das Grafikdesign markierte. Dada-Poesie war eine massive Revolution. Das Schreiben wurde durch zufällige Auswahl von Wörtern aus verschiedenen Büchern konstruiert, die später das automatische Denken der Surrealisten direkt beeinflussten, um die Welt der Träume und des Unbewussten darzustellen.
Die Grenzen zwischen Kunst, Werbung, Design oder Kommunikation verschwimmen heute zunehmend. Aus der Asche der Avantgarden kamen viele Künstler, die Worte als ihre große Waffe benutzen, um Botschaften zu vermitteln, in einigen Fällen interessante, die die unbestrittene Macht der Worte aufdecken. Im Folgenden sind einige der Künstler, die Aufmerksamkeit mit ihrer Arbeit in einer Vielzahl von Möglichkeiten gefangen haben.
Joseph Kosuth
Kosuth ist einer der Pioniere der Konzeptkunst, die in den 60er und 70er Jahren entstand. Seine Arbeit basiert auf der Dematerialisierung von Kunst; mit anderen Worten, der Künstler lehnt den Begriff des Kunstwerks als kontemplatives Objekt ab. Kosuth trat in Duchamps vorgefertigte Fußstapfen und interessierte sich für die Objektivität geschlossener Konzepte; das heißt, sie werden der unmittelbaren Realität auferlegt, und Worte sind das perfekte Medium, da Definitionen normalerweise konkret und prägnant sind. Auf diese Weise eliminiert der Künstler in seinen Werken alles mit subjektivem Charakter, und das hängt von den Multiinterpretationen des Betrachters ab, um es auf eine einzige Idee zu reduzieren.
Sein Werk „Die Farbe Wittgensteins“ basiert nur auf dem Wort ROT, dessen Beziehung zu seiner Bedeutung wörtlich ist. Im Fall von „One and Three Chairs“, in dem er einen Stuhl seiner Fotografie und ihrer Definition gegenüberstellt, die auch keine Variationen zulässt. Die Bedeutung von Kosuths künstlerischer Arbeit liegt in der Kombination von Wort und Installation, um die Auswirkungen der Sprache auf die Subjektivität der Subjekte zu reflektieren.
Matt Siber
Matt Sibers Arbeit zeichnet sich durch die Intervention urbaner Fotografien aus, bei denen der Schwerpunkt auf Verkehrsschildern, Werbeplakaten auf den Straßen oder den einflussreichsten kapitalistischen Konsummarken liegt. Mit Photoshop beseitigt er die Stützstrukturen dieser Objekte, sodass die Logos schwebend bleiben. Mit dieser Aktion entfernt der Künstler alle visuellen Ablenkungen, um nur auf den Text oder das Logo zu achten. Siber’andererseits basiert das „Untitled Project“ auf der bewussten Abwesenheit von Text. Beide Arbeiten sollen die Macht menschlicher Worte in Bezug auf die öffentliche Sprache erforschen und auf die vielen nicht-traditionellen Arten hinweisen, in denen geschriebene Sprache zur Kommunikation verwendet wird.
Jason Innocent
Innocent ist ein aufstrebender Künstler, der sein soziales Engagement in seiner Arbeit unter Beweis stellt. Er übermittelt seinen Zuschauern eine kraftvolle Botschaft, in der er verschiedene aktuelle soziale Probleme wie Rassismus, Ungleichheiten und Geschlechterstereotypen durch Satire anprangert. In seinen ersten Arbeiten stellt er Zeichnen und Schreiben einer kindlichen Natur gegenüber, die Spontaneität bedeutet. Viele seiner Worte können verkehrt herum sein, durchgestrichen, oder in einer Scrabble-ähnlichen Weise zusammengefügt. In der Kunstszene erlangte er jedoch Anerkennung für seine Graffiti und Schablonen in Lower Manhattan mit einer Mischung aus Zeichnungen, Phrasen, Wörtern, Gedichten und Linien wie seiner Intervention im öffentlichen Raum Anti-Trump-Plakate während seines Wahlkampfs.
Jason Innocent kombiniert auch mit grafischer Sprache. „American Flag“ ist eine Arbeit, in der er das Konzept der amerikanischen Flagge entwaffnet und neu bezeichnet und hinterfragt, was es für die Bürger darstellt, indem er ein Banner mit den überzeugenden Worten NO RACISM, NO SEXISM, NO ABLEISM, NO FATPHOBIA, NO AGEISM, NO TRANSPHOBIA, NO HOMOPHOBIA UND NO HATEFULNESS erstellt. Nach einer ähnlichen Linie hat der Künstler kürzlich minimalistische Bilder mit den Worten HOLY SHIT, RADIO RADIO und Burning the Midnight Oil geschaffen, in denen Innocent an die Wörtlichkeit ihrer Definitionen appelliert. Im Fall von Holy Shit betont er seine Bedeutung mit Großbuchstaben, und im RADIO nutzt er die Ressource der Wiederholung.
