vztah mezi obrazy a slovy má dlouhou tradici, která začala starými rukopisy, ale Od počátku 20. století, s uměleckou avantgardou, získává textová složka vysokou váhu, protože se stává předmětem analýzy a (dis)konstrukce. Braque a Picasso, propagátoři kubismu, začlenili slova do svých obrazů pomocí novin. Podobně Boccioni a Marinettiho futurismus násilně změnili velikost typografie v rámci stejného slova, estetiku podobnou ruskému konstruktivismu, který označil cestu pro grafický design. Dada poezie byla masivní revoluce. Jeho psaní bylo vytvořeno náhodným výběrem slov z různých knih, které později přímo ovlivnily automatické myšlení, které surrealisté provedli, aby reprezentovali svět snů a nevědomí.
dnes se hranice mezi uměním, reklamou, designem nebo komunikací stále více stírají. Z popela avantgard přišlo mnoho umělců, kteří používají slova jako svou velkou zbraň k předávání zpráv, v některých případech zajímavých, které odhalují nepochybnou sílu slov. Níže jsou někteří umělci, kteří svou prací zaujali pozornost různými způsoby.
Joseph Kosuth
Kosuth je jedním z průkopníků konceptuálního umění, které vzniklo v 60. a 70. letech. jeho práce je založena na dematerializaci umění; jinými slovy, umělec odmítá pojem uměleckého díla jako kontemplativního objektu. Kosuth následoval Duchampovy připravené kroky a začal se zajímat o objektivitu uzavřených konceptů; to znamená, že jsou uvaleny na okamžitou realitu a slova jsou dokonalým médiem, protože definice jsou obvykle konkrétní a stručné. Tímto způsobem umělec ve svých dílech eliminuje vše se subjektivním charakterem a to závisí na multiinterpretacích diváka, aby ho omezil na jediný nápad.
jeho dílo „Barva Wittgensteina“ je založeno pouze na červeném slově, jehož vztah k jeho významu je doslovný. V případě „jedné a tří židlí“, ve kterých kontrastuje židli se svou fotografií a její definicí, která také nepřipouští variace. Význam Kosuthovy umělecké tvorby spočívá v kombinaci slov a instalace k zamyšlení nad vlivy jazyka na subjektivitu subjektů.
Matt Siber
práce Matta Sibera je charakterizována zásahem do městských fotografií, kde je kladen důraz na dopravní značky, reklamní plakáty na silnicích nebo nejvlivnější kapitalistické konzumní značky. Pomocí Photoshopu eliminuje podpůrné struktury těchto objektů tak, aby loga zůstala plovoucí. Pomocí této akce umělec odstraní všechna vizuální rozptýlení, aby věnoval pozornost pouze textu nebo logu. Siber ‚na druhé straně je“ projekt bez názvu “ založen na úmyslné absenci textu. Cílem obou prací je prozkoumat sílu lidských slov týkajících se veřejného jazyka a poukázat na mnoho netradičních způsobů komunikace psaného jazyka.
Jason Innocent
Innocent je rozvíjející se umělec, který ve své práci demonstruje svůj společenský závazek. Svým divákům předává silné poselství, ve kterém satirou odsuzuje různé současné sociální problémy, jako je rasismus, nerovnosti a genderové stereotypy. Ve svých prvních dílech vedle sebe kreslí a píše dětskou povahu, která označuje spontánnost. Mnoho z jeho slov může být vzhůru nohama, přeškrtnuto, nebo se spojili způsobem podobným Scrabble. Nicméně, on začal získávat uznání na umělecké scéně pro jeho graffiti a šablony na dolním Manhattanu se směsí kreseb, fráze, slova, poezie, a linky, jako je jeho zásah do veřejného prostoru anti-Trump plakáty během jeho volební kampaně.
