förhållandet mellan bilder och ord har en lång tradition som började med de gamla manuskripten, men sedan början av 20-talet, med den konstnärliga avantgarden, återvinner textkomponenten en hög vikt eftersom den blir ett objekt för analys och (dis)konstruktion. Braque och Picasso, initiativtagare till kubismen, införlivade ord i sina målningar med tidningen. På samma sätt förändrade Boccioni och Marinettis futurism våldsamt storleken på typografin inom samma ord, en estetik som liknar Rysk konstruktivism, som markerade vägen för grafisk design. Dada poesi var en massiv revolution. Skrivandet konstruerades genom att slumpmässigt välja ord från olika böcker som senare direkt påverkade det automatiska tänkandet som surrealisterna utförde för att representera drömmarnas värld och det omedvetna.
idag blir gränserna mellan konst, reklam, design eller kommunikation alltmer suddiga. Från avantgardes aska kom många konstnärer som använder ord som sitt stora vapen för att förmedla meddelanden, i vissa fall intressanta, som avslöjar ordens otvivelaktiga kraft. Nedan följer några av konstnärerna som har fängslat uppmärksamhet med sitt arbete på olika sätt.
Joseph Kosuth
Kosuth är en av pionjärerna inom konceptkonst som uppstod på 60-och 70-talet. hans arbete bygger på dematerialisering av konst; med andra ord avvisar konstnären begreppet konstverk som ett kontemplativt objekt. Kosuth följde i Duchamps färdiga fotspår och blev intresserad av objektiviteten hos slutna begrepp; det vill säga att de åläggs omedelbar verklighet, och ord är det perfekta mediet eftersom definitioner vanligtvis är konkreta och koncisa. På detta sätt eliminerar konstnären i sina verk allt med en subjektiv karaktär, och det beror på åskådarens multitolkningar för att reducera det till en enda ide.
hans verk, ”The Colour of Wittgenstein”, bygger bara på Reds ord, vars förhållande till dess betydelse är bokstavligt. När det gäller” en och tre stolar”, där han kontrasterar en stol med sitt fotografi och dess definition, vilket inte heller medger variationer. Betydelsen av Kosuths konstnärliga arbete ligger i kombinationen av orden och installationen för att reflektera över språkets effekter på ämnenas subjektivitet.
Matt Siber
Matt Sibers arbete kännetecknas av interventionen på stadsfotografier där fokus ligger på trafikskyltar, reklamaffischer på vägarna eller de mest inflytelserika kapitalistiska konsumentmärkena. Med Photoshop eliminerar han stödstrukturerna för dessa objekt så att logotyperna lämnas flytande. Med den här åtgärden tar konstnären bort alla visuella distraktioner för att bara uppmärksamma texten eller logotypen. Siber ’ å andra sidan är ”Untitled Project” baserat på avsiktlig frånvaro av text. Båda verken är avsedda att utforska kraften i mänskliga ord om offentligt språk och påpeka de många icke-traditionella sätten på vilka skriftspråk används för att kommunicera.
Jason Innocent
Innocent är en framväxande konstnär som visar sitt sociala engagemang i sitt arbete. Han överför ett kraftfullt budskap till sina tittare där han fördömer olika nuvarande sociala problem som rasism, ojämlikhet och könsstereotyper genom satir. I sina första verk ställer han ihop teckning och skrivning av en barnslig natur som betecknar spontanitet. Många av hans ord kan vara upp och ner, korsade eller sammanfogade på ett Scrabble-liknande sätt. Men han började få erkännande på konstscenen för sin graffiti och stenciler i lower Manhattan med en blandning av teckningar, fraser, ord, poesi och linjer som hans ingripande i det offentliga rummet anti-Trump affischer under sin valkampanj.
