związek między obrazami i słowami ma długą tradycję, która rozpoczęła się od starożytnych manuskryptów, ale od początku XX wieku, wraz z awangardą artystyczną, komponent tekstowy odzyskuje dużą wagę, stając się obiektem analizy i (dis)konstrukcji. Braque i Picasso, promotorzy kubizmu, włączali słowa do swoich obrazów za pomocą gazety. Podobnie futuryzm Boccioniego i Marinettiego gwałtownie zmienił rozmiar typografii w obrębie tego samego słowa, estetykę podobną do rosyjskiego konstruktywizmu, który wytyczył ścieżkę projektowania graficznego. Poezja Dada była ogromną rewolucją. To pisanie zostało skonstruowane przez losowe wybieranie słów z różnych książek, które później bezpośrednio wpłynęły na automatyczne myślenie, które surrealiści przeprowadzili, aby reprezentować świat marzeń i nieświadomości.
dziś granice między sztuką, reklamą, designem czy komunikacją stają się coraz bardziej zacierające. Z popiołów awangardy zrodziło się wielu artystów, którzy używają słowa jako swojej wielkiej broni do przekazywania wiadomości, w niektórych przypadkach interesujących, eksponujących niewątpliwą moc słów. Poniżej przedstawiamy kilku artystów, którzy na różne sposoby przyciągnęli uwagę swoją pracą.
Joseph Kosuth
Kosuth jest jednym z pionierów sztuki konceptualnej, która pojawiła się w latach 60. i 70. jego prace opierają się na dematerializacji sztuki; innymi słowy, artysta odrzuca pojęcie dzieła sztuki jako obiektu kontemplacyjnego. Kosuth poszedł w gotowe ślady Duchampa i zainteresował się obiektywizmem zamkniętych pojęć, czyli tym, że są one narzucane rzeczywistości bezpośredniej, a słowa są doskonałym medium, ponieważ definicje są zwykle konkretne i zwięzłe. W ten sposób artysta eliminuje w swoich pracach wszystko, co ma subiektywny charakter, a to zależy od wielowymiarowych interpretacji widza, aby sprowadzić je do jednej idei.
jego dzieło, „Kolor Wittgensteina”, opiera się jedynie na słowie Reda, którego związek z jego znaczeniem jest dosłowny. W przypadku „jednego i trzech krzeseł”, w którym kontrastuje krzesło ze swoim zdjęciem i jego definicją, która również nie dopuszcza wariacji. Znaczenie pracy artystycznej Kosutha polega na połączeniu słów i instalacji w celu refleksji nad wpływem języka na podmiotowość podmiotów.
Matt Siber
prace Matta Sibera charakteryzują się interwencją na miejskich fotografiach, gdzie nacisk kładziony jest na znaki drogowe, plakaty reklamowe na drogach, czy najbardziej wpływowe marki kapitalistycznego konsumpcjonizmu. Za pomocą programu Photoshop eliminuje struktury nośne tych obiektów, dzięki czemu logo pozostają pływające. Korzystając z tej akcji, artysta usuwa wszelkie zakłócenia wizualne, aby zwrócić uwagę tylko na tekst lub logo. Siber 'son natomiast” projekt Bez tytułu ” opiera się na celowym braku tekstu. Obie prace mają na celu zgłębienie siły ludzkich słów w odniesieniu do języka publicznego i zwrócenie uwagi na wiele nietradycyjnych sposobów, w jakie język pisany jest używany do komunikacji.
Jason Innocent
Innocent jest wschodzącym artystą, który demonstruje swoje zaangażowanie społeczne w swojej pracy. Przekazuje widzom potężne przesłanie, w którym poprzez satyrę potępia różne aktualne problemy społeczne, takie jak rasizm, nierówności i stereotypy płciowe. W swoich pierwszych pracach zestawia rysunek i pisanie o dziecinnej naturze, która oznacza spontaniczność. Wiele z jego słów może być do góry nogami, przekreślonych lub połączonych ze sobą w sposób podobny do Scrabble. Jednak zaczął zdobywać uznanie na scenie artystycznej za swoje graffiti i szablony na Dolnym Manhattanie z mieszaniną rysunków, fraz, słów, poezji i linii, takich jak jego interwencja w przestrzeni publicznej anty-Trumpowe plakaty podczas kampanii wyborczej.
