a képek és szavak közötti kapcsolatnak hosszú hagyománya van, amely az ősi kéziratokkal kezdődött, de a 20.század eleje óta a művészi avantgárddal a szöveges komponens nagy súlyt nyer, mivel elemzés és (dis)Építés tárgyává válik. Braque és Picasso, a kubizmus támogatói, szavakat építettek be festményeikbe újság segítségével. Hasonlóképpen, Boccioni és Marinetti futurizmusa erőszakosan megváltoztatta a tipográfia méretét ugyanabban a szóban, az orosz konstruktivizmushoz hasonló esztétika, amely a grafikai tervezés útját jelölte meg. A Dada költészet hatalmas forradalom volt. Az írás úgy jött létre, hogy véletlenszerűen kiválasztott szavakat különböző könyvekből, amelyek később közvetlenül befolyásolták azt az automatikus gondolkodást, amelyet a szürrealisták az álmok és a tudattalan világának ábrázolására hajtottak végre.
napjainkban a művészet, a reklám, a design vagy a kommunikáció közötti határok egyre inkább elmosódnak. Az avantgárdok hamvaiból sok művész jött, akik nagy fegyverként használják a szavakat üzenetek továbbítására, egyes esetekben érdekesek, amelyek feltárják a szavak kétségtelen erejét. Az alábbiakban bemutatjuk azokat a művészeket, akik munkájukkal különféle módon ragadták meg a figyelmet.
Joseph Kosuth
Kosuth a konceptuális művészet egyik úttörője, amely a 60-as és 70-es években jelent meg. munkája a művészet dematerializációján alapul; más szavakkal, a művész elutasítja a műalkotás mint szemlélődő tárgy fogalmát. Kosuth Duchamp kész nyomdokaiba lépett, és érdeklődött a zárt fogalmak objektivitása iránt; vagyis hogy a közvetlen valóságba kényszerítik őket, és a szavak a tökéletes közeg, mivel a definíciók általában konkrétak és tömörek. Ily módon műveiben a művész mindent szubjektív jelleggel kizár, ez pedig a néző többértelmezésén múlik, hogy egyetlen ötletre redukálja-e.
“Wittgenstein színe” című műve csak RED szaván alapul, amelynek jelentése szó szerinti. Az “egy és három szék” esetében, amelyben szembeállítja a széket a fényképével és annak meghatározásával, amely szintén nem ismeri el a variációkat. Kosuth művészi munkájának jelentősége a szavak és az installáció kombinációjában rejlik, hogy tükrözze a nyelvnek az alanyok szubjektivitására gyakorolt hatását.
Matt Siber
Matt Siber munkáját a városi fényképek beavatkozása jellemzi, ahol a hangsúly a közlekedési táblákra, az utakon lévő reklámplakátokra vagy a legbefolyásosabb kapitalista fogyasztói márkákra összpontosít. A Photoshop használatával kiküszöböli ezen objektumok tartószerkezeteit, hogy a logók lebegjenek. Ezzel a művelettel a művész eltávolítja az összes vizuális zavaró tényezőt, hogy csak a szövegre vagy a logóra figyeljen. Siber ‘másrészt a” cím nélküli projekt ” a szöveg szándékos hiányán alapul. Mindkét mű célja, hogy feltárja az emberi szavak erejét a köznyelvre vonatkozóan, és rámutat arra a sok nem hagyományos módra, ahogyan az írott nyelvet használják a kommunikációhoz.
Jason Innocent
Innocent egy feltörekvő művész, aki bemutatja társadalmi elkötelezettségét munkájában. Erőteljes üzenetet közvetít nézőinek, amelyben szatírán keresztül elítéli a különböző aktuális társadalmi problémákat, például a rasszizmust, az egyenlőtlenségeket és a nemi sztereotípiákat. Első műveiben a spontaneitást jelző gyermeki jellegű rajzolást és írást állítja egymás mellé. Sok szava lehet fejjel lefelé, áthúzva vagy Scrabble-szerű módon összekapcsolva. Azonban elkezdett elismerést szerezni a művészeti életben az alsó-manhattani graffiti és stenciljeivel, rajzok, kifejezések, szavak, Költészet és vonalak keverékével, mint például a köztéri Trump-ellenes plakátokba való beavatkozása a választási kampány során.
