Il rapporto tra immagini e parole, ha una lunga tradizione iniziata con antichi manoscritti, ma fin dall’inizio del 20 ° secolo, con le avanguardie artistiche, la componente testuale recupera un peso elevato, in quanto diventa un oggetto di analisi e di (dis)costruzione. Braque e Picasso, promotori del cubismo, incorporarono le parole nei loro dipinti usando il giornale. Allo stesso modo, il futurismo di Boccioni e Marinetti alterò violentemente la dimensione della tipografia all’interno della stessa parola, un’estetica simile al costruttivismo russo, che segnò la strada per la progettazione grafica. La poesia Dada è stata una rivoluzione enorme. La sua scrittura è stata costruita selezionando parole a caso da diversi libri che in seguito hanno influenzato direttamente il pensiero automatico che i surrealisti hanno realizzato per rappresentare il mondo dei sogni e dell’inconscio.
Oggi i confini tra arte, pubblicità, design o comunicazione sono sempre più sfumati. Dalle ceneri delle avanguardie sono venuti molti artisti che usano le parole come la loro grande arma per trasmettere messaggi, in alcuni casi, interessanti, che espongono l’indubbio potere delle parole. Di seguito sono riportati alcuni degli artisti che hanno catturato l’attenzione con il loro lavoro in una varietà di modi.
Joseph Kosuth
Kosuth è uno dei pionieri dell’arte concettuale emersa negli anni ’60 e’ 70. Il suo lavoro si basa sulla dematerializzazione dell’arte; in altre parole, l’artista rifiuta la nozione di opera d’arte come oggetto contemplativo. Kosuth seguì le orme preconfezionate di Duchamp e si interessò all’oggettività dei concetti chiusi; cioè che sono imposti alla realtà immediata, e le parole sono il mezzo perfetto poiché le definizioni sono solitamente concrete e concise. In questo modo, nelle sue opere, l’artista elimina tutto ciò che ha un carattere soggettivo, e ciò dipende dalle molteplici interpretazioni dello spettatore per ridurlo a un’unica idea.
Il suo lavoro, “Il colore di Wittgenstein”, si basa solo sulla parola di RED, la cui relazione con il suo significato è letterale. Nel caso di “Una e tre sedie”, in cui contrappone una sedia con la sua fotografia e la sua definizione, che non ammette nemmeno variazioni. L’importanza del lavoro artistico di Kosuth risiede nella combinazione delle parole e dell’installazione per riflettere sugli effetti del linguaggio sulla soggettività dei soggetti.
Matt Siber
Il lavoro di Matt Siber è caratterizzato dall’intervento sulle fotografie urbane dove l’attenzione è rivolta ai segnali stradali, ai manifesti pubblicitari sulle strade, o ai più influenti marchi del consumismo capitalista. Usando Photoshop, elimina le strutture di supporto di questi oggetti in modo che i loghi siano lasciati fluttuanti. Usando questa azione, l’artista rimuove tutte le distrazioni visive per prestare attenzione solo al testo o al logo. D’altra parte, il “Progetto senza titolo” si basa sulla deliberata assenza di testo. Entrambe le opere hanno lo scopo di esplorare il potere delle parole umane riguardo al linguaggio pubblico e sottolineare i molti modi non tradizionali in cui il linguaggio scritto viene utilizzato per comunicare.
Jason Innocent
Innocent è un artista emergente che dimostra il suo impegno sociale nel suo lavoro. Trasmette un messaggio potente ai suoi spettatori in cui denuncia diversi problemi sociali attuali come il razzismo, le disuguaglianze e gli stereotipi di genere attraverso la satira. Nelle sue prime opere, giustappone il disegno e la scrittura di una natura infantile che denota spontaneità. Molte delle sue parole possono essere capovolte, cancellate o unite in modo simile a Scrabble. Tuttavia, ha iniziato a ottenere riconoscimenti sulla scena artistica per i suoi graffiti e stencil a Lower Manhattan con una miscela di disegni, frasi, parole, poesie e linee come il suo intervento in manifesti anti-Trump nello spazio pubblico durante la sua campagna elettorale.