Jason Innocent łączy również za pomocą języka graficznego. „American Flag” to praca, w której rozbraja i ponownie oznacza koncepcję amerykańskiej flagi i kwestionuje to, co reprezentuje ona dla obywateli, tworząc baner z przekonującymi słowami NO RACISM, NO SEXISM, NO ABLEISM, NO FATPHOBIA, NO AGEISM, NO TRANSFOBIA, NO homofobia, NO HATEEFULNESS. Idąc tym tropem, artysta stworzył ostatnio minimalistyczne obrazy słowami HOLY SHIT, RADIO RADIO i Burning the midnight oil, w których Innocent odwołuje się do dosłowności ich definicji. W przypadku Pisma Świętego podkreśla jego znaczenie za pomocą dużych liter, a w radiu wykorzystuje zasób powtórzeń.
Mar Arza
Mar Arza jest rzeźbiarzem słów. Poprzez niepisanie manipuluje oryginalnymi historiami w poszukiwaniu artystycznego liryzmu. Pod wpływem poezji Dadaistycznej losowo wybiera słowa ze stron książek, a następnie skrupulatnie rozcina teksty i frazy lub podkreśla koncepcje, które przybierają rzeźbiarską formę bez RAM i kryształów. Jej prace niszczą hegemoniczne ujęcie idei linearności i podważają granice koncepcji struktury i malarstwa sztalugowego. Arza przyjmuje destrukcyjny stosunek do idei czytania zarówno książek, jak i Sztuki Współczesnej. W ten sposób artystka integruje debatę o słowach i ich namacalnym wymiarze oraz eksploruje nowe konceptualne, słowne i plastyczne znaczenia.
Honda Koichi
Koichi jest mistrzem kaligrafii arabskiej, mimo że jest Japończykiem. Należy do niewielkiej społeczności Japończyków, którzy praktykują religię islamu, która powstała podczas II Wojny Światowej. Koichi jest interesującym przykładem międzykulturowości i budowy stereotypów kulturowych. Jego praca zmusza nas do refleksji nad pojęciem Kultury i tożsamości i zadaje sobie pytanie: dlaczego tak szokuje nas Widok japońskiego muzułmanina, japońskiego mistrza kaligrafii arabskiej? Ponadto, Koichi zawiera znaki arabskie jako element graficzny, zwracając uwagę na ich wytyczenie i formę. Jego dobrze znane dzieło blue pyramid jest zbudowane z wersetów z Koranu i u góry; możesz odczytać imię Allaha, Muzułmańskiego Boga, otoczonego białą aurą.
Barbara Kruger
Barbara Kruger jest artystką popową pracującą w Nowym Jorku i Los Angeles. Jej kariera rozpoczęła się pod koniec lat 60., wykonując prace w mediach mieszanych, które często obejmowały szytą przędzę, koraliki i inne popularne materiały rzemieślnicze, przekształcając je w elementy sugestywne seksualnie. Było to u szczytu dyskusji wokół linii między sztuką a rzemiosłem. W 1976 roku wzięła urlop naukowy z praktyki. Dopiero gdy odkryła filozoficzne dzieła Waltera Benjamina i Rolanda Barthesa, ożywiła się, skupiając się na kolażu. Stopniowo rozszerzała się na inne dziedziny, robiąc wszystko, od instalacji po koszulki.
najbardziej znana jest ze swoich prac prezentujących czarno-białą fotografię nakładaną tekstem, zazwyczaj w Futurze i Helvetice. Wykorzystując motywy reklam magazynowych i billboardowych, Kruger jest mistrzem w obalaniu kontekstu. Jedno z jej najbardziej znanych stwierdzeń,” kupuję dlatego jestem”, podkreśla jej częstą konfrontację z konsumpcjonizmem i badaniem jaźni w późnym kapitalizmie. Podobne prace obejmują tekst ” nie jesteś sobą „i” gdzie ona myśli, że jest?”Te prowokacyjne frazy są najbardziej znane w białym tekście na czerwonych paskach, ładując obrazy sprzecznymi wiadomościami i mrocznymi, humorystycznymi odniesieniami.
Jenny Holzer
kariera Jenny Holzer jest zdefiniowana przez tekst i znalezienie nowych sposobów na zaprezentowanie go opinii publicznej. Pierwszą fazą jej pracy był cykl Truisms, dwuletni projekt rozpoczęty w 1977 roku. Przycinała poruszające cytaty z programu Whitley Independent Study I powielała je kursywą w czarnym tekście na arkuszu. Efektem jest obszerna lista cytatów, które oślepiają oko, dopóki nie podejdą i uważnie przeczytają. Zdania tak różne jak „kapitalizm jest sztuczny jak plastik” i „wszystko, co ciekawe, jest nowe” żyją w kolejności, dziesiątki ustawionych jeden po drugim. Te arkusze były wklejane w publicznych miejscach na Manhattanie, w tym w firmach i otwartych ogrodzeniach. W trakcie trwania projektu drukowała cytaty na ulotkach, koszulkach i innych materiałach.