Jason Innocent také kombinuje použití grafického jazyka. „Americká vlajka“ je dílo, ve kterém odzbrojuje a znovu označuje koncept americké vlajky a ptá se, co představuje pro občany, vytvořením banneru s přesvědčivými slovy žádný rasismus, Žádný sexismus, Žádný ABLEISMUS, žádná FATFOBIE, Žádný ageismus, žádná transfobie, žádná homofobie a žádná nenávist. Po podobné linii umělec nedávno vytvořil minimalistické obrazy se slovy HOLY SHIT, RADIO RADIO a Burning the midnight oil, ve kterých Innocent apeluje na doslovnost svých definic. V případě Holy Shit zdůrazňuje jeho význam pomocí velkých písmen A V rozhlasovém rádiu používá zdroj opakování.
Mar Arza
Mar Arza je sochař slov. Nepsáním manipuluje s původními příběhy a hledá uměleckou lyriku. Pod vlivem dadaistické poezie náhodně vybírá slova ze stránek knih a poté pečlivě rozebírá texty a fráze nebo zdůrazňuje koncepty, které nabývají sochařské podoby bez rámečků nebo krystalů. Její práce ničí hegemonický popis myšlenky linearity a zpochybňují meze struktury a konceptu malířského stojanu. Arza zaujímá rušivý postoj k myšlence čtení knih i současného umění. Umělec tak integruje debatu o slovech a jejich hmatatelném rozměru a zkoumá nové konceptuální, verbální a plastické významy.
Honda Koichi
Koichi je mistrem arabské kaligrafie, přestože je japonský. Patří k malé komunitě Japonců, kteří praktikují islámské náboženství, které vzniklo během druhé světové války. Koichi je zajímavým příkladem interkulturality a budování kulturních stereotypů. Jeho práce nás nutí přemýšlet o pojetí kultury a identity a ptát se sami sebe: proč považujeme za tak šokující vidět japonského muslima, japonského mistra arabské kaligrafie? Koichi také zahrnuje arabské znaky jako grafický prvek a věnuje pozornost jejich vymezení a formě. Jeho známá práce s modrou pyramidou je postavena s verši z Koránu a nahoře; můžete si přečíst jméno Alláha, Muslimského Boha, obklopeného bílou aurou.
Barbara Kruger
Barbara Kruger je popová umělkyně pracující z New Yorku a Los Angeles. Její kariéra začala na konci 60.let, dělá smíšené mediální práce, které často zahrnovaly šité příze, korálky, a další běžné řemeslné materiály, přeměnit je na sexuálně sugestivní kousky. To bylo na vrcholu diskuse o hranicích mezi uměním a řemeslem. V roce 1976 si vzala volno z praxe. Teprve když objevila filozofická díla Waltera Benjamina a Rolanda Barthese, znovu se oživila, vyzvednutí koláže jako svého nového zaměření. Postupně expandovala do dalších oborů a vyráběla vše od instalací až po trička.
ona je nejvíce známá pro její kusy představovat nalezené černobílé fotografie překryté textem, typicky ve Futura a Helvetica. Pomocí motivů časopisů a billboardových reklam je Kruger mistrem v rozvracení kontextu. Jeden z jejích nejznámějších výroků „nakupuji, proto jsem,“ zdůrazňuje její častou konfrontaci s konzumem a zkoumáním sebe sama v pozdním kapitalismu. Podobné práce zahrnují text jako, „nejsi sám sebou,“ a “ kde si myslí, že je?“Tyto provokativní fráze jsou nejlépe zasazeny do Bílého textu na červených proužcích a nabíjí obrázky protichůdnými zprávami a temně vtipnými odkazy.
Jenny Holzer
kariéra Jenny Holzer je definována textem a hledáním nových způsobů, jak ji zobrazit veřejnosti. První fází její práce byla série s názvem Truisms, dvouletý projekt začínající v roce 1977. Ořezala pohyblivé citace z nezávislého studijního programu Whitley a reprodukovala je kurzívou černým textem na širokoúhlém papíře. Efekt je rozsáhlý seznam citací, které oslňují oko, dokud se nepřiblíží a pozorně si je přečte. Fráze tak nesourodé jako „kapitalismus je umělý jako plast „a“ všechno, co je zajímavé, je nové“, žijí postupně, desítky seřazené jeden po druhém. Na veřejných prostranstvích v okolí Manhattanu, včetně podniků a otevřených plotů, byly tyto tabulky rozmístěny. V průběhu projektu tiskla citace na letáky, trička a další materiály.