Jason Innocent grafikus nyelvet is használ. Az “amerikai zászló” egy olyan munka, amelyben lefegyverzi és újraértelmezi az amerikai zászló fogalmát, és megkérdőjelezi, hogy mit jelent a polgárok számára azáltal, hogy létrehoz egy transzparenst, amely lenyűgöző szavakkal rendelkezik: nincs rasszizmus, nincs szexizmus, nincs képesség, nincs FATFÓBIA, nincs ageizmus, nincs transzfóbia, nincs homofóbia és nincs gyűlölet. Hasonló vonalat követve a művész nemrégiben minimalista képeket készített a HOLY SHIT, RADIO RADIO és burning the midnight oil szavakkal, amelyekben az Innocent a definícióik szó szerinti értelmezésére hivatkozik. A Szent szar esetében nagybetűkkel hangsúlyozza annak jelentését, a rádióban pedig az ismétlés erőforrását használja.
Mar Arza
Mar Arza a szavak szobrásza. A nem írás révén manipulálja az eredeti történeteket művészi lírai keresés céljából. A dadaista költészet hatására véletlenszerűen választja ki a szavakat a könyvek oldalain, majd aprólékosan boncolja a szövegeket és kifejezéseket, vagy hangsúlyozza azokat a fogalmakat, amelyek keretek vagy kristályok nélkül szobrászati formát öltenek. Munkái megsemmisítik a linearitás eszméjének hegemón beszámolóját, és megkérdőjelezik a szerkezet és a festőállvány-koncepció határait. Arza zavaró hozzáállást tanúsít mind a könyvek, mind a kortárs művészet olvasása iránt. Ily módon a művész integrálja a vitákat a szavakról és azok kézzelfogható dimenziójáról, és új fogalmi, verbális és plasztikus jelentéseket fedez fel.
Honda Koichi
Koichi az arab kalligráfia mestere, annak ellenére, hogy Japán. Egy kis Japán közösséghez tartozik, akik az iszlám vallást gyakorolják, amely a második világháború idején keletkezett. Koichi érdekes példája az interkulturalitásnak és a kulturális sztereotípiák felépítésének. Munkája arra kényszerít bennünket, hogy elmélkedjünk a kultúra és az identitás fogalmán, és feltegyük magunknak a kérdést: miért olyan megdöbbentő látni egy japán muszlimot, az arab kalligráfia Japán mesterét? A Koichi grafikus elemként is magában foglalja az arab karaktereket, figyelve azok körvonalaira és formájára. Jól ismert kék piramis munkája a Korán verseiből épül fel; elolvashatja Allah nevét, a muszlim Istent, fehér aurával körülvéve.
Barbara Kruger
Barbara Kruger New York-i és Los Angeles-i popművész. Karrierje a 60-as évek végén kezdődött, vegyes média munkát végzett, amely gyakran varrott fonalat tartalmazott, gyöngyök, és más általános kézműves anyagok, szexuálisan szuggesztív darabokká változtatva őket. Ez volt a csúcspont a művészet és a kézművesség közötti határvonal körül. 1976-ra szabadságot vett ki a praxisából. Nem volt egészen addig, amíg felfedezte Walter Benjamin és Roland Barthes filozófiai munkáit, hogy új lendületet kapott, felvette a kollázst, mint új fókuszát. Fokozatosan terjeszkedett más területekre, mindent elkészítve a telepítésektől a pólókig.
leginkább a szöveggel borított fekete-fehér fényképekről ismert, jellemzően a Futura és a Helvetica. A magazinok és hirdetőtáblák motívumait felhasználva Kruger a kontextus felforgatásának mestere. Az egyik legismertebb kijelentése, hogy “vásárolok, tehát vagyok”, kiemeli a fogyasztással és az önvizsgálattal való gyakori konfrontációját a késői kapitalizmusban. Hasonló művek közé tartozik a szöveg, mint a “nem vagy önmagad”, és a ” Where does she think she is?”Ezek a provokatív kifejezések a leghíresebbek fehér szövegekben, piros csíkokon, egymásnak ellentmondó üzenetekkel és sötét humoros utalásokkal töltik meg a képeket.
Jenny Holzer
Jenny Holzer karrierjét a szöveg határozza meg, és új módszereket keres a nyilvánosság számára. Munkájának első szakasza a Truisms nevű sorozat volt, egy kétéves projekt, amely 1977-ben kezdődött. Mozgó idézeteket vágott le a Whitley Independent Study programból, és dőlt betűvel fekete szöveggel reprodukálta őket széles lappapírra. A hatás az idézetek széles listája, amelyek elkápráztatják a szemet, amíg meg nem közelítik és figyelmesen elolvassák. Az olyan különböző kifejezések, mint a “kapitalizmus olyan mesterséges, mint a műanyag” és a “minden, ami érdekes, új” egymás után élnek, tucatnyi sorban egymás után. Ezeket a táblákat búzával ragasztották a Manhattan körüli nyilvános helyiségekben, beleértve az üzleteket és a nyitott kerítéseket. A projekt során az idézeteket szórólapokra, pólókra és egyéb anyagokra nyomtatta.
ahogy Holzer profilja növekedett, új utakat kezdett keresni a nyelv világra vetítésére. Arra számított, hogy a New York-i könyvtár épületében feloldják a kormányzati dokumentumokat, idézeteket jelenítenek meg az elektronikus repülőtéri táblákon, és egy nyilvános parkban a Hollywood Ten victims idézeteivel vésett kőpadokat helyeztek el. Ez a kis választék kiemeli öt évtizeden át tartó életművének teljes skáláját.