Jason Innocent combina anche usando il linguaggio grafico. “American Flag” è un’opera in cui disarma e re-significa il concetto di bandiera americana e mette in discussione ciò che rappresenta per i cittadini creando uno striscione con le parole convincenti NO RACISM, NO SEXISM, NO ABLEISM, NO FATPHOBIA, NO AGEISM, NO TRANSFOBIA, NO OMOFOBIA, E NO HATEFULNESS. Seguendo una linea simile, l’artista ha recentemente creato immagini minimaliste con le parole HOLY SHIT, RADIO RADIO, e Burning the midnight oil in cui Innocent fa appello alla letteralità delle loro definizioni. Nel caso di Holy Shit, sottolinea il suo significato con l’uso di lettere maiuscole, e in RADIO RADIO, usa la risorsa della ripetizione.
Mar Arza
Mar Arza è uno scultore di parole. Attraverso la non scrittura, manipola le storie originali alla ricerca di un lirismo artistico. Sotto l’influenza della poesia dadaista, sceglie le parole a caso dalle pagine dei libri e poi analizza meticolosamente testi e frasi o enfatizza concetti che assumono una forma scultorea senza cornici o cristalli. Le sue opere distruggono il racconto egemonico dell’idea di linearità e sfidano i limiti della struttura e del concetto di pittura da cavalletto. Arza adotta un atteggiamento dirompente verso l’idea di leggere sia libri che arte contemporanea. In questo modo, l’artista integra un dibattito sulle parole e sulla loro dimensione tangibile ed esplora nuovi significati concettuali, verbali e plastici.
Honda Koichi
Koichi è un maestro della calligrafia araba nonostante sia giapponese. Appartiene a una piccola comunità di giapponesi che praticano la religione dell’Islam, nata durante la seconda guerra mondiale. Koichi è un interessante esempio di interculturalità e costruzione di stereotipi culturali. Il suo lavoro ci costringe a riflettere sulla nozione di cultura e identità e a chiederci: perché troviamo così scioccante vedere un musulmano giapponese, un maestro giapponese di calligrafia araba? Inoltre, Koichi incorpora i caratteri arabi come elemento grafico, prestando attenzione alla loro delineazione e forma. Il suo noto lavoro a piramide blu è costruito con versi del Corano e in alto; puoi leggere il nome di Allah, il Dio musulmano, circondato da un’aura bianca.
Barbara Kruger
Barbara Kruger è un’artista pop che lavora a New York e Los Angeles. La sua carriera è iniziata alla fine degli anni ‘ 60, facendo lavori di tecnica mista che spesso includevano filati cuciti, perline e altri materiali artigianali comuni, trasformandoli in pezzi sessualmente suggestivi. Questo è stato al culmine della discussione intorno ai confini tra arte e artigianato. Nel 1976, si prese un anno sabbatico dalla sua pratica. Non è stato fino a quando ha scoperto le opere filosofiche di Walter Benjamin e Roland Barthes che si è rinvigorita, raccogliendo collage come il suo nuovo focus. Si è gradualmente espansa in altri campi, realizzando di tutto, dalle installazioni alle t-shirt.
Lei è più noto per i suoi pezzi con trovato fotografia in bianco e nero sovrapposti con testo, tipicamente in Futura e Helvetica. Utilizzando i motivi delle pubblicità di riviste e cartelloni pubblicitari, Kruger è un maestro nel sovvertire il contesto. Una delle sue dichiarazioni più note,” I shop therefore I am”, mette in evidenza il suo frequente confronto con il consumismo e l’esame di sé nel tardo capitalismo. Opere simili includono testo come “Tu non sei te stesso” e ” Dove pensa di essere?”Queste frasi provocatorie sono notoriamente impostate in testo bianco su strisce rosse, caricando le immagini con messaggi contrastanti e riferimenti cupi e umoristici.
Jenny Holzer
La carriera di Jenny Holzer è definita dal testo e dalla ricerca di nuovi modi per mostrarla al pubblico. La prima fase del suo lavoro è stata una serie chiamata Truisms, un progetto biennale iniziato nel 1977. Ha ritagliato le citazioni in movimento dal programma di studio indipendente Whitley e le ha riprodotte in corsivo nero su carta broadsheet. L’effetto è un ampio elenco di citazioni che abbagliano l’occhio fino a quando non si avvicina e legge attentamente. Frasi così disparate come “IL CAPITALISMO È ARTIFICIALE COME LA PLASTICA” e “TUTTO CIÒ CHE È INTERESSANTE È NUOVO” vivono in successione, decine in fila uno dopo l’altro. Questi fogli sono stati grano-incollato nelle aree pubbliche intorno a Manhattan, comprese le imprese e recinzioni aperte. Durante il corso del progetto, ha stampato le citazioni su volantini, t-shirt e altri materiali.