Jason Innocent kombinerar också med grafiskt språk. ”Amerikanska flaggan” är ett arbete där han avväpnar och åter betecknar begreppet amerikanska flaggan och ifrågasätter vad den representerar för medborgarna genom att skapa en banner med övertygande ord ingen rasism, ingen SEXISM, ingen förmåga, ingen FATFOBI, ingen ålder, ingen transfobi, ingen homofobi och ingen HATFULLHET. Efter en liknande linje har konstnären nyligen skapat minimalistiska bilder med orden HOLY SHIT, RADIO RADIO och Burning the midnight oil där Innocent appellerar till bokstavligheten i deras definitioner. När det gäller Helig skit betonar han sin mening med användning av stora bokstäver, och i RADIO RADIO använder han repetitionsresursen.
Mar Arza
Mar Arza är en skulptör av ord. Genom icke-skrivande manipulerar hon de ursprungliga berättelserna på jakt efter en konstnärlig lyricism. Under påverkan av dadaistisk poesi väljer hon slumpmässigt ord från böckernas sidor och dissekerar sedan noggrant texter och fraser eller betonar begrepp som tar en skulpturell form utan ramar eller kristaller. Hennes verk förstör den hegemoniska berättelsen om linjäriteten och utmanar gränserna för strukturen och easelmålningskonceptet. Arza antar en störande inställning till tanken på att läsa både böcker och samtida konst. På detta sätt integrerar konstnären en debatt om ord och deras konkreta dimension och utforskar nya konceptuella, verbala och plastiska betydelser.
Honda Koichi
Koichi är en mästare i arabisk kalligrafi trots att han är japansk. Han tillhör en liten gemenskap av japanska som utövar islams religion, som har sitt ursprung under andra världskriget. Koichi är ett intressant exempel på interkulturalitet och byggandet av kulturella stereotyper. Hans arbete tvingar oss att reflektera över begreppet kultur och identitet och fråga oss själva: Varför tycker vi att det är så chockerande att se en japansk Muslim, en japansk mästare i arabisk kalligrafi? Koichi innehåller också de arabiska tecknen som ett grafiskt element, med uppmärksamhet på deras avgränsning och form. Hans välkända blå pyramidarbete är byggt med verser från Koranen och på toppen; du kan läsa Allahs namn, den muslimska Guden, omgiven av en vit aura.
Barbara Kruger
Barbara Kruger är en popartist som arbetar från New York och Los Angeles. Hennes karriär började i slutet av 60-talet, gör blandade medier arbete som ofta ingår sytt garn, pärlor, och andra vanliga hantverksmaterial, förvandla dem till sexuellt suggestiva bitar. Detta var på höjden av diskussionen kring gränserna mellan konst och hantverk. Vid 1976 tog hon ett sabbatsår från sin övning. Det var inte förrän hon upptäckte de filosofiska verk av Walter Benjamin och Roland Barthes att hon blev återupplivad, plocka upp collage som hennes nya fokus. Hon expanderade gradvis till andra områden och gjorde allt från installationer till t-shirts.
hon är mest känd för sina verk med hittade svartvita fotografier överlagda med text, vanligtvis i Futura och Helvetica. Med hjälp av motiven i magasin-och skyltannonser är Kruger en mästare på att undergräva sammanhang. Ett av hennes mest kända uttalanden,” jag handlar därför är jag”, belyser hennes frekventa konfrontation med konsumentism och självundersökningen i senkapitalismen. Liknande verk inkluderar text som, ” du är inte dig själv,” och ”var tror hon att hon är?”Dessa provocerande fraser är mest kända i vit text på röda remsor, laddar bilderna med motstridiga meddelanden och mörkt humoristiska referenser.
Jenny Holzer
Jenny Holzers karriär definieras av text och hitta nya sätt att visa den för allmänheten. Den första fasen av hennes arbete var en serie som heter Truisms, ett tvåårigt projekt som började 1977. Hon klippte rörliga citat från Whitley Independent Study Program och reproducerade dem i kursiv svart text på bredblad. Effekten är en omfattande lista med citat som bländar ögat tills det närmar sig och läses noggrant. Fraser som är så olika som” kapitalismen är lika artificiell som plast ”och” allt som är intressant är nytt ” lever i följd, dussintals uppradade efter varandra. Dessa broadsheets var vete-klistras i allmänna utrymmen runt Manhattan, inklusive företag och öppna staket. Under projektets kurs tryckte hon citaten på broschyrer, T-shirts och annat material.
när Holzers profil ökade började hon driva nya vägar för att projicera språk i världen. Hon har förväntat sig avklassificerade regeringsdokument på en New York-biblioteksbyggnad, visade citat på elektroniska flygplatsskyltar och installerade stenbänkar graverade med citat från Hollywood Ten victims i en offentlig park. Detta lilla urval belyser hela sortimentet av hennes konstnärskap, som fortsätter fem decennier.