Ed Ruscha
Ed Ruscha karrierjét a magas művészet kereskedelmi formákon keresztüli folytatásának etikája határozza meg. Ez a hajlam 1969-ben a feltörekvő pop art mozgalom élvonalába vezette Ruschát, amikor részt vett a “közös tárgyak új festménye.”Életrajza megmutatja, miért volt egyedülálló képessége ezen mezők egyesítésére. Miután művészeti oktatást kapott Emerson Woelffertől és Robert Irwintől a Chouinard Művészeti Intézetben, Ruscha a Carson-Roberts reklámügynökségnél talált munkát layout tervezőként. A 60-as években Ruscha szigorú képzésben részesült a nyomtatott kiadvány művészetében, és ezt használta a 20.századi művészet tájképének megváltoztatására olyan utazókkal együtt, mint Andy Warhol és Roy Lichtenstein.
Ruscha munkája a tipográfiát és a betűformák manipulálását vizsgálja, olyan betűtípusokat használ, mint a talált tárgyak, néha a szavakat nem a jelentés, hanem a vizuális érdeklődés szempontjából választja ki. Festményei gyakran tartalmaznak szöveget a világon, híresen Benzinkút táblák. Ezekben olyan, mint egy tájművész, aki a betűtípust a vadonban ragadja meg. Miközben fényképezéssel és filmkészítéssel is kísérletezik, maradandó öröksége a szöveggel végzett munkája és a pop art világítótesteként betöltött pozíciója.
Christopher Wool
Christopher Wool kortárs művész, aki a szövegben posztkonceptuális lencsén keresztül dolgozik-egy mozgalom, amely minden esztétikai választást az ötletek szolgálatába kíván helyezni. New Yorkban él és dolgozik, de az év nagy részét a Texasi Marfa-ban, a legendás művész és író menekülésében tölti. Atipikus Művészeti oktatása segített formálni az atipikus megközelítést. Míg a 70-es évek végén beiratkozott a New York-i Stúdióiskolába, nem sokkal később távozott, hivatalos képzésének nagy részét Joel Shapiro szobrász stúdióasszisztens szerepéből töltötte be. Ehelyett felszívta a város virágzó művészeti és zenei életét. Wool a 80-as években kezdett szöveggel dolgozni, fehér alapon rácsmintába helyezett sablonos fekete betűk aláírási megjelenését találta.
a gyapjú gyakran megismétli a szavakat, eldobja a magánhangzókat, átrendezi vagy megszünteti a szóközöket. Az eredmény feltűnő, gyakran kihívást jelent a nézők számára, hogy gyorsan megértsék az írottakat. Munkájának ez az elhúzódó hatása arra kényszeríti a nézőket, hogy álljanak és küzdjenek minden betűn keresztül, motyogva a lélegzetük alatt lévő hangokat, újra összekapcsolva a jegyzeteket, hogy értelmes szót alkossanak. Az eredmények gyakran humorosak és erőteljesek. A konfrontatív üzenetek ellentétesek az olvasás lassú munkájával.
Bruce Nauman
Bruce Nauman olyan művész, aki minden elképzelhető fizikai közegben dolgozott. Karrierje gyakran, bár nem kizárólag, szöveggel játszott, gyakran neonfényben írták. Tanulmányait matematikával kezdte, mielőtt művészetet tanult volna a Kaliforniai Egyetemen, Davis, 1965 – től 66-ig. Míg művészete a festészettel kezdődött, hamarosan mozit, előadást és szobrászatot keresett. Törekvéseinek ez a megnyitása ahhoz a széles változatossághoz vezetett, amellyel karrierje során kísérletezett.
ragyogó neonművei megállítják a szöveg művészetben való használatának tanulmányozását, több élénk színt és bizarr elrendezést használva, ezek a darabok a nézőket elfordítják, visszalépnek és előre lépnek. Egyes részein, mondatok careen egymásba, és szünet szögben az ütközés. Másokban a szavak a középpontból vagy a középpontba kerülnek. Nauman játékos megközelítése optimizmust hoz a pszichológia, a szexualitás és a művészet iránti törekvés egzisztenciális témáiba.