Mentre il profilo di Holzer aumentava, iniziò a perseguire nuove strade per proiettare il linguaggio nel mondo. Si è aspettata documenti governativi declassificati su un edificio della biblioteca di New York, ha visualizzato citazioni su cartelli aeroportuali elettronici e ha installato panchine di pietra incise con citazioni delle Dieci vittime di Hollywood in un parco pubblico. Questa piccola selezione mette in evidenza l’intera gamma della sua opera, che continua cinque decenni.
Ed Ruscha
La carriera di Ed Ruscha è definita dall’etica di perseguire l’alta arte attraverso forme commerciali. Questa propensione ha spinto Ruscha in prima linea nel movimento emergente della pop art nel 1969, quando ha partecipato alla mostra seminale ” Nuova pittura di oggetti comuni.”La sua biografia mostra perché ha avuto la capacità unica di unire questi campi. Dopo aver ricevuto un’educazione artistica da Emerson Woelffer e Robert Irwin al Chouinard Art Institute, Ruscha trovò lavoro come layout designer presso l’agenzia pubblicitaria Carson-Roberts. Negli anni ‘ 60, Ruscha ha avuto una formazione rigorosa nell’arte della pubblicazione a stampa e ha usato questo per cambiare il paesaggio dell’arte del 20 ° secolo insieme a compagni di viaggio come Andy Warhol e Roy Lichtenstein.
Il lavoro di Ruscha esplora la tipografia e la manipolazione delle forme delle lettere, usando i caratteri tipografici come oggetti trovati, a volte scegliendo le parole non per significato ma per interesse visivo. I suoi dipinti spesso dispongono di testo in tutto il mondo, notoriamente segni stazione di servizio. In questi, è come un paesaggista che cattura il carattere tipografico in natura. Mentre sperimenta anche nella fotografia e nel cinema, la sua eredità duratura è il suo lavoro con il testo e la sua posizione di luminare della pop art.
Christopher Wool
Christopher Wool è un artista contemporaneo che lavora nel testo attraverso una lente post-concettuale — un movimento che cerca di mettere tutte le scelte estetiche al servizio delle idee. Vive e lavora a New York, ma trascorre gran parte dell ” anno nella fuga artista e scrittore piani di Marfa, Texas. La sua formazione artistica atipica ha contribuito a plasmare l’approccio atipico. Mentre si iscrive alla New York Studio School alla fine degli anni ‘ 70, ha lasciato poco dopo, con la maggior parte della sua formazione formale dal suo ruolo di assistente di studio per lo scultore Joel Shapiro. Invece, ha assorbito la fiorente scena artistica e musicale della città. Wool ha iniziato a lavorare con il testo negli anni ‘ 80, trovando il suo aspetto caratteristico di lettere nere stencil poste in un motivo a griglia su uno sfondo bianco.
Lana spesso ripete le parole, gocce vocali, e riorganizza o elimina gli spazi. Il risultato è sorprendente, spesso creando una sfida per gli spettatori a cogliere ciò che è scritto in fretta. Questo effetto persistente del suo lavoro costringe gli spettatori a stare in piedi e lottare attraverso ogni lettera, borbottando i suoni sotto il loro respiro, reengaging con l’atto stesso di mettere insieme le note per creare una parola significativa. I risultati sono spesso umoristici e forti. I messaggi conflittuali antagonizzano il lento lavoro di lettura.
Bruce Nauman
Bruce Nauman è un artista che ha lavorato in ogni mezzo fisico immaginabile. La sua carriera ha spesso, anche se non esclusivamente, giocato con il testo, spesso scritto in luce al neon. Ha iniziato la sua formazione perseguendo la matematica prima di studiare arte presso l’Università della California, Davis, dal 1965 al 66. Mentre la sua arte ha iniziato con la pittura, era alla ricerca di cinema, performance e scultura in poco tempo. Che l ” apertura delle sue attività ha portato alla vasta variazione ha sperimentato nel corso della sua carriera.
I suoi splendenti lavori al neon stanno fermando gli studi sull’uso del testo nell’arte, utilizzando molteplici colori vivaci e layout bizzarri, questi pezzi inviano gli spettatori girando la testa, facendo un passo indietro e facendo un passo avanti. In alcune parti, frasi careen in ogni altro e rompere ad angoli nella collisione. In altri, le parole spirale fuori da o verso il centro. L’approccio giocoso di Nauman porta ottimismo ai temi esistenziali della psicologia, della sessualità e della ricerca dell’arte.