Ed Ruscha
Ed Ruschas karriär definieras av etiken att driva hög konst genom kommersiella former. Denna proclivity drev Ruscha i spetsen för den framväxande popkonströrelsen 1969, när han deltog i den banbrytande showen ”New Painting of Common Objects.”Hans biografi visar varför han hade den unika förmågan att slå samman dessa fält. Efter att ha fått en konstutbildning från Emerson Woelffer och Robert Irwin vid Chouinard Art Institute, fick Ruscha anställning som layoutdesigner på Carson-Roberts Reklambyrå. Under 60-talet hade Ruscha rigorös utbildning i tryckpublikationen och använde detta för att förändra landskapet i 20-talets konst tillsammans med andra resenärer som Andy Warhol och Roy Lichtenstein.
Ruschas arbete utforskar typografi och manipulerar bokstavsformer, använder typsnitt som hittade föremål, ibland väljer ord inte för mening men visuellt intresse. Hans målningar har ofta text i världen, berömda bensinstationsskyltar. I dessa är han som en landskapskonstnär som fångar typsnitt i naturen. Samtidigt som han experimenterar med fotografi och filmskapande, är hans bestående arv hans arbete med text och hans position som popkonst.
Christopher Wool
Christopher Wool är en samtida konstnär som arbetar i texten genom en postkonceptuell lins – en rörelse som försöker placera alla estetiska val i ideernas tjänst. Han bor och arbetar i New York men tillbringar en stor del av året i storied artist and writer getaway of Marfa, Texas. Hans atypiska konstutbildning hjälpte till att forma är atypisk inställning. Medan han anmälde sig till New York Studio School i slutet av 70-talet lämnade han strax efter, med det mesta av sin formella utbildning från sin roll som studioassistent för skulptören Joel Shapiro. Istället, han sugit upp den blomstrande konst-och musikscenen i staden. Ull började arbeta med text på 80-talet och hittade sitt signaturutseende av stencilerade svarta bokstäver placerade i ett rutmönster över en vit bakgrund.
ull upprepar ofta ord, tappar vokaler och ordnar om eller eliminerar mellanslag. Resultatet är slående, ofta skapar en utmaning för tittarna att förstå vad som skrivs snabbt. Denna långvariga effekt av hans arbete tvingar tittarna att stå och kämpa genom varje bokstav, muttra ljuden under deras andetag, återuppta med själva handlingen att sätta anteckningar tillsammans för att skapa ett meningsfullt ord. Resultaten är ofta humoristiska och kraftfulla. De konfronterande meddelandena motverkar det långsamma läsarbetet.
Bruce Nauman
Bruce Nauman är en konstnär som har arbetat i alla tänkbara fysiska medier. Hans karriär har ofta, men inte uteslutande, spelat med text, ofta skriven i neonljus. Han började sin utbildning i matematik innan han studerade konst vid University of California, Davis, från 1965 till 66. Medan hans konst började med målning, han sökte film, prestanda, och skulptur inom kort. Att öppnandet av hans sysselsättningar ledde till den stora variationen han experimenterade med under sin karriär.
hans glänsande neonverk stoppar studier i användningen av text i konst, med flera ljusa färger och bisarra layouter, dessa bitar skickar tittarna att vända på huvudet, gå tillbaka och gå framåt. I vissa delar, fraser bryr sig in i varandra och bryter i vinklar i kollisionen. I andra, ord spiral ut från eller in i mitten. Naumans lekfulla tillvägagångssätt ger optimism till de existentiella teman Psykologi, sexualitet och strävan efter konst.