Mar Arza
Mar Arza ist ein Bildhauer der Worte. Durch Nicht-Schreiben manipuliert sie die ursprünglichen Geschichten auf der Suche nach einer künstlerischen Lyrik. Unter dem Einfluss der dadaistischen Poesie wählt sie zufällig Wörter aus Buchseiten aus und seziert dann akribisch Texte und Phrasen oder betont Konzepte, die ohne Rahmen oder Kristalle eine skulpturale Form annehmen. Ihre Arbeiten zerstören die hegemoniale Darstellung der Idee der Linearität und fordern die Grenzen des Struktur- und Staffelei-Malkonzepts heraus. Arza nimmt eine disruptive Haltung gegenüber der Idee ein, sowohl Bücher als auch zeitgenössische Kunst zu lesen. Auf diese Weise integriert der Künstler eine Debatte über Wörter und ihre greifbare Dimension und erforscht neue konzeptuelle, verbale und plastische Bedeutungen.
Honda Koichi
Koichi ist ein Meister der arabischen Kalligraphie, obwohl er Japaner ist. Er gehört zu einer kleinen Gemeinschaft von Japanern, die die Religion des Islam praktizieren, die während des Zweiten Weltkriegs entstand. Koichi ist ein interessantes Beispiel für Interkulturalität und die Konstruktion kultureller Stereotypen. Seine Arbeit zwingt uns, über den Begriff Kultur und Identität nachzudenken und uns zu fragen: Warum finden wir es so schockierend, einen japanischen Muslim, einen japanischen Meister der arabischen Kalligraphie zu sehen? Koichi integriert auch die arabischen Schriftzeichen als grafisches Element und achtet dabei auf ihre Abgrenzung und Form. Seine bekannte blaue Pyramide Arbeit ist mit Versen aus dem Koran und an der Spitze gebaut; sie können Allahs Namen, den muslimischen Gott, umgeben von einer weißen Aura lesen.
Barbara Kruger
Barbara Kruger ist eine Pop-Künstlerin, die in New York und Los Angeles arbeitet. Ihre Karriere begann in den späten 60er Jahren mit Mixed-Media-Arbeiten, die oft genähtes Garn, Perlen und andere gebräuchliche Bastelmaterialien enthielten und sie in sexuell suggestive Stücke verwandelten. Dies war der Höhepunkt der Diskussion um die Grenzen zwischen Kunst und Handwerk. Bis 1976 nahm sie ein Sabbatical von ihrer Praxis. Erst als sie die philosophischen Werke von Walter Benjamin und Roland Barthes entdeckte, wurde sie wiederbelebt und nahm die Collage als ihren neuen Fokus auf. Sie expandierte allmählich in andere Bereiche und machte alles von Installationen bis zu T-Shirts.
Sie ist vor allem bekannt für ihre Arbeiten mit gefundenen Schwarz-Weiß-Fotografien, die mit Text überlagert sind, typischerweise in Futura und Helvetica. Mit den Motiven von Magazin- und Plakatwerbung ist Kruger ein Meister darin, den Kontext zu untergraben. Eine ihrer bekanntesten Aussagen, „I shop therefore I am“, beleuchtet ihre häufige Auseinandersetzung mit Konsumismus und Selbstprüfung im Spätkapitalismus. Ähnliche Werke enthalten Texte wie „Du bist nicht du selbst“ und „Wo glaubt sie, dass sie ist?“ Diese provokanten Phrasen sind am bekanntesten in weißem Text auf roten Streifen gesetzt und laden die Bilder mit widersprüchlichen Botschaften und dunkel humorvollen Referenzen auf.
Jenny Holzer
Jenny Holzers Karriere wird durch Text und das Finden neuer Wege definiert, um sie der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Die erste Phase ihrer Arbeit war eine Serie namens Truisms, ein zweijähriges Projekt, das 1977 begann. Sie schnitt bewegende Zitate aus dem Whitley Independent Study Program ab und reproduzierte sie in kursivem schwarzem Text auf Broadsheet-Papier. Der Effekt ist eine umfangreiche Liste von Zitaten, die das Auge blenden, bis genähert und sorgfältig gelesen. Sätze wie „KAPITALISMUS IST SO KÜNSTLICH WIE PLASTIK“ und „ALLES, WAS INTERESSANT IST, IST NEU“ leben hintereinander, Dutzende hintereinander. Diese Broadsheets wurden in öffentlichen Bereichen in Manhattan mit Weizen beklebt, einschließlich Unternehmen und offenen Zäunen. Im Laufe des Projekts druckte sie die Zitate auf Flugblätter, T-Shirts und andere Materialien.