jak se Holzerův profil zvětšil, začala hledat nové cesty k promítání jazyka do světa. Očekávala odtajněné vládní dokumenty o budově Newyorské knihovny, zobrazené citace na elektronických letištních cedulích, a instaloval kamenné lavičky s vyrytými citacemi z hollywoodských deseti obětí ve veřejném parku. Tento malý výběr zdůrazňuje celou škálu její tvorby, která pokračuje pět desetiletí.
ed Ruscha
kariéra Eda Ruschy je definována etikou prosazování vysokého umění prostřednictvím komerčních forem. Tento sklon přivedl Ruschu do popředí vznikajícího pop artového hnutí v roce 1969, kdy se zúčastnil klíčové výstavy “ Nová malba společných objektů.“Jeho životopis ukazuje, proč měl jedinečnou schopnost sloučit tato pole. Poté, co získal umělecké vzdělání od Emersona Woelffera a Roberta Irwina v Chouinard Art Institute, našel Ruscha zaměstnání jako designér rozvržení v reklamní agentuře Carson-Roberts. V průběhu 60. let, Ruscha měl přísný výcvik v umění tištěné publikace a použil to ke změně krajiny umění 20. století spolu s spolucestujícími jako Andy Warhol a Roy Lichtenstein.
Ruschova práce zkoumá typografii a manipulaci s tvary písmen, používá písma jako nalezené objekty, někdy volí slova ne pro význam, ale pro vizuální zájem. Jeho obrazy často obsahují text ve světě, proslulé nápisy na čerpacích stanicích. V nich je jako krajinář, který zachycuje písmo ve volné přírodě. Zároveň experimentuje ve fotografii a filmování, jeho trvalým odkazem je jeho práce s textem a jeho pozice jako svítidla pop artu.
Christopher Wool
Christopher Wool je současný umělec, který pracuje v textu prostřednictvím postkonceptuální čočky-hnutí, které se snaží umístit všechny estetické volby do služby myšlenkám. Žije a pracuje v New Yorku, ale většinu roku tráví v proslulém umělci a spisovateli getaway of Marfa, Texas. Jeho atypická výtvarná výchova pomáhala formovat je atypický přístup. Zatímco se na konci 70. let zapsal na Newyorskou studiovou školu, krátce poté odešel, s většinou jeho formálního výcviku z role studiového asistenta sochaře Joela Shapira. Místo toho nasákl prosperující uměleckou a hudební scénu ve městě. Wool začal pracovat s textem v 80. letech, najít jeho podpis vzhled šablonovaných černých písmen umístěných v mřížkovém vzoru na bílém pozadí.
vlna často opakuje slova, klesá samohlásky a přeskupuje nebo odstraňuje mezery. Výsledek je zarážející, často vytváří výzvu pro diváky, aby pochopili, co je napsáno rychle. Tento přetrvávající účinek jeho práce nutí diváky stát a bojovat každým písmenem, mumlal zvuky pod jejich dechem, znovu se zapojil do samotného aktu spojování poznámek, aby vytvořil smysluplné slovo. Výsledky jsou často vtipné a silné. Konfrontační zprávy znepřátelují pomalou práci čtení.
Bruce Nauman
Bruce Nauman je umělec, který pracoval v každém myslitelném fyzickém médiu. Jeho kariéra často, i když ne výlučně, hrál s textem, často psaný neonovým světlem. Začal své vzdělání sleduje matematiku před studiem umění na University of California, Davis, od roku 1965 do 66. Zatímco jeho umění začalo s malbou, hledal kino, představení, a sochařství zanedlouho. Toto otevření jeho pronásledování vedlo k široké variaci, se kterou během své kariéry experimentoval.
jeho zářivé neonové práce zastavují studium používání textu v umění, používají více jasných barev a bizarních rozvržení, tyto kusy posílají diváky, kteří otáčejí hlavou, ustupují a vykročují vpřed. V některých částech, fráze careen do sebe a zlomit v úhlech při srážce. V jiných, slova spirála z nebo do středu. Naumanův hravý přístup vnáší optimismus do existenciálních témat psychologie, sexuality a snahy o umění.