wraz ze wzrostem profilu Holzera zaczęła poszukiwać nowych dróg do przekazywania języka na świat. Spodziewała się odtajnionych dokumentów rządowych na budynku Biblioteki w Nowym Jorku, wyświetlała cytaty na elektronicznych znakach lotniska i zainstalowała kamienne ławki z wygrawerowanymi cytatami z hollywoodzkich dziesięciu ofiar w publicznym parku. Ten niewielki wybór podkreśla pełny zakres jej twórczości, trwającej pięć dekad.
ed Ruscha
kariera Eda Ruschy jest zdefiniowana przez etykę uprawiania sztuki wysokiej poprzez formy komercyjne. W 1969 r. Ruscha znalazł się na czele rozwijającego się ruchu pop-artu, kiedy to wziął udział w przełomowym pokazie „New Painting of Common Objects.”Jego biografia pokazuje, dlaczego miał wyjątkową zdolność łączenia tych dziedzin. Po otrzymaniu wykształcenia artystycznego od Emersona Woelffera i Roberta Irwina w Chouinard Art Institute, Ruscha znalazł zatrudnienie jako projektant layoutu w agencji reklamowej Carson-Roberts. W latach 60. Ruscha przeszedł rygorystyczne szkolenie w dziedzinie druku i wykorzystał je do zmiany krajobrazu sztuki XX wieku wraz z towarzyszami podróży, takimi jak Andy Warhol i Roy Lichtenstein.
prace Ruschy eksplorują typografię i manipulują kształtami liter, używając krojów pisma, takich jak znalezione przedmioty, czasami wybierając słowa nie dla znaczenia, ale dla zainteresowania wizualnego. Na jego obrazach często pojawiają się teksty na świecie, słynne znaki stacji benzynowych. W nich jest jak pejzażysta, który przechwytuje krój pisma na wolności. Choć eksperymentuje również w fotografii i filmie, jego trwałą spuścizną jest praca z tekstem i jego pozycja jako luminarza pop-artu.
Christopher Wool
Christopher Wool jest współczesnym artystą, który pracuje w tekście z perspektywy postkonceptualnej-ruchu, który stara się umieścić wszystkie wybory estetyczne w służbie idei. Mieszka i pracuje w Nowym Jorku, ale większość roku spędza w opowiadanym artysty i pisarza getaway w Marfa w Teksasie. Jego nietypowa Edukacja artystyczna pomogła ukształtować nietypowe podejście. Podczas gdy zapisał się do New York Studio School pod koniec lat 70-tych, opuścił wkrótce potem, z większą częścią swojego formalnego wykształcenia z roli asystenta studyjnego rzeźbiarza Joela Shapiro. Zamiast tego wchłonął kwitnącą scenę artystyczną i Muzyczną w mieście. Wool rozpoczął pracę z tekstem w latach 80., znajdując swój charakterystyczny wygląd wzorowanych czarnych liter umieszczonych w siatkowym wzorze na białym tle.
wełna często powtarza słowa, upuszcza samogłoski i przestawia lub eliminuje spacje. Wynik jest uderzający, często stanowi wyzwanie dla widzów, aby szybko zrozumieć to, co jest napisane. Ten utrzymujący się efekt jego pracy zmusza widzów do stania i zmagania się z każdą literą, mrucząc dźwięki pod ich oddechem, powracając z samym aktem składania notatek w celu stworzenia znaczącego słowa. Wyniki są często zabawne i mocne. Konfrontacyjne przekazy antagonizują powolną pracę czytania.
Bruce Nauman
Bruce Nauman jest artystą, który pracował w każdym możliwym medium fizycznym. W swojej karierze często, choć nie wyłącznie, bawił się tekstem, często pisanym w neonie. W latach 1965-66 rozpoczął naukę matematyki, a następnie studiował sztukę na Uniwersytecie Kalifornijskim w Davis. Podczas gdy jego sztuka zaczynała się od malarstwa, wkrótce poszukiwał kina, performansu i rzeźby. To otwarcie jego poszukiwań doprowadziło do szerokiej różnorodności, z którą eksperymentował w swojej karierze.
jego olśniewające neonowe prace zatrzymują studia nad wykorzystaniem tekstu w sztuce, używając wielu jasnych kolorów i dziwacznych układów, te prace sprawiają, że widzowie odwracają głowy, cofają się i idą naprzód. W niektórych częściach frazy przenikają się wzajemnie i załamują pod kątem w zderzeniu. W innych, słowa spirali się z lub do centrum. Żartobliwe podejście naumana przynosi optymizm egzystencjalnym tematom psychologii, seksualności i pogoni za sztuką.