Als Holzers Profil zunahm, begann sie neue Wege zu gehen, um Sprache in die Welt zu projizieren. Sie hat Regierungsdokumente auf einem New Yorker Bibliotheksgebäude freigegeben, Zitate auf elektronischen Flughafenschildern angezeigt und Steinbänke mit Zitaten der Hollywood Ten-Opfer in einem öffentlichen Park installiert. Diese kleine Auswahl zeigt die ganze Bandbreite ihres Oeuvres, das sich über fünf Jahrzehnte fortsetzt.
Ed Ruscha
Ed Ruschas Karriere wird durch die Ethik definiert, hohe Kunst durch kommerzielle Formen zu verfolgen. Diese Neigung trieb Ruscha 1969 an die Spitze der aufstrebenden Pop-Art-Bewegung, als er an der wegweisenden Show „New Painting of Common Objects.“ Seine Biographie zeigt, warum er die einzigartige Fähigkeit hatte, diese Felder zu verschmelzen. Nach einer künstlerischen Ausbildung bei Emerson Woelffer und Robert Irwin am Chouinard Art Institute fand Ruscha eine Anstellung als Layoutdesignerin bei der Werbeagentur Carson-Roberts. In den 60er Jahren hatte Ruscha eine strenge Ausbildung in der Kunst der Printpublikation und nutzte dies, um die Landschaft der Kunst des 20.Jahrhunderts zusammen mit Mitreisenden wie Andy Warhol und Roy Lichtenstein zu verändern.
Ruschas Arbeit erforscht die Typografie und die Manipulation von Buchstabenformen, verwendet Schriften wie gefundene Objekte und wählt manchmal Wörter nicht nach Bedeutung, sondern nach visuellem Interesse. Seine Bilder zeigen oft Text in der Welt, berühmt Tankstellenschilder. In diesen ist er wie ein Landschaftskünstler, der Schrift in freier Wildbahn einfängt. Während er auch in Fotografie und Filmemachen experimentierte, ist sein bleibendes Vermächtnis seine Arbeit mit Text und seine Position als Koryphäe der Pop Art.
Christopher Wool
Christopher Wool ist ein zeitgenössischer Künstler, der im Text durch eine postkonzeptuelle Linse arbeitet – eine Bewegung, die versucht, alle ästhetischen Entscheidungen in den Dienst von Ideen zu stellen. Er lebt und arbeitet in New York, verbringt aber einen Großteil des Jahres in der berühmten Künstler- und Schriftstellerstadt Marfa, Texas. Seine atypische Kunsterziehung hat diesen atypischen Ansatz mitgeprägt. Während er sich Ende der 70er Jahre an der New York Studio School einschrieb, Er ging kurz danach, mit dem größten Teil seiner formalen Ausbildung aus seiner Rolle als Studioassistent für den Bildhauer Joel Shapiro. Stattdessen saugte er die blühende Kunst- und Musikszene der Stadt auf. Wool begann in den 80er Jahren mit Text zu arbeiten und fand seinen charakteristischen Look aus schablonierten schwarzen Buchstaben, die in einem Gittermuster auf weißem Hintergrund angeordnet waren.
Wolle wiederholt häufig Wörter, lässt Vokale fallen und ordnet Leerzeichen neu an oder beseitigt sie. Das Ergebnis ist beeindruckend und stellt die Zuschauer oft vor die Herausforderung, das Geschriebene schnell zu verstehen. Diese verweilende Wirkung seiner Arbeit zwingt den Betrachter, sich durch jeden Buchstaben zu kämpfen, die Geräusche vor sich hin zu murmeln und sich wieder mit dem Akt des Zusammenfügens von Notizen zu einem bedeutungsvollen Wort zu beschäftigen. Die Ergebnisse sind oft humorvoll und kraftvoll. Die konfrontativen Botschaften antagonisieren die langsame Arbeit des Lesens.
Bruce Nauman
Bruce Nauman ist ein Künstler, der in jedem erdenklichen physischen Medium gearbeitet hat. Seine Karriere hat häufig, wenn auch nicht ausschließlich, mit Text gespielt, oft in Neonlicht geschrieben. Er begann seine Ausbildung in Mathematik, bevor er von 1965 bis 66 Kunst an der University of California in Davis studierte. Während seine Kunst mit der Malerei begann, suchte er bald Kino, Performance und Skulptur. Diese Öffnung seiner Beschäftigungen führte zu der großen Variation, mit der er im Laufe seiner Karriere experimentierte.
Seine prächtigen Neonarbeiten stoppen Studien zur Verwendung von Text in der Kunst, mit mehreren hellen Farben und bizarren Layouts, Diese Stücke lassen den Betrachter den Kopf drehen, zurücktreten, und vorwärts treten. In einigen Teilen laufen Phrasen ineinander und brechen bei der Kollision in Winkeln. In anderen, Wörter Spirale aus oder in die Mitte. Naumans spielerische Herangehensweise bringt Optimismus in die existenziellen Themen Psychologie, Sexualität und Kunst.
